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Escuela de París  Escuela de París

 

 

Se denomina «Escuela de París» a un grupo disconforme de artistas que trabajaron en París (Francia) principalmente en el periodo de entreguerras (1919-40), vinculados a diversos estilos artísticos como el Posimpresionismo, el Expresionismo y el Surrealismo. El término engloba a una gran variedad de artistas, tanto franceses como extranjeros, que residían en la capital francesa generalmente en el intervalo entre las dos guerras mundiales. Aunque se puede ampliar la fecha desde 1905 con la aparición del Fauvismo (1) hasta después de la Segunda Guerra Mundial cuando paso a denominarse «Nueva Escuela de París».

 

La denominación de la «Escuela de París» en un principio se aplicó exclusivamente a un grupo de artistas extranjeros, predominantemente de origen judío -que llegaron huyendo desde el Imperio Ruso a causa de los pogromos. (2)-, que residían en París en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial y compartían un estilo pictórico figurativo que podría llamarse Expresionismo Poético, y que formó la corriente más destacada de la pintura francesa entre el Cubismo y el Surrealismo. Por ejemplo: Picasso (español), Chagall (ruso), Foujita (japonés), Kisling (polaco), Modigliani (italiano), Pascin (búlgaro) o Soutine (ruso), fueron algunos de los artistas más famosos encuadrados en esta denominación. Sin embargo, principalmente fuera de Francia se le dio un significado más amplio, incluyendo en él a todos los artistas extranjeros que se habían instalado en París desde principios del siglo XX, como el holandés Kees van Dongen (1877-1968) o el español Pablo Picasso (1881-1973), y, posteriormente se extendió más hasta englobar a todo el arte progresista o moderno del siglo XX, que tenía su centro en París. En un sentido más amplio, el término refleja la intensa concentracción de la actividad artística, que contaba con el respaldo de la crítica y de los marchantes, y que convirtió a la ciudad de París en el centro mundial del arte hasta la Segunda Guerra Mundial que pasó el relevo a Nueva York. Antes de la Primera Guerra Mundial el centro de la actividad artística era Montmartre. Después de la guerra, Montmartre quedó para los turistas y la actividad artística pasó a Montparnasse, en la margen izquierda del Sena.

 

 

París: Capital de las Artes

 

 

A finales del siglo XIX, gracias a los nuevos movimientos artísticos como el Impresionismo (1863-1926) o el Art Nouveau (1890-1905) y el creciente prestigio de las nuevas escuelas de arte como la Academia Julian (3), la Academia Colarossi (4), la Academia Carrière (5), la Academia de la Grande Chaumière (6) o la Academia Ranson (7), había empezado a atraer a París a los primeros artistas extranjeros, iniciando un proceso que se acelerará a principios del XX con la aparición del Fauvismo en 1905 y del Cubismo en 1907. Todos ellos se van a aglutinar en dos barrios, Montmartre y Montparnasse.

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Jules Pascin: Carmen (1909. Óleo sobre lienzo. 67.5 x 52.5 cm. Colección privada) © The Estate of Jules Pascin

 

En Montmartre, la mayoría de los artistas se instalarán en el edificio llamado Le Bateau-Lavoir (el Barco Lavadero) (8) situado en la nº 13 de la calle Ravignan (actual plaza de Émile-Goudeau) en el distrito XVIII de París. En este edificio Pablo Picasso (1881-1973) mostró por primera vez en 1907 a algunos de sus más allegados amigos el lienzo que dio origen al Cubismo Las Señoritas de Avignon. En este barrio es donde se concentraron un mayor número de artistas extranjeros, algunos hijos de buena familia pero que vivían en condiciones de extrema miseria, atiborrados de alcohol y drogas, y muchos enfermos de tuberculosis. Es el barrio que contribuye a la fábula y la realidad de la bohemia, con gran número de cabarets, frecuentado por artistas, poetas y mujeres liberales que ejercen de modelos y amantes. La taberna o el cabaret más famoso será Au Lapin Agile (el Conejo Agil) (9) situado en el nº 22 de la calle des Saules en el distrito XVIII de París. Este cabaret fue uno de los lugares favoritos de encuentro de la bohemia artística de principios del siglo XX y una de cuyas salas es decorada por Pablo Picasso (1881-1973), quién también pintó el lienzo Au Lapin Agile (1905. Óleo sobre lienzo. 99.1 x 100.3 cm. Museo Metropolitano de Arte. Nueva York. Estados Unidos). Muy frecuentado también en el barrio de Montmartre es el Cirque Medrano (Circo Medrano) (10) situado en el nº 63 del bulevar de Rochechouart en el distrito XVIII de París. Este sitio sería un punto de encuentro y de inspiración para muchos artistas como Georges Braque (1882-1963), Ramón Casas (1866-1932), André Derain (1880-1954), Kees van Dongen (1877-1968), Raoul Dufy (1877-1953), Amedeo Modigliani (1884-1920), Pablo Picasso (1881-1973) o Maurice Utrillo (1883-1945), entre otros.

