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Klandestinos

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Tsuguharu Foujita  Léonard-Tsuguharu Foujita (Tokio. Japón 1886-Zúrich. Suiza 1968)

 

 

Tsuguharu Foujita fue un pintor, diseñador, decorador e ilustrador de origen japonés nacionalizado francés. Foujita fue una de las figuras más importantes de la denominada Escuela de París, aunque desarrolló un estilo personal, aplicando técnicas de pintura japonesa a temas y estilos occidentales. El cambio de su nombre de pila se explica porque en 1959 se convirtió al Catolicismo y fue bautizado con el nombre de Léonard en honor del Beato Leonardo Kimura (1575-1619), uno de los mártires de Japón.

 

 

Familia e Infancia

 

 

Tsuguharu Fujita (en Francia occidentalizaría el apellido Foujita) nace el 27 de noviembre de 1886 en el barrio de Shin Ogawa, en el Distrito de Ushigome de Tokio (actual Distrito de Edogawa), bajo el reinado del Emperador Meiji (1867-1912), Mutsuhito (1852-1912). Originario de un familia aristocrática, Foujita tiene un gran respeto por las tradicciones japonesas. Aunque profundamente imbuido de estos valores, el pintor se siente atraído por Europa y su cultura. Tsuguharu Foujita, cuyo ideograma "Tsugu-Haru" (significa "Heredero-Paz", por lo tanto "Heredero de la Paz") intentará a lo largo de su carrera artística casarse con los dos mundos (Oriental y Occidental). En palabras de Foujita: "Mi cuerpo creció en Japón y mi obra en Francia. Tengo mi familia en Japón y a mis amigos en Francia. Ahora me he convertido en un cosmopolita de dos patrias".

 

Tsuguharu es hijo del Géneral Tsuguakira Fujita (1854-1941) (1), oficial médico del Ejército Imperial Japonés y descendiente de una antigua familia de samuráis. Su madre se llama Masa (1857-91). Tsuguharu es el más pequeño de cuatro hermanos, dos niñas (Yasu y Kiku) y dos niños (Tsuguo y Tsuguharu). En 1888, la familia Foujita se traslada a vivir a un pequeño pueblo de la prefectura de Kumamoto, llamado Kieta. En 1891, fallece su madre cuando él contaba tan solo con cinco años, siendo educado por su hermana Yasu. En 1892 regresan a Tokio y en 1893, se inscribe en la Escuela Elemental de Tokio, anexo de la Escuela Normal Superior. Es en estos años cuando realiza sus primeros dibujos a tinta. En 1898, realiza su primera pintura al óleo "La Gallina y sus Huevos".

 

 

Juventud y Estudios

 

 

En 1900, cuando contaba con solo catorce años de edad, uno de sus dibujos es seleccionado por el jurado oficial para ser presentado en el Pabellón Japonés de la Exposición Universal de París. Estudia en la escuela secundaria por la mañana y por la noche estudia francés en el exclusivo colegio Ecole de L’Etoile du Matin (Escuela de la Estrella de la Mañana) de Tokio. Después de la escuela secundaria, su idea era estudiar Bellas Artes en París, pero los consejos del amigo de su padre, el novelista y poeta Ōgai Mori (1862-1922), (2) que había vivido en Europa, le hicieron desistir y decidió estudiar primero en Japón. En 1904, comienza un año de preparación para el examen concurso de admisión a la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tōkyō Bijutsu Gakkō) inscribiéndose en el estudio-taller de Kinkichirō Honda (1850-1921), donde el primer semestre realiza un curso de pintura tradicional japonesa (Nihonga) (3) y el segundo semestre un curso de pintura al óleo de estilo occidental (Yōga). En 1905, es admitido en la Escuela de Bellas Artes de Tokio donde eligió la categoría de pintura occidental, y tiene como profesores, de pintura clásica a Seihō Takeuchi (1864-1942) (4), Kōtarō Nagaoka y especialmente a Seiki Kuroda (1866-1924) (5). En 1907, en su segundo año en la Escuela de Bellas Artes de Tokio tiene como profesor a Eisaku Wada (1874-1959) (6). Entre sus compañeros de clase destacamos a Noboru Hasegawa (1886-1973) (7). Foujita se gradua en Pintura de Estilo Occidental en la Escuela de Bellas Artes de Tokio en 1910.

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Autorretrato (c.1910. Óleo sobre lienzo) - © Fondation Foujita

 

En mayo de ese año, tres de sus pinturas son elegidas para ser expuestas en el Salón de la Sociedad Caballo Blanco -Hakuba kai- creado por Kuroda. En 1911, recibe su primer encargo oficial: Retrato del Emperador de Corea en el Exilio en Japón. En mayo de ese año, cuatro de sus pinturas son expuestas en la Sala de Exposiciones Kangyō de Tokio, donde expondrá también dos telas en 1912. En junio de 1912, expone tres telas en el Salón de la Luz y el Viento -Kófu kai- de Tokio. También en ese año, contrae matrimonio con Tomiko Tokita (o Kamoda) (8), maestra en una escuela femenina en la Prefectura de Chiba, de la que se divorciaría en 1916. Sus pinturas antes de viajar a París las firmaba con su verdadero apellido en japonés "Fujita" antes de occidentalizarlo por "Foujita".

 

 

Primera Etapa Parisina (1913-19)

 

 

Foujita se embarca el 18 de junio de 1913 en el paquebote Mishima Maru en el puerto de Mori en la isla de Kyūshū y llega a París vía Marsella el 6 de agosto de 1913, instalándose en el barrio de Montparnasse, en plena efervescencia artística. Su primera residencia en París fue en el Hotel Odessa (28, rue de Odessa) en el barrio de Montparnasse. A penas llegar a París, Foujita conoce a Pablo Picasso (1881-1973), Marc Chagall (1887-1985), Chaim Soutine (1893-1943), Amedeo Modigliani (1884-1920) o Jules Pascin (1885-1930), entre otros. Se hace muy amigo del pintor mexicano Diego Rivera (1886-1957). De refinada educación y cortesía exquisita, con una atractiva y extravagante apariencia, Foujita y la sutileza de su trazo despertaron la admiración de los artistas del barrio bohemio de Montparnasse, que de inmediato lo acogieron en su seno. Después de residir en el Hotel Odessa, Foujita comparte taller con su primer amigo japonés en París, el pintor Riichirō Kawashima (1886-1971) (9), en una zona cercana a las murallas de París al sur de Montparnasse. Ellos siguen las enseñanzas naturalistas de Raymond Duncan (1874-1966) (10). En esta época, Foujita vacila entre la danza y la pintura. Visita regularmente el Museo del Louvre, pasando mucho tiempo en las salas de arte antiguo. Con motivo del estallido de la Primera Guerra Mundial en julio de 1914 y con los alemanes a las puertas de París, Foujita decide trasladarse a Londres donde trabajó como restaurador para un anticuario y como diseñador de ropa para los grandes almacenes Selfridges. En Londres vive en el nº 71 de Royal Hospital Road en Chelsea. Después de una corta estancia en Londres en 1914, regresa a París a principios de 1915, instalándose en la calle Cité Falguière (distrito 15) cerca de donde vivían Chaim Soutine (1893-1943) y Amedeo Modigliani (1884-1920), con los cuales comenzó una gran amistad. A principios de verano de 1915 se traslada a la Dordoña junto a Kawashima instalándose en el Castillo de Marzac en Eyzies-de-Tayac, gracias al Conde de Fleurieu que les propuso trabajar en el mantenimiento del castillo pues no podían recibir dinero alguno de sus familias debido a la guerra. A principios de octubre de 1915, Kawashima regresa a Tokio vía Estados Unidos y Foujita regresa a París en febrero de 1916. Esta estancia en Dordoña fue muy significativa, especialmente para Foujita, porque sus obras de los años finales de la década de 1910 recuerdan a algunos dibujos de las cuevas de Eyzies (posteriormente Foujita volvería junto a su esposa Kimiyo a la Dordoña en 1939).

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Ángeles y sirenas (1918. Acuarela, pan de oro y tinta negra sobre papel. 28.6 x 42.9 cm. Colección Privada. Chicago. Illinois. Estados Unidos) - © Fondation Foujita

 

A principios de 1917, deja su estudio de la calle Cité Falguière por uno más grande en el nº 3 de la calle Vercingétorix (distrito 14). El 13 de marzo de 1917, en el café La Rotonde en el barrio parisino de Montparnasse conoció a la modelo y también pintora Fernande Barrey (1893-1960) (11). Foujita se enamoró locamente de ella y se casaron trece días después, el 27 de marzo ante el alcalde del 14º Distrito (12). Los Foujita se van a vivir al nº 5 de la calle Delambre, donde el pintor establece su estudio en el patio trasero donde permanecería hasta 1924. En junio de 1917, Foujita tiene su primera exposición individual en la Galería Chéron (56, rue La Boétie), con un gran éxito. La exposición estaba formada por 110 dibujos y acuarelas. En 1918, los Foujita se fueron a vivir a Cagnes-sur-Mer (en el departamento de Alpes Marítimos), donde ella pasó un año pintando y reuniéndose con amigos parisinos. En esta época, Fernande se hizo amiga de la modelo y pintora Jeanne Hébuterne (1898-1920) (13), prometida de Modigliani. También eran muy amigos del escultor Ossip Zadkine (1890-1967) y de la pintora Valentine Prax (1897-1981), de cuya boda fueron testigos el 14 de agosto de 1920 en Bruniquel. A últimos de 1918, el director de la Galería Devambez, Édouard Devambez (1844-1923) (14) -que era el suegro del director de la Galería Chéron, George Chéron (d.1931) (15)- firma un contrato con Foujita para ser representado por su galería. Foujita se convierte por pleno derecho en un artista de la llamada Escuela de París.

 

 

Segunda Etapa Parisina (1920-31)

 

 

En los años 20 por su estudio pasaron algunos alumnos entre ellos cabe destacar: Raymond Gay-Bellile (1905-90). En 1920, es miembro del jurado del Salón de Otoño presidido por Pierre Bonnard (1867-1947), junto a Fernand Léger (1881-1955) y Jean Metzinger (1883-1956). En 1921, gracias a uno de sus mecenas, el abogado y pasante de la galería Chéron, Heinrich Seeholzer (1883-1932) de Zurich, que le había comprado ya cerca de un centenar de obras, Foujita viaja a Italia, donde visitó entre otros lugares, Roma y Milán. En Roma, se queda impresionado por las obras de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina y obtiene audiencia con el Papa Benedicto XV (1854-1922), que le encarga su retrato pero este moriría antes de empezarlo. En el Salón de Otoño de 1922, Foujita expone tres lienzos entre ellos Desnudo Tumbado con Toile de Jouy (1922. Óleo, tinta, carboncillo y lápiz sobre lienzo. 130 x 195 cm. Donación del artista en 1961. Museo de Arte Moderno de la Villa de París. Francia), inspirado en la Olympia de Édouard Manet (1832-83), que tuvo un gran éxito y lanzó definitivamente su carrera artística. En 1924, expuso asiduamente en el Cafe de La Rotonde en Montparnasse. En octubre de ese mismo año, Foujita obtiene un gran éxito en el Salón de Otoño con su óleo Youki, Diosa de la Nieve (1924. Óleo sobre lienzo. 126 x 173 cm. Petit Palais. Ginebra. Suiza). De 1924 a 1927, Foujita vive en el nº 17 de la calle Henri Martin (actual calle de Jules Massenet) en el Distrito XVI de París. Como anécdota, el 1 de mayo de 1924, Foujita tiene un accidente de moto chocando contra un autobús en el muelle de Malaquais resultando herido con una fractura en el tobillo derecho siendo llevado al Hospital de la Caridad (16).