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Marc Chagall: París a través de mi ventana (1913. Óleo sobre lienzo. 135.8 x 141.4 cm. Museo Solomon R. Guggenheim. Nueva York. Estados Unidos) © 2016 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

 

En 1914, la mayoría de los artistas se trasladan a vivir y trabajar al barrio de Montparnasse. Este es un barrio nuevo, que se pone de moda, en el que viven artistas de todo el mundo como Constantin Brancusi (1876-1957), Marc Chagall (1887-1985), Giorgio de Chirico (1888-1978), Sonia Delaunay (1885-1979), Tsuguharu Foujita (1886-1968), Pablo Gargallo (1881–1934), Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Albert Marquet(1875-1947), Amedeo Modigliani (1884-1920) o Pablo Picasso (1881-1973). Escritores como Guillaume Apollinaire (1880-1918), Gertrude Stein (1874-1946) o Ernest Hemingway (1899-1961). Marchantes de arte como Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) (11) o Ambroise Vollard (1866-1939) (12). En Montparnasse se reunen en los cafés La Coupole (La Cúpula) (13) o La Rotonde (La Rotonda) (14) situados en el nº 102 y 105 del bulevar de Montparnasse en el distrito XIV de París, respectivamente; en el restaurante Rosalie situado en el nº 3 de la calle Campagne Première en el distrito XIV de París (que muchas veces dio de comer gratis a muchos artistas, entre ellos a Modigliani). Los artistas más pobres vivían en un edificio octogonal llamado La Ruche (La Colmena) (15) situada en el nº 2 del Pasaje de Dantzig en el distrito XV de París. En Montparnasse los cafés son más elegantes y cosmopolitas que los de Montmartre. Gracias a la diversidad étnica de su población (rusos, italianos, españoles, escandinavos, japoneses, americanos, etc), Montparnasse se caracteriza por una gran libertad de costumbres, por ejemplo, las mujeres reivindican su igualdad con los hombres, visten pantalones, llevan el pelo corto, fuman, beben y son independientes, conviven con grandes artistas y poetas, pero tratan de hacer un arte propio, como es el caso de la pintora francesa Marie Laurencin (1883-1956) o la española María Blanchard (1881-1932).

 

 

Cronología

 

 

El pintor francés Lazar Meyer (1847-1935) (16) está considerado como uno de los primeros precursores de la llamada «Escuela de París», pues fue uno de los primeros pintores que se instalaron en Montmartre.

 

El historiador y crítico de arte Adrian M. Darmon (1945), señala que el término «Escuela de París» se utiliza antes de la Primera Guerra Mundial por ciertos periódicos alemanes cuando hacen hincapié en las tendencias vanguardistas opuestas al expresionismo alemán. Pero es el crítico de arte francés André Warnod (1885-1960) (17) quien utiliza por primera vez la expresión «Escuela de París» el 27 de enero de 1925, en un artículo de la revista literaria Comoedia (18), y posteriormente, en octubre de 1925, en la introducción de su libro Les Berceaux de la Jeune Peinture (La Cuna de la Joven Pintura) ilustrado por Amedeo Modigliani, en referencia a todos los artistas extranjeros llegados a principios del siglo XX a la capital francesa en busca de condiciones favorables para su arte.

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Moïse Kisling: Desnudo sobre diván negro (1913. Óleo sobre lienzo. 97 x 130 cm. Colección privada) © The Estate of Moïse Kisling

 

Desde 1900 hasta la Primera Guerra Mundial, París sostiene una gran afluencia de artistas extranjeros, especialmente de Europa Central y Oriental y muchos de ellos de origen judío, aunque vienen también de todas las partes del mundo, que se asientan principalmente en el barrio de Montparnasse. Entre ellos, Alexander Archipenko (1887-1964), Marc Chagall (1887-1985), Joseph Csaky (1888-1971), Kees van Dongen (1877-1968), Tsuguharu Foujita (1886-1968), Moïse Kisling (1891-1953), Pinchus Krémègne (1890-1981), Amedeo Modigliani (1884-1920), Jules Pascin (1885-1930), Pablo Picasso (1881-1973), Chaim Soutine (1893-1943) u Ossip Zadkine (1890-1967), por citar sólo los más famosos.

 

Muchos pintores judíos de la Escuela de París procedentes de Europa del Este (Rusia, Polonia, Alemania, Bulgaria, Checoslovaquia, Rumania, Hungría) estaban familiarizados con los grandes maestros franceses del siglo XIX y conocen a los impresionistas a través de sus profesores, como Józef Pankiewicz (1866-1940) (19) en Cracovia (Polonia), Iliá Repin (1844-1930) (20) en San Petersburgo (Rusia), Adolf Fényes (1867-1945) (21) o Izsák Perlmutter (1866-1932) (22) en Budapest (Hungría) y Lovis Corinth (1858-1925) (23) en Berlín (Alemania).

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Amedeo Modigliani: Desnudo sobre cojín azul (1917. Óleo sobre lino. 65.4 x 100.9 cm. Galería Nacional de Arte. Washington D.C. Estados Unidos) © The Estate of Amedeo Modigliani

 

La Primera Guerra Mundial (1914-18) provocará que muchos de estos artistas vuelvan a sus países de origen para contribuir al esfuerzo de guerra, muchos de ellos alistándose en sus respectivos ejércitos, o como el caso de los alemanes por temor a represalias. Por ejemplo, Walter Bondy (1880-1940), Otto Freundlich (1878-1943) o Rudolf Levy (1875-1944) a Alemania (todos ellos judíos); el también judío Léopold Gottlieb (1883-1934) a Polonia, uniéndose a la Legión Polaca del Mariscal Józef Piłsudski (1867-1935), con el Ejército Austrohúngaro; Marc Chagall (1887-1985), Emmanuel Mané-Katz (1894-1962), Abram Brazier (1892-1942) (24) o Savely Schleifer (1881-1943) regresaron a Rusia. Algunos de ellos regresarían a París después de la «Gran Guerra». Muchos de ellos se alistaron como voluntarios en el Ejército Francés, por ejemplo: Moïse Kisling (1891-1953), que fue declarado exento en 1915, tras una lesión; Simon Mondzain (1888-1979) o Louis Marcoussis (1878-1941), que sirvieron en una compañía polaca en la Legión Extranjera Francesa. Algunos no pudieron servir en el ejército siendo declarados exentos por razones de salud, tales como Amedeo Modigliani (1884-1920) o Chaim Soutine (1893-1943). Jules Pascin (1885-1930) se trasladó a Londres tras el estallido de la Primera Guerra Mundial para evitar el servicio en el Ejército Búlgaro y posteriormentese fue a los Estados Unidos en octubre de 1914 hasta 1920, a su vuelta a París. Durante los años de guerra, los artistas se quedaron en París sin pensiones ni espectáculos solidarios, muchos de ellos estaban en la absoluta miseria y no tenían que comer. En 1915, gracias a la pintora y escultora rusa Marie Vassilieff (1884-1957) que abre una cantina en su estudio situado en el callejón sin salida del 21 de la Avenida del Maine, pueden al menos comer. En diciembre de 1915, la pintora y diseñadora de moda Germaine Bongard (1885-1971) (25), patrocina una serie de exposiciones en su tienda de modas Jove en el nº 5 de la calle de Penthièvre. La primera exposición que se realiza en Jove presenta pinturas de: André Derain (1880-1954), Moïse Kisling (1891-1953), Fernand Léger (1881-1955), Henri Matisse (1869-1954), Amedeo Modigliani (1884-1920) y Pablo Picasso (1881-1973). En diciembre de 1917, el poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski (1889-1932) (26) organiza la primera exposición individual de Modigliani en la Galería Berthe Weill (50, rue Taitbout) pero el día de la inauguración (3 diciembre 1917) la autoridad la cierra por indecencia. Al terminar la Primera Guerra Mundial, aquel clima artístico cobra nuevo vigor, con una turbulencia un tanto desordenada, con nuevas tentativas en búsqueda de nuevas expresiones. Son los primeros pasos del arte abstracto, la explotación del cubismo, del fauvismo y del expresionismo, que dejan de ser algo excepcional gracias a una difusión cada vez mayor, y cuya búsqueda de la originalidad se convierte en habitual.