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Mujer Acostada (1923. Óleo sobre lienzo. 50.6 x 61 cm. Colección particular) - © Fondation Foujita

 

En 1925, la pareja Foujita tenía una relación muy abierta con personas de ambos sexos. Pero Foujita nunca aceptó que Fernande Barrey tuviera una relación con el pintor japonés Sei Koyanagi (1896-1948) (17), que era primo suyo. Un día sin avisar a su mujer, Foujita se fue a la casa de la artista y modelo belga Lucie Badoul (1903-66) (18) -Youki-, que había posado varias veces para él y de la que se había enamorado locamente. En abril de 1925 se le concede el título de Caballero de la Legión de Honor (19) y en enero de 1926 a propuesta del Ministro de Asuntos Exteriores belga, Émile Vandervelde (1866-1938), el rey de los belgas Alberto I (1875-1934) le concede la Cruz de Caballero de la Orden de Leopoldo (20). En 1925 fue miembro del jurado internacional del Concurso de Carteles de la Cruz Roja (21) y de los Premios de la Exposición de Artes Decorativas y en 1926, fue miembro del jurado en el Salón Nacional de Bellas Artes. En abril de 1926, Foujita realiza el cartel para el baile de la Asociación de Ayuda a los Artistas (A.A.A.A.) (22), el cual fue censurado y retirado de los andenes del metro que administraba la compañía Nord-Sud (Société du chemin de fer électrique souterrain Nord-Sud de Paris -Sociedad del ferrocarril eléctrico subterráneo de París Norte-Sur) (23). El baile tuvo lugar en mayo en el Moulin de la Galette (24). Los Foujita solía pasar las vacaciones de verano en Deauville en Normandía. En 1926, el Estado Francés adquiere una de sus obras: La Amistad (1924. Óleo y cola sobre lienzo. 146 x 89 cm. Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou. París. Francia) (25). En 1926 y 1927 su obra se expone permanentemente por las galerías: de Arte Contemporáneo, Granoff, Mantelet-Colette Weil, Graat, André, Diam, Chéron y Ernest de Frenne. En octubre de 1926, Foujita realiza el cartel del Salón del Franco (26). En diciembre de 1926, el Museo de El Havre adquirie una obra de Foujita junto a obras de Edmond Ceria (1884-1955), Jean Fautrier (1898-1964), Albert Gleizes (1881-1953), Sei Koyanagui (1896-1948), Émile Mompart (1898-1972) o Louis Valdo-Barbey (1883-1965), entre otros. (27). En julio de 1927 decora el espectáculo japonés de teatro "La Máscara" en la Comedia de los Campos Elíseos. (28). De últimos de 1927 a 1929, los Foujita viven en el nº 3 de la Plaza Montsouris en el Distrito XIV de París, donde también tiene su estudio. (29). En 1928, los Foujita conocen al poeta surrealista Robert Desnos (1900-45) (30) y pronto se establece un triángulo amoroso. Foujita ve bien los sentimientos que unían a Youki y a Desnos. Pero Foujita encontró un nuevo amor en la persona de la joven bailarina y modelo Mady Dormans (1909-36). (31). En febrero de 1928, Foujita y Fernande Barrey se divorcian. (32). En 1928, Foujita dirige el baile de la Asociación de Ayuda a los Artistas (A.A.A.A.). En septiembre de 1928 veranea en la isla de Bréhat en Bretaña. (33). En marzo de 1929, Foujita fue Presidente de la Asociación de Artistas Japoneses en París. (34). En 1928, el gobierno japonés le encarga la decoración del Pabellón de Japón en la Ciudad Universitaria de París. Foujita realizada dos grandes murales sobre fondo de pan de oro en la gran sala y el vestíbulo de la Casa de Japón: La Llegada de los Primeros Occidentales a Japón (1929. Óleo sobre lienzo. 300 x 600 cm. Casa del Japón. Ciudad Internacional Universitaria de París. Francia) y Los Caballos (1929. Óleo sobre lienzo. 235 x 457 cm. Casa del Japón. Ciudad Internacional Universitaria de París. Francia). (35). En 1929, decora con ocho paneles murales con un estilo japonés muy tradicional el Círculo Interaliado de París en el nº 33 de la calle Faubourg-Saint-Honoré. El 6 de junio de 1929, comenzó a dar clases semanales de arte en el Instituto de Estética Contemporánea (calle Notre-Dame-des-Champs, nº 86). (36). Después de pasar unos días en Deauville (Normandía), Foujita y su mujer Youki parten hacia Japón desde Marsella el 15 de agosto de 1929, tras quince años de ausencia. (37). En octubre de 1929 llega a Japón donde se quedaría por algún tiempo en Tokio (hasta el 10 de diciembre de 1929) y expone en la galería del Periódico Asahi Shimbun. En Tokio, viven en la casa de la hermana de Foujita, Yasu Nakamura (9-6-3 Totsukachō. Shinjuku).

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Foujita y Youki en su estudio de Montparnasse, Paris (c.1930) - © Fondation Foujita

 

A principios de enero de 1930, parten desde Japón hacia Europa. (38). El 14 de febrero de 1930, llega de nuevo a París por tren (Estación de Saint-Lazare) vía El Havre. (39). Antes de partir para Nueva York, Foujita vive en el Hotel de la Paix (225, bulevar Raspail. Distrito XIV. Montparnasse) junto a Youki a la espera de la vuelta de Robert Desnos. Es en estas fechas es cuando se separan. A finales de octubre de 1930, Foujita se embarca para Nueva York (40) donde expondrá en la galería Reinhardt del 8 al 20 de noviembre y en el Club de las Artes de Chicago del 27 enero al 17 febrero de 1931. Antes de partir hacia Estados Unidos, Foujita coincidiendo con la inauguración de la exposición de sus obras recientes en la Galeria Colette Weil dio una fiesta de despedida. (41). A principios de marzo de 1931, Foujita vuelve a Europa desde Nueva York a bordo del transatlántico francés SS Île de France. (42). De mayo de 1930 a diciembre de 1931, vive en el nº 6 de la calle Lacretelle en el Distrito XV de París. Entre 1931 y 1932 expone permanentemente en la Galería Fauvety de dicha ciudad.

 

 

Gira Americana y Vuelta a Japón (1932-37)

 

 

A últimos de 1931, Foujita realiza una gira por América, parte rumbo a América del Sur junto a Mady Dormans. Brasil (diciembre 1931-marzo 1932), Argentina (ultimos marzo-julio 1932), Bolivia y Perú (agosto-octubre 1932), Cuba (28 octubre-c.28 noviembre 1932), México (diciembre 1932-abril 1933), Nuevo México y Arizona (mayo-junio 1933), California (junio-octubre 1933). En Brasil expone en Río de Janeiro (febrero 1932) y en São Paulo (marzo). En Argentina expone en Buenos Aires (mayo), Rosario (mayo) y Córdoba (junio). En Cuba expone en La Habana (noviembre). En México expone en México D.F. (junio). En Los Ángeles -California- (julio). Durante el viaje, realizó numerosos dibujos y retratos de la modelo. A últimos de noviembre de 1932, Tsuguharu Foujita viaja a México desde La Habana afincándose en la capital durante casi medio año, una estancia que incidió en la evolución formal y temática de su producción artística y que tuvo consecuencias de gran interés para el intercambio artístico y el coleccionismo de la época de entreguerras, ya que sirvió de enlace entre Louis Eychenne, un coleccionista mexicano de la primera mitad del siglo XX, y las obras y artistas de la Escuela de París. El coleccionista le compró obra, le organizó dos exposiciones de dibujos en la capital mexicana que tuvieron cierto éxito y le proporcionaron algunas ventas y Foujita, a cambio, actuó como intermediario de la compra de cuadros, como fue el caso de La Patronne, de Amedeo Modigliani. (43). En julio de 1933, Foujita expone en las Galerías Dalzell Hatfield de Los Ángeles. A últimos de 1933, Foujita parte hacia su país desde San Francisco (California). (44). Una vez en Tokio viven en casa de los Nakamura (9-6-3 Totsukachō. Shinjuku). En febrero de 1934 expone por primera vez en la Galería Nichido de Tokio (donde mostrará en vida su obra de nuevo en 1935, 1936, 1937 y 1938). En marzo de 1934, le nombran miembro y participante del Salón Nika de Tokio en el cual expondrá por primera vez en septiembre de ese mismo año. En mayo de 1934 expone sus obras realizadas durante su estancia en México en el Museo Nacional de Tokio.

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Retrato de Mujer, Okinawa (1938. Óleo sobre tabla. 33 x 24 cm. Colección Privada) - © Fondation Foujita

 

En octubre de 1934, comienza un gran mural en el Café del Brasil en el edificio Ginza Seishôkan de Tokio. A principios de 1935, Foujita junto a Madeleine pasan dos meses en China especialmente en Beijing y Manchukuo. (45). De vuelta a Japón en la primavera de 1935, Foujita y Madeleine se instalan en una pequeña casa del barrio de Yotsuya en Shinjuku (Tokio). Decora los Grandes Almacenes Sogo de Osaka y el café Colomban en Ginza (Tokio). A ultimos de 1935, se expone su obra permanentemente en la Galería Bernard de París. En avril de 1936, Foujita participa en la expisición colectiva Tercera Exposición de Diez Grandes Maestros de la Pintura Occidental en los Almacenes Shiseido de Ginza (Tokio). El 27 de mayo de 1936, se inaugura el Instituto Franco-Japonés de Kioto cuya decoración mural es realizada por Foujita. (46). En junio de 1936, Mady Dormans muere de sobredosis en Tokio. (47). Tras la muerte de Mary Dormans, Foujita encuentra consuelo en una joven japonesa (que ya había retratado en 1935) llamada Kimiyo Horyuchi (1910-2009) (48), y que había conocido en 1935 en un ryote (restaurante tradicional japonés). En agosto de 1936, Foujita participa en las Competiciones Artísticas de los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 en Berlín, siendo Medalla de Bronce de Pintura por su obra "Hockey sobre Hielo". En 1937, Foujita se reencuentra en una cena con el coleccionista de arte Masakichi Hirano (1895-1989) (Foujita lo había conocido durante su primera exposición individual en Japón, en la Galería del Periódico Asahi Shimbun de Tokio en octubre de 1929) y le propone realizar la "pintura más grande del mundo". Foujita acepta y pinta: Eventos de Akita o Fiestas de las Cuatro Estaciones en Akita -Akita no Gyoji- (1937. Óleo sobre lienzo. 365 x 2050 cm. Colección Hirano. Museo de Arte de la Prefectura de Akita -actual Museo de Arte-. Akita. Japón). Esta pintura nunca fue mostrada al público hasta 1967 cuando abrió sus puertas el Museo de Arte de la Prefectura de Akita -actual Museo de Arte- donde se puede ver la Colección Hirano. A finales del verano de 1937, Foujita desea partir para París pero las hostilidades entre China y Japón (segunda guerra chino-japonesa. 1937-45) le hacen desistir del intento. En esta época, Kimiyo se va a vivir con Foujita a una casa tradicional japonesa al estilo de Kioto en Kōjimachi (Chiyoda. Tokio) donde vivirían hasta 1944. En 1938, visitan la isla de Okinawa (Ryūkyū).

 

 

Periodo de las Pinturas de Guerra y Ocupación Estadounidense (1938-49)

 

 

En octubre de 1938, el Ministerio de Marina japonés constituye una delegación de pintores encargados de realizar pinturas de los grandes combates llevados a cabo por el Ejército Imperial en China. Tras la toma japonesa de Tien-Tsin (Tianjin), Foujita se encuentra con los pintores Hakutei Ishii (1882-1958) (49) y Ken'ichi Nakamura (1895-1967) (50) con los que tendrá que trabajar preparando el informe para el Ministerio. Comienza el llamado Periodo de las Pinturas de Guerra (Sensō-ga). A últimos de ese año, la Oficina de Información Naval de la Marina Imperial Japonesa lo envía a China como artista oficial de guerra junto con Ryōhei Koiso (1903-88) (51) (Segunda Guerra Chino-Japonesa). De 1939 a 1945, trabaja en numerosas exposiciones dedicadas a la guerra y al ejército japonés. Consigue un permiso para dejar el país y en mayo de 1939, Foujita y Kimiyo se embarcan en el Kamakura Maru y tras una pequeña escala en los Estados Unidos llegan a Francia. Foujita vuelve de nuevo a París tras siete años de ausencia en su país. (52). De mayo de 1939 a mayo de 1940, viven en el nº 162 de la calle Ordener en el Distrito XVIII en Montmartre. Ya en París, su amiga la galerista Jeanne Bernard, que antes trabajaba en la Galería Chéron, que había abierto una galería en el nº 8 de la calle Jacques Callot en 1935, le propone realizar una exposición. Foujita coge de nuevo los pinceles pero en mayo de 1940, se tienen que ir de Francia a toda prisa obligados por el gobierno francés a causa de la invasión de los alemanes de Francia, de los cuales eran aliados los japoneses. En una carta escrita por Foujita para Jeanne Bernard, este le explica que le va a enviar las obras para la futura exposición que nunca se celebró. (53). Esta carta está escrita el 24 de abril de 1940, sólo un mes y medio antes de que los alemanes entraran en París (14 junio 1940), que causó la salida repentina de Foujita. Volvió a Japón y se unió a las filas del Ejército Imperial siendo nombrado pintor oficial del Ejército de la Guerra de la Gran Asia Oriental (nombre dado por los japoneses a la Guerra del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial).

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La Lucha Final en Attu (1943. Óleo sobre lienzo. 193.5 x 259.5 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Tokio. Japón) - © Fondation Foujita

 

Nombrado oficialmente jefe de pintores de guerra, Foujita debe doblegarse a la disciplina impuesta por el Ejercito Imperial e ilustrar lo que le encargan. Lo hace obligado y por la fuerza, si bien, en consideración a la memoria de su padre, general del ejercito, no puede desertar. Pone su arte al servicio de su país, pintando escenas de guerra en el que ensalza las victorias del ejército japonés. En julio de 1941 le nombran miembro de la Academia Imperial de Bellas Artes (Teikoku Geijutsu). Ese mismo año muere su padre y el gobierno japonés lo manda como agregado cultural a Hanói en la Indochina Francesa. En mayo de 1942, la Marina Imperial le envía al frente del Pacífico Sur como oficial y líder de un grupo de pintores. En enero de 1943, recibe el Premio de la Cultura del periódico Asahi por sus trabajos en particular por su lienzo El último Día de Singapur (1942. Óleo sobre lienzo. 148 x 300 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Tokio. Japón). Produjo escenas de guerra propagandísticas, como el mural La Lucha Final en Attu (1943. Óleo sobre lienzo. 193.5 x 259.5 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Tokio. Japón), luego recibió el rango honorífico de Teniente General en el Ejército Imperial Japonés. En 1943, Foujita viajó al frente de batalla en el centro de China. En 1944, Foujita sigue exponiendo regularmente en Tokio. A finales de ese año, Foujita sale de Tokio y se instala en un pueblecito en la región de Kobuchi. En febrero de 1946, Foujita y Kimiyo regresan a la devastada Tokio. Implicado en los Procesos de Tokio, (organizados contra los criminales de guerra japoneses una vez terminada la Segunda Guerra Mundial), salió exculpado gracias a la intervención del General Douglas MacArthur (1880-1964). Foujita encontró trabajo con las fuerzas de ocupación estadounidenses y pudo marcharse a Nueva York en 1949 después de esperar tres años para obtener el visado. En 1947, es miembro del jurado del Salón de la Academia Nichiten en Tokio. Gracias al General Frank E. Sherman (54), que estaba a cargo de la Sección de Bellas Artes y de los Artistas en el Gobierno de ocupación estadounidense, y que era un apasionado de su obra, Foujita pudo seguir pintando. Gracias a este, Foujita expuso en la Galería Kennedy & Co. de Nueva York en septiembre de 1947 (las 40 obras expuestas fueron enviadas desde Japón por el General Frank E. Sherman). La idea de Foujita era regresar a París pero gracias a la invitación del General Douglas MacArthur para dar clases en la Escuela de de Bellas Artes de Brooklyn, primero fue a Nueva York. Su colaboración con el militarismo japonés y posteriormente con los americanos le causarían una dura crítica dentro y fuera de su país durante la posguerra. El 10 de marzo de 1949, Foujita se embarca hacia Nueva York y Kimiyo se uniría con él el 23 de mayo de ese mismo año (ella hizo el viaje en avión vía San Francisco). Una vez en Nueva York, Foujita fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de Brooklyn durante un curso (1949). Los Foujita viven en el Hotel Prescott en Broadway. En noviembre de 1949, expone en la Galería Mathias Komor de Nueva York. Gracias a la intermediación del Presidente de la República Francesa, René Coty (1882-1962), Foujita obtendría el pasaporte para viajar a Francia.

 

 

Tercera Etapa Parisina (1950-59)

 

 

El 27 de enero de 1950, los Foujita se embarcan en el SS Washington y llegan al puerto de El Havre el 14 de febrero de 1950, después de una corta escala en Inglaterra. En la Estación de Saint-Lazare de París, Foujita declaró a la prensa: "Vuelvo para quedarme. Quiero morir y ser enterrado en el cementerio de Montparnasse junto a Modigliani". Desde su llegada a París hasta finales del mes de abril de 1950, se hospedan en el Hotel de Beaujolais en los Jardines del Palacio Real. Después se mudarían al barrio de Montparnasse, al nº 23 de la calle Campagne-Première, en el Distrito XIV donde ya no se moverían. Expuso regularmente en la Galería Paul Pétridès (1950, 1952, 1954, 1956, 1958, 1960, 1962, 1964). En 1951, Foujita, como un homenaje a Francia, dona al Museo Nacional de Arte Moderno de París cuatro importantes obras: Mi Interior en París -Naturaleza muerta con despertador- (1921. Óleo sobre lienzo pegado sobre panel. 130 x 97 cm), Mi Interior en París -Naturaleza muerta con acordeón- (1922. Óleo sobre lienzo. 130 x 97 cm), En el Café (1949. Óleo sobre lienzo. 76 x 64 cm) y El Muelle de las Flores, Notre-Dame (1950. Óleo sobre lienzo. 38 x 46 cm). Después de una breve estancia en Argelia, expone en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (Cartel) en noviembre de 1951.

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El Muelle de las Flores, Notre-Dame (1950. Óleo sobre lienzo. 38 x 46 cm. Museo Nacional de Arte Moderno. Centro Pompidou. París. Francia. Obra donada al museo por el artista en 1951) - © Fondation Foujita

 

El 5 de octubre de 1954 se casó con Kimiyo Horiuchi, su compañera de toda la vida, en el ayuntamiento del Distrito XIV. El 28 de febrero de 1955, Foujita obtuvo la nacionalidad francesa. En 1956, Foujita ilustra con veinticinco grabados El Dragón del Mar (Le Dragon des Mers), libro de Jean Cocteau (1889-1963). En 1957, es promovido al grado de Oficial de la Legión de Honor. Ese mismo año, ilustra el libro Las Confidencias de Youki (Les Confidences de Youki), de su ex-mujer Youki Desnos (1903-66). También en 1957, hace las reproducciones de las pinturas de Modigliani para la película Los Amantes de Montparnasse -ó Montparnasse 19- de Jacques Becker (1906-60), con Gérard Philipe (1922-59) como Amedeo Modigliani y con Anouk Aimée (1932) como Jeanne Hébuterne. En 1958, es nombrado miembro asociado de la Real Academia de Bélgica. En 1959, el editor Joseph Foret le encarga a Foujita algunas de las ilustracciones del libro El Apocalipsis de San Juan (L'Apocalypse de Saint Jean). (55). Foujita se convirtió al Catolicismo el 14 de octubre 1959, después de conocer, con su amigo Georges Prade (1904-92) (56), una iluminación mística, visitando la Basílica de Saint-Remi en Reims. Se bautiza en la Catedral de Reims. Su madrina fue la Sra. Taittinger, Beatrice Sellier (1930-2001) y su padrino René Lalou (1877-1973) (57). La ceremonia fue oficiada por el Obispo Auxiliar de Reims Georges Béjot (1896-1987). Foujita tomó el nombre de bautismo de Leonardo (nombre entero Léonard François René), en honor del Beato Leonard Kimura, uno de los mártires del Japón. El nombre evoca también el amor que profesaba Foujita al arte de Leonardo da Vinci. Kimiyo también se convirtió al Catolicismo el mismo día junto a Foujita y se bautizó con el nombre de Marie Ange Claire. Foujita regaló a la Catedral de Reims su última obra en esos momentos, que representa a la Virgen con el Niño (lleva la firma de Léonard Foujita, 14 octubre 1959). (58). La conversión de Foujita no es el resultado de una coincidencia, sino el de una profunda reflexión tras la lectura de los Evangelios, acompañada de la enseñanza de la doctrina católica por parte del teólogo jesuita Jean Daniélou (1905-74).

 

 

Últimos Años (1960-68)

 

 

En 1960, Foujita realiza el cartel de la Novena Exposición de Pintores Testigos de su Tiempo en el Museo Galliera de París. En octubre de 1960, Foujita compra una casa rural en el pueblo de Villiers-le-Bâcle (a finales de 1950, Foujita trabajó con el editor de arte Pierre de Tartas (1928) que había transformado en Bièvres (Essone) un viejo molino en un centro de arte. Foujita va allí con regularidad y a la vuelta de una de estas visitas, descubrió en el pueblo de Villiers-le-Bâcle, una pequeña mansión rural en ruinas, una granja del siglo XVIII). En noviembre de 1961, cansado de la mundanidad de su juventud y sus viajes por el mundo, Foujita junto a su esposa Kimiyo llegan a Villiers-le-Bâcle en el Valle de Chevreuse. No se movieron de allí hasta la muerte del pintor en 1968. En 1961, dona al Museo de Arte Moderno de la Villa de París su lienzo: Desnudo Tumbado con Toile de Jouy (1922. Óleo, tinta, carboncillo y lápiz sobre lienzo. 130 x 195 cm), que había sido un gran éxito en el Salón de Otoño de 1922. La modelo de este lienzo es una de las favoritas de Foujita (pasarón por su taller alrededor de 3000 modelos, según Foujita), Kiki de Montparnasse (1901-53). (59). Sigue exponiendo con mucho éxito sobre todo en Francia y Japón. De 1963 a 1966, Foujita dedica toda su energía a su última gran obra, la Capilla de Nuestra Señora de la Paz en Reims. Foujita diseña la arquitectura, las vidrieras (realizadas por Charles Marq 1923-2006), la orfebrería, los forjados y las esculturas (realizadas por Maxime Chiquet y los hermanos André), y pinta cerca de 100 metros cuadrados de frescos en su interior. La capilla fue construida por el arquitecto francés Maurice Clauzier (1897-1984). Los gastos de la construcción de la capilla corrieron a cargo de René Lalou, fue su regalo de bautismo. En 1964, la capilla de estilo neo-románico se terminó de construir sobre el jardín terraza de la Casa Mumm (residencia de René Lalou). Foujita completó los frescos de la capilla en otoño de 1966, dos años antes de su muerte.

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Frescos de la Capilla de Nuestra Señora de la Paz de Reims (también llamada Capilla Foujita)

 

El 1 de octubre de 1966, la capilla fue bendecida e inaugurada el 18 de octubre de 1966, entregando Foujita y René Lalou las llaves de la capilla a la ciudad de Reims. En octubre de 1967, la salud del pintor se deteriora y es ingresado en el Hospital Cantonal de Zurich (Suiza). Foujita fallece en esa ciudad a causa de un cancer el 29 de enero de 1968. (60). Foujita había expresado su deseo de ser enterrado en la Capilla de Nuestra Señora de la Paz de Reims, pero no lo había dejado por escrito. Fue enterrado temporalmente en la capilla y posteriormente exhumado y enterrado el 4 de octubre de 1968 en el Cementerio del Norte de Reims. El 19 de agosto de 1971 fue exhumado del Cementerio del Norte, según el deseo de su viuda, pero la asociación Los Amigos de Léonard Foujita se oponía a la exhumación. Mientras se resolvía legalmente la cuestión fue enterrado de nuevo en el Cementerio de Villiers-le-Bâcle (Essonne). La asociación Los Amigos de Léonard Foujita cuyo abogado era René Floriot (1902-75), perdió el juicio. Su cuerpo fue incinerado y el 6 de octubre de 2003, las cenizas de Foujita regresaron de nuevo a la Capilla de Nuestra Señora de la Paz de Reims. Kimiyo Foujita regresó a Japón donde vivió el resto de sus días y donó la Casa Taller Foujita al Departamento de Essonne, en 1991. Kimiyo Foujita muere el 2 de abril de 2009 en Tokio. (61). En 2009, su cuerpo fue incinerado y enterrado el 25 de abril de 2009, junto a Foujita en la Capilla Nuestra Señora de la Paz de Reims, donde estuvieron presentes el Sr. Watanabe (representante del Embajador de Japón en Francia), David Liot (Director del Museo de Reims), Stéphanie Marcq (de la Casa Museo Foujita) y Stéphane Joly (Teniente Alcalde de Reims representando a la villa de Reims).

 

 

Obra

 

 

Foujita ante todo es un gran dibujante se podría decir que pinta dibujando y dibuja pintando. Su pintura se caracteriza por un trazo caligráfico (shodō) (62), para lo cual usó sus pinceles más finos, y fondos de un color blanco lechoso, hecho con ingredientes novedosos en aquella época, tales como conchas de ostras molidas, calcio, etc. Su pintura de frescura visual y sentimental, esta muy influenciada por la inocencia y sutileza de las obras impresionistas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) y el estilo naif y primitivo de Henri Rousseau (1844-1910), el aduanero. El pintor japonés, nunca abandonó la figuración y reinterpretó los géneros clásicos del retrato, el desnudo o el paisaje. Cultivo todas las técnicas: dibujo, pintura (óleo, acuarela), grabado (aguafuerte, punta seca, litografía, etc). Con respecto al dibujo, Foujita transmite pureza, nobleza, seguridad y elegancia sofisticada. En París, Foujita se relaciona con los "pintores malditos", especialmente Modigliani y Soutine, interesándose por los retratos y las naturalezas muertas, así como desnudos femeninos en los que pone de manifiesto su particular estilo, mezcla del modernismo occidental y la minuciosidad de la técnica japonesa. Los vivos colores y la ausencia de perspectiva serán las características principales de este peculiar trabajo en el que el desnudo abandona toda simbología o relación con la mitología para presentarnos una mujer de carne y hueso.

 

Foujita a su llegada a París descubre el cubismo y durante unos meses sigue los pasos de Picasso. Posteriormente, destruirá muchas de sus obras cubistas. Sin embargo subsisten raros dibujos, acuarelas y óleos que demuestran hasta que punto cambia radicalmente de estilo en el momento en que entra en el núcleo de la vanguardia parisina. Las primeras acuarelas tras su llegada también muestran la influencia de Marie Laurencin (1883-1956) y de su amigo Modigliani. Posteriormente, Foujita concibe su estilo a medio camino entre Oriente y Occidente. Del arte japonés conserva el sentido de la linea trazada en tinta china a pincel, los colores con fondos planos que pone al servicio de una representación occidental del retrato, y a las representaciones de flores o animales presentes en su entorno parisino. Foujita configura su técnica pictórica mediante fondos blancos sobre los que puede pintar igual de bien con trazos de tinta china a base de agua y colores de pintura al óleo. A esos dos ingredientes añade a veces pan de oro. Conservará hasta el final de sus dias esta técnica caracteristica que constituye la clave de su éxito. Incansable al estudiar el cuerpo humano, todos los dias invita a varias modelos para tomar apuntes de las poses más variadas. Dedica todo el año 1928 a los atletas en movimiento. De entre las modelos, su preferida es Kiki de Montparnasse, junto con su esposa Youki, pero cuenta también con Aïcha (1898-) (63), cuya bonita piel tostada fascina tanto a Moïse Kisling (1891-1953) como a Foujita. También cultivó el grabado (aguafuertes, litografias, puntas secas, aguatintas, huecograbados, etc). Se cuentan más de cien temas de grabados hechos por Foujita en los años veinte. En la guerra, como agregado cultural en la Indochina Francesa, realiza muchas acuarelas sobre todo de paisajes de Hué (capital de Annam, en el actual Vietnam). De vuelta a Francia en 1950, los temas de sus cuadros se vuelven "infantiles" y de apariencia tersa, aunque las deformaciones de los rostros y de las expresiones dejan ver sufrimientos de un hombre herido por los horrores de la guerra y que busca desesperadamente la serenidad en su arte. Tras su infancia, en la que gusta observar los objetos de culto y las imagenes de una iglesia próxima a su casa, Foujita se siente atraido por la religión cristiana. Desde 1918, realiza dibujos, acuarelas y grabados de tema religioso en un estilo gótico que modifica con su visión oriental de los cuerpos y de los gestos de las manos. Sus pinturas místicas, sobre fondo de pan de oro, aparecen como iconos preciosos y puros.

 

Dibujó con una rareza flexible, trabajando con técnicas artesanales japonesas, utilizando esponjas y almohadillas, así como el pincel. Su estilo es muy característico, incluyendo el uso voluntario del color blanco con una mezcla de pintura al óleo con base de pegamento animal y gesso (64). Además de sus retratos y naturalezas muertas, son principalmente los desnudos femeninos los que le hicieron famoso. Durante la década de los años 20, la llamada "de los fondos blancos", el artista desarrolló uno de los motivos centrales de su trabajo, la mujer y la piel femenina. Para este creador, temas como la maternidad (tanto desde el punto de vista religioso como profano) fueron recurrentes, ya que consideraba a las mujeres "el centro del universo y creadoras del equilibrio entre el yin y el yan". En sus obras plasmó además su intento real de reconstruir sus relaciones con las mujeres, que, frecuentemente, le abandonaban o morían. Toda su obra posterior presentará cierta evolución aunque siempre sobre la base de este período, que es cuando se consolida su estilo y también su fama, ya que Foujita fue un autor que gozó en vida de gran fortuna artística y económica hasta convertirse en el "pintor japonés más importante del mundo". A pesar de ello y de su imagen "extravagante y absolutamente moderna" para la época (lucía un pendiente, gafas redondas y peinado con flequillo) una parte fundamental de su personalidad estaba dominada por una intensa espiritualidad, lo que se aprecia en sus obras finales, una vez convertido a la fe cristiana, dedicadas a motivos religiosos como la coronación de la Virgen, el paraíso y el infierno o el Apocalipsis. A partir de 1951, Foujita retoma su interés por el arte religioso que culminaría con los frescos de la Capilla de Nuestra Señora de la Paz de Reims.

 

 

© Todas las obras tienen el copyright de la Fundación Foujita

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bibliografía

 

 

 

Enlaces

 

 

 

Notas

 

(1) Tsuguakira Fujita (1854-1941). Oficial médico del Ejército Imperial Japonés. Nace el 27 de enero de 1854 en Akasaka, un pequeño pueblo de la región de Mikawa. Descendiente de una antigua familia de samuráis. En 1872, Tsuguakira Fujita comienza sus estudios de medicina en la Universidad Imperial de Tokio y aprende alemán. Estuvo siete años como cirujano del Ejército en el Gobierno Colonial de Taiwan desde 1895, siendo responsable de la higiene del ejército de toda la isla. En 1902, es nombrado Comandante de la 5ª División con destino en Hiroshima. Participó en la Guerra Ruso-Japonesa (1904-05), consiguiendo la victoria el Ejército Imperial. A causa de este conflicto, Japón ocupa Corea. En 1906, lo destinan a Corea, estando involucrado en casi todas las áreas relacionadas con la medicina colonial. También fue Presidente de un Comité en el Gobierno General Japonés en Chosun (durante la ocupación japonesa de Corea). En septiembre de 1912 fue nombrado Cirujano General en el Servicio Médico del Ejército Imperial, que es la primera posición jerárquica que un cirujano del ejército puede aspirar -él es el único cirujano del ejército sin doctorado que recibió esa distinción, a excepción de Tadanori Ishiguro (1845-1941), que fue el primer cirujano del ejército en Japón-. Fuentes: The Japanese Colonial Medicine as Seen Through the Life of Fujita Tsuguakira - Kyu-Jin Choi

(2) Ōgai Mori (1862-1922). Médico militar, traductor, crítico literario y novelista japonés. Nace el 17 de febrero de 1862 en Tsuwano (Shimane) y fallece el 8 de julio de 1922 en Tokio. Ōgai Mori fue el pseudónimo literario de Rintarō Mori, médico militar, traductor, crítico literario y novelista japonés del periodo Meiji. Está considerado uno de los principales autores de dicha etapa, junto a figuras como Sōseki Natsume (1867-1916). Licenciado en medicina a los 19 años, recibió una beca del gobierno japonés para estudiar en Alemania durante cuatro años (1884-88), donde entró en contacto con la literatura occidental. Cuando regresó a Japón fue profesor en la Escuela Militar de Sanidad, y desde 1907, Inspector General de Sanidad. Participó en la Primera Guerra Chino-Japonesa (1894-95) y en la Guerra Ruso-Japonesa (1904-1905) como médico militar, carrera que mantuvo a lo largo de toda su trayectoria profesional. En 1907, fue promovido a Cirujano General del Ejército Imperial Japonés con el grado de teniente-general. Al retirarse en 1916 fue nombrado Director del Museo Imperial.

(3) Nihonga. Literalmente "Pinturas de estilo japonés" son pinturas que se han realizado de acuerdo con las convenciones artísticas tradicionales de Japón, incluyendo técnicas y materiales. Aunque está basado en las tradiciones de más de mil años de antigüedad, el término fue acuñado en el periodo Meiji del Japón Imperial, para distinguirlas de las obras de estilo occidental o Yōga. El Nihonga se suele ejecutar en washi (papel japonés) o eginu (seda), usando pinceles. Las pinturas pueden ser monocromada o policromada.

(4) Seihō Takeuchi (1864-1942). Pintor japonés. Nace el 20 de diciembre de 1864 en Kioto y fallece el 23 de agosto de 1942 en esa misma ciudad. Seihō Takeuchi fue el pseudónimo del pintor japonés del género Nihonga, Tsunekichi Takeuchi. Uno de los fundadores del género Nihonga durante la era Meiji. Considerado uno de los maestros de preguerra del Círculo de Pintores de Kioto. Durante la Exposición Universal de París (1900), viaja por Europa, donde estudió el arte occidental. Después de regresar a Japón estableció un estilo único, combinando las técnicas realistas de la escuela tradicional japonesa (Maruyama-Shijo) con las formas occidentales de realismo tomadas de las técnicas de William Turner (1775-1851) y Camille Corot (1796-1875). Este posteriormente se convirtió en uno de los principales estilos de la pintura Nihonga moderna. Sus temas favoritos eran animales y paisajes. En 1913, fue nombrado artista de la Casa Imperial, y en 1919 fue nominado a la Academia de Bellas Artes Imperial (Teikoku Bijutsuin). Fue una de las primeras personas en recibir la Orden de la Cultura (Bunkashō), cuando se estableció en 1937.

(5) Seiki Kuroda (1866-1924). Pintor, profesor y político japonés. Nace el 9 de agosto de 1866 en Takamibaba, dominio de Satsuma (actual prefectura de Kagoshima) y fallece el 15 de julio de 1924 en Tokio. Seiki Kuroda fue el pseudónimo del pintor, profesor y político japonés Kiyoteru Kuroda (Vizconde), conocido por llevar las teorías occidentales sobre el arte al público japonés. Fue uno de los líderes del Yōga (o de estilo occidental) movimiento de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Viaja a París en 1884 para estudiar derecho. A principios de 1886 Kuroda decide abandonar los estudios derecho para ser pintor, entrando en el estudio del pintor académico Raphaël Collin (1850-1916). En 1893 vuelve a Japón. En 1896, se formó el Departamento de Pintura Occidental de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tōkyō Bijutsu Gakkō), y le ofrecieron el cargo de director. En 1910, le nombran pintor de la Corte Imperial, siendo el primer artista del género Yōga en recibir tal honor. Desde entonces hasta el final de su vida su actividad artística se reduce a favor de la política. En 1920, fue nombrado miembro de la Cámara de los Pares. En 1922, fue nombrado Director de la Academia Imperial de Bellas Artes. En 1923, fue galardonado con la Gran Cruz de la Legión de Honor de Francia.

(6) Eisaku Wada (1874-1959). Pintor y profesor japonés. Nace en Kagoshima. En 1887, entró a estudiar en la Universidad Meiji Gakuin y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tōkyō Bijutsu Gakkō). En 1891, tiene como maestros en la Escuela de Bellas Artes a Naojirō Harada (1863-99) y Seiki Kuroda (1866-1924). En 1898, recibió una beca del Ministerio de Educación de Japón para estudiar en Francia. De 1898 a 1903 estudio pintura occidental en París en el estudio del pintor académico Raphaël Collin (1850-1916). En 1903, regresa a Japón y fue Profesor de la Escuela de Bellas Artes de Tokio. De 1932 a 1935 fue Director de Escuela de Bellas Artes de Tokio. En 1934, fue nombrado miembro de Expertos Imperiales en Artes y Oficios. En 1935, se convierte en miembro de la Academia Imperial de Bellas Artes. En 1943, fue galardonado con la la Orden de la Cultura (Bunkashō). En 1952, se le concede de la Orden al Mérito Cultural. Sus pinturas tuvieron una gran influencia de la Escuela de Barbizon.

(7) Noboru Hasegawa (1886-1973). Pintor japonés. Nace en Tokio. En 1910, se gradua en pintura occidental por la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tōkyō Bijutsu Gakkō). De 1911 a 1915 estudia en Europa. Tras su vuelta a Japón se convirte en miembro de Nihon Bijutsuin (asociación artística dedicada al género Nihonga. En 1922, fue miembro fundador de la sociedad artística Shun´yō-kai. Fue jurado en la exposición Bunten de 1937. Miembro de la asociación Nihon Geijutsuin desde 1957. En 1958, es miembro de la asociación Nitten. Galardonado con la medalla Kun Santo Asahi por el gobierno japonés en 1966. Sus temas preferidos eran teatro el kabuki y el burnraku. Fuentes: Comoedia. Année 22, nº 5628, pº 3, 4 juin 1928. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(8) La historiadora del arte y experta en Foujita, Sylvie Buisson (1947) explica en su libro Foujita (2001): "Foujita decide ampliar su estancia en París, rompiendo económicamente con su padre y reclamando su divorcio de Tomiko Kamoda" Carta de Foujita datada el 21 de junio de 1916. Foujita por Sylvie Buisson, Dominique Buisson. pag. 68

(9) Riichirō Kawashima (1886-1971). Pintor y diseñador japonés. Nace en Ashikaga en la Prefectura de Tochigi. Su padre había dejado Japón para abrir una drogería en Nueva York cuando él era aun muy pequeño. En 1905, se va a vivir a Nueva York con su padre cuando contaba con diecinueve años. Después de graduarse en la Escuela Secundaria en Nueva York, estudió arte en la Escuela de Arte Corcoran de Washington D.C. y posteriormente en la Academia Nacional de Bellas Artes de Nueva York. En 1911, se traslada a París, para continuar sus estudios y se inscribe en la Academia Julien, la cual tenía muchos estudiantes americanos y japoneses. Posteriormente estudiará en la Academia Colarossi. En 1913, fue el primer pintor japonés cuyas obras se aceptaron en el Salón de Otoño. Gran amigo de Tsuguharu Foujita y de Henri Matisse (1869-1954), este último influenció mucho su obra. En 1915, Kawashima cae enfermo dejando París para descansar en Málaga (España). Una vez restablecido regresa a París y posteriormente se traslada a la Dordoña junto a Foujita instalándose en el Castillo de Marzac gracias al Conde de Fleurieu que les propuso trabajar en el mantenimiento del castillo pues no podían recibir dinero alguno de sus familias debido a la guerra. A principios de octubre de 1915, Kawashima regresa a Tokio vía Estados Unidos y Foujita regresa a París en febrero de 1916. En 1917, expone en la galería Sunwise Turn de Nueva York. En 1919, regresa a Japón, donde su gran amigo el fotógrafo y creador de la empresa de cosméticos Shiseidō, Shinzō Fukuhara (1883-1948) le había organizado una exposición individual en la Galería Shiseidō de Tokio. Posteriormente su vida la hará entre París y Tokio debido a su trabajo en Shiseidō como diseñador. En 1925, formó parte del grupo Kokuga Sosaku Kyokai. Desde los años 30 hasta su muerte en 1971, Kawashima se dedicó principalmente a la pintura. Después de la Segunda Guerra Mundial fue comisionado del Salón Nacional Nitten y fue profesor de la Escuela de Bellas Artes para Señoritas (Joshi Bijutsu Daigaku). Al final de su vida fue nombrado miembro de la Academia Japonesa de las Artes (Nihon Geijutsu-in). Algunas de sus obras se conservan en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio. Fuentes: Kawashima Riichirô et la France: Un Médiateur décisif pour Fujita Tsuguharu et Shiseidô.pdf - Hayashi-Hibino Yôko

(10) Raymond Duncan (1874-1966). Bailarín, poeta, artista y filósofo americano. Nacío el 1 de noviembre de 1874 en San Francisco (California) y falleció el 14 de agosto de 1966 en Cavalaire-sur-Mer (Francia). Hermano de la también bailarina Isadora Duncan (1877-1927) y del actor y director de cine Augustin Duncan (1873-1954). Hijo del banquero californiano Joseph Charles Duncan (1819–1898). Su abuelo materno era el senador por California Thomas Gray (1802-92). A la edad de 17 años desarrolla una teoría del movimiento que llamó Cinemática (una síntesis de los movimientos del trabajo y del día cotidiano. Creía que la importancia del trabajo era el desarrollo del trabajador y no la producción y los beneficios). En 1898, la familia Duncan se trasladan a vivir a Europa. En 1900, conoce en París al poeta alemán Gustav Gräser (1879-1958) y estaba profundamente impresionado por sus ideas de vida natural y sencilla. En Atenas (Grecia) conoció a su mujer Penélope Sikelianos (1882-1925) y vestían a la manera clásica griega (con túnica). En 1909, regresan a los Estados Unidos para actuar en una serie de obras clásicas griegas y en 1911 se van a vivir a París donde crean la Akademia (31, rue de Seine) que ofrecía cursos gratuitos de danza, artes y oficios. Posteriormente abrieron una escuela similar en Londres. Ambas escuelas se basaban en la Academia de Platón. Duncan también escribió poesía y obras de teatro, artículos y editoriales exponiendo su filosofía del "acciónalismo".

(11) Fernande Barrey (1893-1960). Modelo y pintora francesa. Nació el 9 de enero de 1893 en Saint-Valery-sur-Somme y falleció el 14 de julio de 1960 en París. Hacia 1908 se fue a vivir a París, donde se ganaba la vida como prostituta. Luego fue modelo de fotógrafos, como Jean Agélou (1878-1921), un maestro de la fotografía erótica, y también de pintores como Chaim Soutine (1893-1943) o Amedeo Modigliani (1884-1920). Siguiendo el consejo de sus amigos artistas, aprendió a pintar, pero nunca llegó a ser famosa. En 1917, conoció al pintor japonés Tsuguharu Foujita, que se enamoró locamente de ella y se casaron a los pocos días. En 1918, se fueron a vivir a Cagnes-sur-Mer, donde ella pasó un año pintando y reuniéndose con amigos parisinos. En esta época se hizo amiga de Jeanne Hébuterne (1898-1920), la también pintora y modelo, y prometida de Modigliani. En 1925, la pareja tenía una relación muy abierta con personas de ambos sexos. Pero Foujita no le perdonó su relación con el pintor japonés Sei Koyanagi (1896-1948), que era primo de él. Sin avisar a su mujer, Tsuguharu se fue a casa de la artista belga Lucie Badoul -Youki- (1903-66). En 1928, se divorciaron y ella se fue a vivir con Koyanagi en el barrio parisino de Montmartre. Cuando se separó de Koyanagi en 1935, su relación con Tsugouharu mejoró y él la ayudó económicamente hasta su muerte.

(12) Fuentes: Comoedia. Année 20, nº 5107, pº 2, 24 décembre 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(13) Jeanne Hébuterne (1898-1920). Pintora y modelo francesa. Musa y mujer del pintor italiano Amedeo Modigliani (1884-1920). Jeanne conoció la comunidad artística de Montparnasse gracias a su hermano André Hébuterne (1894-1992), entonces pintor en ciernes. Trabó relación con algunos de los artistas del barrio, y posó para Tsuguharu Foujita. Dotada de cierto talento para el dibujo, accede a la Academía Colarossi con el propósito de iniciar una carrera artística. Fue allí donde en marzo de 1917 conoció a Amedeo Modigliani a través de una amiga común, la escultora Chana Orloff (1888-1968) quien acudía a la Academia, como muchos otros artistas profesionales, para aprovechar la presencia de modelos en vivo. Pronto surgió el romance entre la estudiante y el carismático artista. Más adelante, ella se mudó a vivir con él, pese a la oposición de su familia, estrictamente católica. A pesar de la opinión de su padre, Jeanne se instaló con Modigliani en la calle de la Grande-Chaumière, en Montparnasse, en el taller que habían alquilado al agente de Modigliani, el poeta polaco Léopold Zborowski (1889-1932). En otoño de 1918, la pareja se mudó a Niza, en la Riviera francesa, donde según el marchante de Modigliani residía una comunidad de ricos aficionados al arte que apreciarían su pintura. El 29 de noviembre de 1918, en una clínica obstétrica de Niza, donde también trataban de superar la avanzada tuberculosis de Modigliani, Jeanne trajo al mundo a un niña, a la que daría su mismo nombre. La pequeña fue entregada al nacer a una institución, para asegurarle unos cuidados que sus padres no podían darle, pero no fue dada en adopción. Permaneció en la institución hasta la muerte de Hébuterne, momento en que la hermana de Modigliani que vivía en Florencia acogió a la pequeña Jeanne y la crió. Ya mayor, Jeanne Hébuterne Modigliani, de casada Jeanne Nechtschein, escribió una importante biografía sobre su padre titulada "Modigliani: hombre y mito". El estado de salud de Modigliani no cesaba de agravarse, muriendo finalmente de meningitis tuberculosa, a los 35 años de edad, el 24 de enero de 1920. Esa madrugada, cuando sus padres y su hermano André discutían sobre su futuro y el de sus hijos ilegítimos, y estando Jeanne en el noveno mes de su embarazo, saltó por la ventana del quinto piso de su antigua habitación en el apartamento de sus padres, 8 bis, calle Amyot, en el distrito V de París. El 27 de enero mientras que Modigliani era enterrado «como un príncipe» en el cementerio de Père-Lachaise, Jeanne, en cambio, fue enterrada en secreto por sus padres en el cementerio de Bagneux. No fue hasta 10 años más tarde, cuando Emannuele Modigliani (1872-1947), político socialista y hermano mayor del pintor, convenció a la familia Hébuterne para trasladar los restos de Jeanne a una tumba junto a la de Amedeo. Desde 1930 reposan juntos, bajo el epitafio: "Compañera devota hasta el sacrificio extremo". Pasaron más de tres décadas hasta que un experto en arte convenció a los herederos de Hébuterne de liberar sus obras al acceso público. En octubre de 2000, sus pinturas se presentaron en una importante exposición de Modigliani celebrada en Venecia por la Fundación Giorgio Cini. Fuentes: Wikipedia

(14) Édouard Devambez (1844-1923). Grabador, impresor, editor, galerista y marchante de arte parisino. Nació el 11 de marzo de 1844 en Saumont-la-Poterie y fallece el 2 de junio de 1923 en París. Fue aprendiz con los más prestigiosos grabadores franceses como Jules Joseph Foulonneau (n.1819) y Jean Henri Hillekamp en la Galería Vivienne de París. Al casarse con Catalina Veret en 1864, Devambez entra a formar parte de la ilustre dinastía Muret y Veret (dos de las más prestigiosas familias de grabadores desde principios del siglo XIX). Su hijo era el pintor e ilustrador André Devambez (1867-1944). En 1873, Devambez adquiere el taller fundado en 1826 por Brasseux "el Joven", grabador del rey Carlos X (1757-1836) situado en el nº 5 del Passage des Panoramas de París y abre su tienda en la calle Saint-Thomas. Édouard Devambez no era simplemente artesano, sino también un artista. Comenzó a exhibir su obra en la Exposición Universal de París, ganando una medalla de bronce en 1878 y una medalla de plata en 1889 en la categoría de "impresión artística y pintura heráldica". Entre las especialidades del taller Devambez podemos resaltar la impresión y producción de libros, todo tipo de grabados (sobre acero, cobre, plomo, madera y piedra), impresión en general, tipografía, caligrafía, estampados, dorados, aparte de la venta pinturas, revistas, libros, papelería, artículos de cuero o telas especiales. En 1890, el taller-tienda se trasladó al nº 63 del Passage des Panoramas, donde lo que comenzó como un sencillo taller de impresión se convirtió en una tienda de prestigio que atrajo a clientes tales como la Casa de Orleans, el Palacio del Elíseo o el Hotel de la Villa, entre otros. Devambez también fue nombrado grabador oficial de la familia real de Portugal. La reputación de Casa Devambez siguió creciendo, con más medallas en las Exposiciones Universales, una medalla de oro en Bruselas en 1897, un diploma de honor en Toronto en 1898 y una medalla de oro en la categoría de "grabado e impresión" en la Exposición Universal de París en 1900. En esta exposición (donde fue miembro del jurado), fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y también obtuvo el prestigioso título de Comerciante Notable. La Galería Devambez fue inaugurada en el nº 43 del bulevar Malesherbes, en 1897. Inicialmente se utilizaba únicamente como punto de venta de impresiones originales (litografías, grabados, puntas secas, etc). La primera exposición en la Galería Devambez fue una gran muestra de dibujos de Auguste Rodin (1840-1917) en 1908. La Editorial Devambez fue abierta en 1908 en el nº 23 de la calle Lavoisier.

(15) George Chéron (d.1931). Marchante y galerista parisino de arte moderno. Comerciante de vinos en Beziers (Occitania). En diciembre de 1915, abre en Paris la Galería des Indépendants, en el nº 56 de la calle La Boétie. Pronto cambiaría su nombre por Galería Chéron & Cia. Entre sus representados se encontraban pintores de la Escuela de París como Toshio Bando (1890-1973), Léonard Tsuguharu Foujita (1886-1968), Amedeo Modigliani (1884-1920) o Chaim Soutine (1893-1943), entre otros.

(16) Fuentes: Comoedia. Année 17, nº 4152, pº 1, 1 mai 1924. Journal des débats politiques et littéraires. Année 136, nº 122-1924, pº 3, 2 mai 1924. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(17) Sei Koyanagi (1896-1948). Pintor japonés. Nació en Hokkaido. Después de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Tokio viaja a Paris en 1922 y se une al grupo de artistas japoneses encabezados por Foujita, entre los que destacamos a Toshio Bando (1890-1973) o Roka Hasegawa (1897-1967), entre otros. Su reconocimiento como pintor le llegó temprano y tuvo éxito poco después de su llegada a Europa. Sus obras fueron expuestas en el Salón de Otoño, el Salón de los Independientes o el Salón de las Tullerías. Koyanagi tenía un contrato con la Galería Chéron de 1924 hasta 1931, cuando George Chéron falleció. En 1929, expone en el Petit Palais de París. Viajó bastante por Europa occidental y sus obras fueron expuestas en la Real Academia de Artes de Londres o la Kunstausstellung de Munich.

(18) Lucie Badoul (1903-66). (o Badoud). Hija de un próspero granjero del norte de Francia. Su familia la envió muy pronto a París a vivir con su abuela y recibió una educación típicamente burguesa. En un principio vivió en el distrito VIII y luego se trasladaron a la calle Cardinet del distrito VII. En 1920, a los diecisiete años, pierde a sus padres y a su abuela y se queda sola en el apartamento parisino de la familia. Quiere ser actriz de cine y de teatro. Cautivado por su belleza, el poeta Robert Solomon la introduce en los círculos periodísticos y teatrales. Como "Reina de la Noche", inspiró a muchos poetas y artistas. Conoció a Foujita en el Café de La Rotonda en 1922. Fue un amor a primera vista, ante quien posa y sirve de modelo muchas veces y se convirtió, por otra parte, en su amante. Comenzaron un romance en 1925, tras la separación del pintor de Fernande Barrey. Foujita la llamaba "Youki" (nieve en japonés a causa de su piel blanca). En 1928, los Foujita conocen al poeta surrealista Robert Desnos (1900-45) y pronto se establece un triángulo amoroso. Foujita ve bien los sentimientos que unían a Youki y a Desnos. Pero Foujita encontró un nuevo amor en la persona de la joven bailarina y modelo Mady Dormans -pseudónimo de Madeleine Lequeux (1909-36)-. En 1930, se separó de Foujita y se convirtió en la musa de Robert Desnos que la llamó "Sirena". En 1932 se casa con Desnos. Se convirtieron en inseparables hasta la detención del poeta en 1944, que murió un año más tarde en el campo de concentración nazi de Terezín en Checoslovaquia. Youki muere el 15 de octubre de 1966.

(19) Fuentes: Le Petit Parisien: journal quotidien du soir. nº 17577, pº 1, 14 avril 1925. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(20) Fuentes: La Renaissance de l'art français et des industries de luxe. Année 9, nº 1, pº 181, janvier 1926. Comoedia. Année 20, nº 4806, pº 2, 19 février 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(21) Fuentes: Comoedia. Année 19, nº 4571, pº 1, 25 juin 1925. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(22) Fuentes: Paris-Soir. Ed. 2, Année 4, nº 944, pº 2, 7 mai 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(23) Fuentes: Paris-Soir. Ed. 2, Année 4, nº 932, pº 1, 25 avril 1926. Comoedia. Année 20, nº 4870, pº 1, 25 avril 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(24) Fuentes: Comoedia. Année 20, nº 4886, pº 3, 12 mai 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(25) Fuentes: Journal officiel de la République française. Année 59, nº 10, pº 554, 13 janvier 1927. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(26) Fuentes: Comoedia. Année 20, nº 5025, pº 2, 2 octobre 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(27) Fuentes: Comoedia. Année 20, nº 5104, pº 2, 21 décembre 1926. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(28) Fuentes: Le Journal. nº 12676, pº 6, 2 juillet 1927. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(29) Fuentes: Comoedia. Année 22, nº 5515, pº 2, 12 février 1928. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(30) Robert Desnos (1900-45). Poeta surrealista francés. Nace en París el 4 de julio de 1900 y fallece en Terezín (Checoslovaquia) el 8 de junio de 1945. Abandonó sus estudios a la edad de 16 años para comenzar a trabajar en una farmacia. Sus primeros poemas, inspirados por los simbolistas franceses, se publicaron en 1918 en La Tribune des Jeunes (La Tribuna de los Jóvenes), una revista socialista parisina. En 1919, conoció al poeta Benjamin Péret (1899-1959), quien le introdujo en el grupo dadaísta de París y le presentó al también poeta André Breton (1896-1966). Ese mismo año, Desnos participó en la revista vanguardista Le Trait d'Union (El Guion). Mientras trabajaba como columnista del periódico Paris-Soir, Desnos se convirtió en un miembro activo del grupo surrealista, desarrollando un talento especial para la escritura automática y el sueño hipnótico. Breton, una vez separado del movimiento dadaísta, lo elogió en su Manifeste du surréalisme (Manifiesto del Surrealismo, 1924) afirmando que era el "profeta" del movimiento y que "hablaba surrealista a voluntad". A pesar de su militancia surrealista, Desnos no abandonó su trabajo como periodista. No tardaron en surgir discrepancias graves entre Desnos y Breton sobre este y otros asuntos, como la vigencia o no del verso de corte clásico, estrófico y rimado (lo que Breton llamaba, con desprecio, "las formas fijas", superadas, a su entender, desde la obra de Rimbaud). Desnos se enamoró de la cantante de music hall Yvonne George (1896-1930), pero los seguidores de ésta hicieron que se convirtiera en un amor imposible. Escribió diversas obras dedicadas a su amante, entre ellas los poemarios À la Mystérieuse (A la Misteriosa, 1926) y Les Ténèbres (Las Tinieblas, 1927), así como el relato La Liberté ou l'Amour! (¡La Libertad o el Amor!, 1927) y Journal d'une Apparition (Diario de una Aparición, 1927). En 1928, Desnos conoce a Youki Foujita de la que se enamoró locamente. En 1929, Breton condenó definitivamente a Desnos, que se había unido a la revista Documents, del escritor Georges Bataille (1901-62). En 1930, Youki se separa de Foujita y se convirte en la musa de Desnos que la llamó "Sirena". En 1932 se casan. La carrera de Desnos en la radio empezó en 1932 con un espectáculo dedicado al personaje novelesco Fantômas. Durante aquella época, se hizo amigo de Pablo Picasso (1881-1873), Ernest Hemingway (1899-1961), Antonin Artaud (1896-1948) y John Dos Passos (1896-1970). Publicó diversas críticas sobre jazz y cine, a la par que se incrementaba su participación en asuntos políticos. En 1930, publicó "The Night of Loveless Nights" (La Noche de las Noches sin Amor), poema lírico sobre la soledad, escrito con un estilo clásico, y "Corps et Biens" (Cuerpos y Bienes), que recopila alguno de sus poemarios anteriores. Al magisterio de Breton le sucede la influencia de François Villon (1431-63), Gérard de Nerval (1808-55) y Luis de Góngora (1561-1627), cuya técnica poética admira Desnos. Durante la Segunda Guerra Mundial, Desnos fue un miembro activo de la Resistencia francesa, publicando a menudo bajo pseudónimo, y fue detenido por la Gestapo el 22 de febrero de 1944. Fue deportado a Auschwitz, Buchenwald, Flossenbürg y finalmente al campo de concentración de Terezín en Checoslovaquia en 1945. Allí falleció de tifus semanas después de que el campo fuera liberado. Está enterrado en el parisino Cementerio de Montparnasse.

(31) Mady Dormans (1909-36). Pseudónimo de Madeleine Lequeux. Madeleine era una bailarina del Casino de París apodada la "Pantera" y cuyo pseudónimo era "Mady Dormans". En 1928, conoce al pintor Tsuguharu Foujita (1886-1968). A últimos de 1931, parte rumbo a América del Sur junto al pintor, primero a Brasil, Argentina, Bolivia, Perú, Cuba, México y Estados Unidos (Nuevo México, Arizona y California). De Estados Unidos (vía San Francisco) parten hacia Japón. Ya en Japón, la bailarina y coreógrafa japonesa Akiko Tachibana (1907-71) le crea el pseudónimo de "Madame Racheline". Madeleine de repente muere de una sobredosis en Tokio en junio de 1936.

(32) Fuentes: Paris-Soir. Ed. 2, Année 6, nº 1593, pº 5, 15 février 1928. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(33) Fuentes: Comoedia. Année 22, nº 5743, pº 2, 30 septembre 1928. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(34) Fuentes: Comoedia. Année 23, nº 5908, pº 3, 15 mars 1929. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(35) Fuentes: Bulletin de la Société franco-japonaise de Paris. nº 71, pº 37-44, 1930. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(36) Fuentes: Ambassades et consulats: revue de la diplomatie internationale. Année 2, pº NP, décembre 1928. Le Journal. nº 13376, pº 3, 1 juin 1929. Comoedia. Année 23, nº 5984, pº 3, 6 juin 1929. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(37) Fuentes: Comoedia. Année 23, nº 6075, pº 3, 3 septembre 1929. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(38) Fuentes: Comoedia. Année 23, nº 7017, pº 3, 15 octobre 1929. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(39) Fuentes: Comoedia. Année 24, nº 6238, pº 1, 14 février 1930. Comoedia. Année 24, nº 6239, pº 3, 15 février 1930. Le Journal. nº 13635, pº 2, 15 février 1930. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(40) Fuentes: Comoedia. Année 24, nº 6479, pº 3, 15 octobre 1930. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(41) Fuentes: Comoedia. Année 24, nº 6479, pº 3, 15 octobre 1930. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(42) Fuentes: Paris-Soir. Ed. 2, Année 9, nº 2704, pº 2, 2 mars 1931. Comoedia. Année 25, nº 6616, pº 3, 2 mars 1931. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(43) Fuentes: Foujita en México: Un episodio de colaboración y mecenazgo, y un retrato de Modigliani - Victoria Soto Caba

(44) Fuentes: Paris-Soir. Ed. 4, Année 11, nº 3681, pº 10, 3 novembre 1933. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(45) Fuentes: Comoedia. Année 29, nº 8086, pº 3, 31 mars 1935. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(46) Fuentes: La Coopération intellectuelle. Société des Nations: Institut international de la coopération intellectuelle. pº 42, 1936. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(47) Fuentes: Comoedia. Année 30, nº 8564, pº 3, 23 juillet 1936. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(48) Kimiyo Horyuchi -o Horiuchi- (1910-2009). Nació el 11 de septiembre de 1910 en la Prefectura de Ibaraki y fallece el 2 de abril de 2009 en Tokio. Desde 1937, Kimiyo fue la compañera y musa de Foujita hasta la muerte del pintor en 1968. En 1935, Foujita le hace su primer retrato. Tras la muerte de la modelo Mady Dormans en junio de 1936, Kimiyo apoya a Foujita. A finales del verano de 1937, Kimiyo se va a vivir con Foujita a una casa tradicional japonesa al estilo de Kioto en Kōjimachi (Chiyoda. Tokio) donde estarían hasta su partida a Francia. En 1938, visitan la isla de Okinawa (Ryūkyū). En 1954, se casa con Foujita en el Distrito XIV. También se convierte al Catolicismo junto a Foujita en la Catedral de Reims el 14 de agosto de 1959 y es bautizada con el nombre de Marie Ange Claire. En 1991, Kimiyo dona la Casa Taller Foujita al Departamento de Essonne. Fallece el 2 de abril de 2009 en Tokio y su cuerpo fue incinerado y enterrado el 25 de abril de 2009, junto a Foujita en la Capilla Nuestra Señora de la Paz de Reims.

(49) Hakutei Ishii (1882-1958). Pintor, grabador, editor y escritor de arte japonés, fue uno de los padres del movimiento Sōsaku-Hanga (impresiones creativas). Nacido el 28 de marzo de 1882 en Shitaya (Taitō. Tokio) con el nombre de "Mankichi", fallece el 29 de diciembre de 1958 en Shinjuku (Tokio). Es el hijo mayor del pintor y grabador japonés de nihonga (pintura tradicional) Teiko Ishii (1848-97) con quien estudió en su infancia. Después de abandonar la escuela se convirtió en aprendiz de grabador en el Ministerio de Hacienda. Después de la muerte de su padre, se interesó por la pintura occidental (óleos y acuarelas) especializándose en paisaje japonés. De 1898 a 1899 estudió en el taller de Chū Asai (1856-1907), pintor de estilo occidental (yōga) y miembro fundador de Meiji Bijutsukai (Sociedad de Bellas Artes Meiji). Posterirmente viajó a Europa junto al pintor Fusetsu Nakamura (1866-1943). De vuelta en Tokio, en 1904, consiguió entrar en la Escuela de Bellas Artes de esa ciudad, donde estudió pintura de estilo occidental y tuvo como profesores a Seiki Kuroda (1866-1924) y Takeji Fujishima (1867-1943), pero se retiró en su primer año. Fue editor de la revista de arte y literarura Myojo (Estrella de la Mañana) y co-fundador de la revista Heitan (1905). De 1907 a 1910, Hakutei fue cofundador y editor jefe de la revista de arte Hosun, junto a los pintores Kanae Yamamoto (1882-1946) y Tsunetomo Morita (1881-1933). También participó en el grupo literario Pan no kai, formado en 1909. En 1910, comienza la serie de grabados Doce Vistas de Tokio. Desde 1910, viajó por Egipto, Italia, España, Alemania e Inglaterra y vivió en Paris en 1911 y 1912. A su retorno a Tokio en 1912, continuó con su serie de grabados Doce Vistas de Tokio. En 1914, formó parte del grupo de artistas disidentes que formaron el Nikakai (una especia de "Secesión de Tokio"), para ofrecer una exposición alternativa al Salón Nacional -oficial- (Bunten) que se había vuelto cada vez más conservador. Escribió mucho sobre el arte Europeo en la prensa especializada japonesa. En 1918 viajó por Corea y Manchuria. En 1921, ayudó a fundar el Bunka Gakuin (una especie de escuela de artes y oficios). En 1922, junto a Sōtarō Yasui (1888-1955), fundó el colectivo artístico Issuikai. En 1923, viajó a Francia, Italia e Inglaterra. En 1935, se retiró de la Nikakai y se unió a la Academia Imperial de Bellas Artes (Teikoku Bijutsuin). En 1937, se convirtió en miembro de la Academia Imperial de Bellas Artes. En diciembre de 1958, poco antes de su muerte, fue condecorado con la Orden del Sol Naciente.

(50) Ken'ichi Nakamura (1895-1967). Pintor japonés. Nacido en Koganei (Tokio). Después de graduarse en la Escuela de Bellas Artes de Tokio en 1920, donde había estudiado con el pintor académico Takeshirô Kanokogi (1874-1941), seguidor de Chū Asai (1856-1907), Ken'ichi viajó a Francia en 1923, al igual que su maestro había hecho antes. Regresó a Japón en 1928, y fue miembro fundador del Nihon Hanga Kyōkai, e hizo grabados en madera (xilografías) de paisajes y Bijin-ga (término utilizado para referirse a las ilustraciones con representaciones de mujeres que respondían al ideal de belleza que entonces imperaba) en la década de 1930. Durante la guerra fue un conocido pintor de guerra. En 1950, se convirtió en miembro de la Academia Imperial de las Artes.

(51) Ryōhei Koiso (1903-88). Pintor japonés. Nació el 25 de julio de 1903 en Kobe (Hyogo) y murió el 16 de diciembre de 1988. Cristiano de nacimiento. Su talento fue reconocido desde su juventud. Graduado en pintura de estilo occidental (Yōga) por la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tōkyō Bijutsu Gakkō) en 1927. Ryōhei tuvo una carrera exitosa desde sus inicios. Después de estudiar en Europa, Koiso regresó a Tokio. En 1936, junto a Ogisu Takanori (1901-86), Genichiro Inokuma (1902-93) o Kazu Wakita (1908-2005) crean el colectivo Shin-Seisaku-ha Kyōkai (asociación artística japonesa fundada en 1936 en reacción al realismo académico perseguido por el grupo Kantén). Durante la Segunda Guerra Mundial es comisionado junto a otros artistas como Tsuguharu Foujita (1886-1968), como reportero o artista de guerra, entre sus obras más destacadas de este periodo están: "La firma de rendición de los Británicos en Singapur", y "La infantería japonesa abriéndose paso en los campos de Malasia". En 1959 se convirtió en profesor de pintura al óleo de estilo occidental en la Escuela de Bellas Artes de Tokio. Fue galardonado con la la Orden de la Cultura (Bunkashō) y fue miembro de la Academia Imperial de Bellas Artes en 1982. Sus obras de arte cristiano proporcionaron las ilustraciones para la versión revisada de la Biblia en japonés coloquial. Fue un artista muy popular y tiene un museo dedicado a su persona en la ciudad de Kobe de donde era originario, el Museo de Arte Koiso Memorial situado en la Isla de Rokkō. Koiso dejó aproximadamente 2.000 obras de arte cuando murió en 1988. Después de su muerte, la familia decidió donar sus obras (pinturas al óleo, grabados y dibujos a la ciudad de Kobe, junto con su estudio y sus libros. Sus obras se muestran permanente en el Museo de Arte de la Prefectura de Hyōgo en Kobe. Sus obras a pesar de su estilo occidental representan personas y paisajes del Japón.

(52) Fuentes: Paris-Soir. Ed. 6, Année 17, nº 5743, pº 2, 23 mai 1939. Ce soir: grand quotidien d'information indépendant. Année 3, nº 813, pº 7, 25 mai 1939. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(53) Esta carta está escrita sólo unos días antes de que los alemanes entraron en París, que causó la salida repentina de Foujita. Volvió a Japón y se unió a las filas del Ejército Imperial. Lettre autographe signée, Paris, 24 avril 1940, à Madame B. Jarrige (Jeanne Bernard): "J’ai le plaisir de accuser réception de votre manda lettre du lundi dernière. Je vous remercie beaucoup. Je vais vous envoyer immédiatement les œuvres et le revue et bien entendu je vais dater les dessins. J’espère que vous serai content de cela, recevez chère madame mes remerciements sincères et mes profonds amitiées ainsi qu’à votre mari. Foujita, Maintenant ça doit être beau votre pay, vraiment le printemps est venu, nous avons santés, et très sage". Une note au crayon en bas de page nous indique que Madame Jarrige travaillait dans une galerie d’art (Galerie Bernard, rue Jacques Callot et Galerie Chéron, 56 rue la Boétie). Fuentes: Lettre autographe signée, Paris, 24 avril 1940, à Madame B. Jarrige - Thomas Vincent: Documents & autographes

(54) Frank E. Sherman. Antiguo estudiante de bellas artes en Boston y en Filadelfia. En 1930, viajó a París y dió clases en la Academia de la Grande Chaumière (escuela de arte en el VI Distrito). Adoraba el trabajo de Foujita. Durante la ocupación estadounidense de Japón, estuvo a cargo de la Sección de Bellas Artes en el Gobierno del General Douglas MacArthur (1880-1964). Posteriormente fue director de la compañía editorial Toppan, editora de los periódicos Newsweek, Time y New York Times.

(55) El Apocalipsis de San Juan es un ejemplar único diseñado por el editor de libros de arte Joseph Foret con la colaboración de muchos artistas y escritores. Sería el libro más caro y más pesado del mundo. Este libro está hecho en tres años, en un solo ejemplar en pergamino de 150 hojas de 65 x 75 cm bajo una cubierta de bronce con decoración de oro y piedras preciosas que pesa 150 kg, el libro pesa en total 210 kg. El libro muestra el texto del Apocalipsis de San Juan, a la razón de tres ilustracciones por artistas, siete pintores que representaban diferentes tendencias del arte moderno: Bernard Buffet (1928-99), Salvador Dalí (1904-89), Leonor Fini (1907-96), Léonard Tsuguharu Foujita (1886-1968), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre-Yves Trémois (1921) y Ossip Zadkine (1890-1967). Además siete escritores de diversas especialidades y convicciones escribieron comentarios, pensamientos o meditaciones sobre el texto del Apóstol: Jean Cocteau (1889-1963), Jean Rostand (1894-1977), Daniel-Rops (1901-65), Jean Guitton (1901-99), Emil Cioran (1911-95), Jean Giono (1895-1970) y Ernst Jünger (1895-1998). Sus textos se ilustraron con grabados de varios artistas, entre ellos el propio Jean Cocteau o Albert Decaris (1901-88). La cubierta de bronce con decoración de oro y piedras preciosas la realizó Salvador Dalí. Desde 1961, la obra fue expuesta en diferentes países de todo el mundo durante diez años. Desde 1961, la obra fue expuesta en diferentes países de todo el mundo durante diez años con un total de 146 exposiciones hasta que fue adquirido por el pintor y coleccionista de arte Christian Karoutzos (1947). Fuentes: Pyrénées. nº 62, pº 158, avril au juin 1965. Gallica. Bibliothèque Nationale de France

(56) Georges Prade (1904-92). De nombre completo Yves Georges Prade. Político, escritor, editor, periodista y crítico de arte francés. Nació el 10 de mayo de 1904 en París. Licenciado en Letras (1922). Secretario de Dirección del Banco de París y los Países Bajos (1923). Periodista deportivo de "Le Figaro" (1923). Redactor jefe de "L'Officiel de la Couture et de la Mode" (1924). Redactor jefe de "Revue Bleue" (1925). Administrador de Sociedades (1926). Redactor jefe de "Républicain de la Santé" (1928). Miembro de la Comisión del Viejo París (1929-92). Concejal del Distrito XIV de París (1929-44). Secretario del Consejo Municipal del Distrito XIV de París (1929-30). Consejero General del Sena (1929-40), Secretario del Consejo General del Sena (1931-32). Vicepresidente del Consejo General del Sena (1933). Coleccionista de arte contemporáneo. Gracias a él fue enterrado en 1949 en Saint-Benoît-sur-Loire, el escritor, poeta y pintor francés Max Jacob (1876-1944), que murió en el campo de concentración de Drancy el 5 de marzo de 1944. Fuentes: Nouveau dictionnaire national des contemporains, Paris, Robin, 1961-68.

(57) René Lalou (1877-1973). Abogado y empresario francés. Nació el 15 de septiembre de 1877 en el IX Distrito de París y murió el 12 de agosto de 1973 en Neuilly-sur-Seine. Hijo del industrial y terrateniente de Lille, Charles Lalou (1841-1918), diputado boulangista por el Departamento del Norte e influyente Director del diario "La France" (1881-1918). Después de doctorarse en leyes, René lalou fue abogado en el Tribunal de Apelación de París (1901-04). En 1904, se casó con Martha Dubonnet (1883-1960), hija del industrial José Dubonnet. Presidente y Director General del Banco de Productos Alimenticios y Coloniales (1913). Presidente y Director General de la Casa de champán G.H.Mumm & Cie (1935). Director General y después Presidente de la Casa de Champán Dubonnet (1940-57). Presidente y Director General de la Compañía de Viñedos Zayana (1950). Director de la Compañía de Aguas Evian (1956). Presidente y Director General de Champagne Perrier-Jouët (1959). Presidente de la Asociación Amigos de Léonard Foujita. Comandante de la Orden de San Gregorio Magno. Comandante del Mérito Agrícola. Promovió a Comandante de la Legión de Honor. Mecenas de las Artes y las Letras, donó en 1967 a la ciudad de Reims la Capilla de Nuestra Señora de la Paz que fue decorada por Foujita. Fue padrino de bautizo de Foujita en 1959.

(58) Fuentes: Bautizo del pintor japonés Foujita y de su esposa. ABC. 15 octubre 1959. pag. 46

(59) Kiki de Montparnasse (1901-53). Modelo, cantante, bailarina y actriz francesa. Pseudónimo de Alice Ernestine Prin. Llamada también la "Reina de Montparnasse". Nació el 2 de octubre de 1901 en Châtillon-sur-Seine (Côte-d'Or) y murió el 23 de marzo de 1953 en París. Hija ilegítima, fue criada por su abuela en un entorno muy pobre. En 1913, deja Châtillon-sur-Seine para reunirse con su madre, Marie Prin cuyo oficio era linotipista, en París. En 1914, deja la escuela para trabajar como encuadernadora, florista, lavadora de botellas, etc. En 1917 entró como criada en una panadería de la plaza de Saint Georges. En 1917, para ganarse la vida posa desnuda para un escultor y provoca una violenta discusión con su madre que la echa de casa. Es acogida por el pintor Chaim Soutine (1893-1943). Era asidua del Café de La Rotonde. En 1918, comienza su carrera de modelo con el pintor polaco Maurice Mendjizky (1890-1951). Posa también para pintores como Amedeo Modigliani (1884-1920), Moïse Kisling (1891-1953) o Tsuguharu Foujita (1886-1968), cuyo lienzo Desnudo Tumbado con Toile de Jouy (1922. Óleo, tinta, carboncillo y lápiz sobre lienzo. 130 x 195 cm. Donación del artista en 1961. Museo de Arte Moderno de la Villa de París. Francia), será el gran acontecimiento del Salón de Otoño de 1922. En 1921, se convierte en la pareja y modelo preferida de Man Ray (1890-1976). Es la modelo en la famosa fotografía que hizo Man Ray en 1924, El Violín de Ingres. Conoce a los Dadaistas y Surrealistas. Por esta época hace algunos dibujos. El escultor español Pablo Gargallo (1881-1934), realiza un busto de ella en bronce dorado en 1928. En 1929, Kiki se convirtió en la amante del periodista Henri Broca, fundador y director de la revista Paris-Montparnasse en la que aparecieron los primeros capítulos de su libro: Recuerdos Recuperados (Souvenirs Retrouvés). Fue elegida la "Reina de Montparnasse". Primero su madre y después Henri Broca son internados en un psiquiátrico. Para hacer frente a los gastos médicos, cantaba y bailaba en discotecas. Visita a los estudios de la Paramount (Kaufman Astoria Studios) de Nueva York, pero sin resultado. Lleva yba mala vida, bebe demasiado y apenas come. Posa para el pintor noruego Per Krohg (1899-1965). En 1936, Kiki abre su pripio cabaret L'Oasis. Andrew Laroque, pianista y acordeonista del cabaret por la noche y oficial de aduanas durante el día, se convierte en su nuevo amante. Andrew la ayuda a liberarse de las drogas y comienza a escribir sus memorias, que serán publicadas en 2005. En 1953, muere en París y fue enterrada en el cementerio parisino de Thiais, donde sólo Foujita asistió a su entierro.

(60) Fuentes: Journal de l'année. 1 juillet 1967-30 juin 1968. pag. 606. Larousse

(61) Fuentes: La veuve de Foujita disparue, l'héritage du peintre demeure. Le Parisien. 24 avril 2009

(62) Shodō (el camino de la escritura). Caligrafía japonesa. Se considera un arte y una disciplina muy difícil de perfeccionar y se enseña como una materia más a los niños japoneses durante su educación primaria. Proviene de la caligrafía China, y se practica a la usanza milenaria, con un pincel, un tintero donde se prepara la tinta china, pisapapeles y un pliego de papel de arroz. Actualmente también es posible usar un fudepen, pincel portátil con depósito de tinta. El shodō practica la escritura de caracteres japoneses hiragana y katakana, así como caracteres kanji derivados de la escritura china. Actualmente existen calígrafos maestros en este arte que son contratados para la redacción de documentos importantes. Además de requerir una gran precisión y gracia por parte del calígrafo, cada carácter kanji debe ser escrito según un orden de trazo específico, lo que aumenta la disciplina requerida a quienes practican este arte. Fuentes: wikipedia

(63) Aïcha Goblet (1898-). Modelo, bailarina y actriz francesa. Nació en 1898 en Hazebrouck (Flandes). Su padre era foráneo de la Martinica y su madre francesa. Su padre era malabarista en un circo itinerante y Aïcha empezó a actuar con él a la edad de seis años como amazona. un día, durante un espectáculo circense en Clamart conoció a Jules Pascin y le preguntó si quería ser su modelo. Con dieciséis años se va a vivir a París y comienza a trabajar de modelo para Pascin en 1916 y posterioremnte para Soutine, Modigliani, Kisling o Foujita, entre otros. De vez en cuando cocinaba para ellos, y algunas veces les prestaba dinero para comer de sus ganancias como modelo. Foujita dibujó un retrato casi cubista de Aïcha. Aïcha era bastante modesta en sus hábitos y comportamiento. Aïcha también fue una bailarina de music hall y actriz dramática. Ella fue la inspiración para un personaje de la novela La Negra del Sagrado Corazón (La Négresse du Sacré Coeur) de 1920, del poeta, escritor, periodista y crítico de arte André Salmon (1881-1969), -quien acuñó por primera vez la expresión "Escuela de París"-. Salmon la llamaba la Miss África de Montparnasse. Aïcha escribió sus propias memorias y en muchos sentidos, fue predecesora de Josephine Baker (1906-75). Fuentes: Rediscovering Aïcha, Lucy and D'al-Al, Colored French Stage Artists by Michel J. Fabre.

(64) El gesso es una sustancia de color blanco que consiste en una mezcla de un aglutinante con tiza, yeso, pigmento, o alguna combinación de los mismos. El gesso se aplica para su imprimación a lienzos u otras superficies antes de pintar sobre ellas, generalmente con óleo o acrílico. Generalmente se aplica con una espátula de bellas artes o una paletina. El gesso también es usado, aunque pocas veces, en imagineria, ya que en este arte se usa el llamado estuco, y en manualidades, ya que su principal función es hacer de tapaporos. Fuentes: wikipedia

Blog de Pintura del pintor Meko (Jesús Meco Castellanos)