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Tsuguharu Foujita: Ángeles y sirenas (1918. Acuarela, pan de oro y tinta negra sobre papel. 28.6 x 42.9 cm. Colección privada. Chicago. Illinois. Estados Unidos) - © Fondation Foujita

 

La segunda oleada de artistas que llegan a París se produce después de la Primera Guerra Mundial. Entre los artistas llegados durante este periodo podemos destacar: a los rusos Vladimir Naïditch (1903-80) o Kostia Terechkovitch (1902-78), que llegan en 1920, André Lanskoy (1902-76) en 1921, Serge Poliakoff (1900-69) en 1923 y Alexis Arapoff (1905-48) en 1924; los polacos Zygmunt Landau (1898-1962) en 1920, Esther Carp (1897-1970) en 1925 y Jacob Macznik (1905-45) en 1928; el húngaro Jean Toth (1899-1972) en 1921; los ucranianos Alexandre Fasini (1892-1942) en 1922 y Issachar Ber Ryback (1897-1935) en 1926; el bielorruso Ossip Lubitch (1896-1990) en 1923; el letón Alexandre Garbell (1903-70) en 1923; los moldavos Isaac Antcher (1899-1992) en 1924 y Antoine Irisse (1903-57) en 1926; el mexicano Federico Cantú (1907-89) en 1924. Por otra parte, una nueva oleada de artistas llegan a París en 1933 desde Alemania tras la subida de Adolf Hitler (1889-1945) al poder. Entre estos destacamos a Moses Bagel (1908-95) o Jesekiel David Kirszenbaum (1900-54).

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Chaim Soutine: Paisaje en Céret, con árboles rojos (c.1919. Óleo sobre lienzo. 54 x 64.8 cm. Colección privada) © The Estate of Chaim Soutine

 

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de pintores se comprometen a exponer bajo la Ocupación alemana de París en la muestra llamada Veinte Jóvenes Pintores de Tradición Francesa (Vingt jeunes peintres de tradition française). Exposición organizada en mayo de 1941 por el editor André Lejard (1899-1974) y el pintor Jean Bazaine (1904-2001) que era el responsable de la Sección de Artes Plásticas de la organización filofascita la Joven Francia (27) creada por la Secretaría General de Juventud del Gobierno de Vichy. La exposición tuvo lugar en la Galería Braun (18, calle Louis-le-Grand) en mayo de 1941 (la exposición fue inaugurada el 10 de mayo). El título de la exposición enmascaraba de hecho una pintura disconforme con el planteamiento artístico (arte degenerado) e ideológico del nazismo. De hecho, estos pintores están lejos en la utilización de las formas tradicionales del arte. El título de la muestra se hace para evitar la censura impuesta por el régimen de Vichy. Es la primera manifestación de la pintura de vanguardia bajo la ocupación alemana. La exposición se convierte en el manifiesto de una pintura moderna y une a varios artistas de tendencia no figurativa como: Jean Bazaine (1904-2001), André Beaudin (1895-1979), Paul Berçot (1898-1970), Jean Bertholle (1909-96), Francisco Bores (1898-1972), Lucien Coutaud (1904-77), François Desnoyer (1894-1972), Léon Gischia (1903-91), Charles Lapicque (1898-1988), Jean Lasne (1911-40), Lucien Lautrec (1909-91), Raymond Legueult (1898-1971), Jean Le Moal (1909-2007), Alfred Manessier (1911-93), André Marchand (1907-97), Édouard Pignon (1905-93), Suzanne Roger (1898-1986), Gustave Singier (1909-84), Pierre Tal Coat (1905-85) y Charles Walch (1896-1948).

 

Dos años más tarde, del 6 de febrero al 4 de marzo de 1943, otra exposición colectiva titulada Doce Pintores Actuales (Douze peintres d’aujourd’hui), en la Galería de France (54, calle de la Verrerie). La exposición estaba formada por 36 obras de: Jean Bazaine (1904-2001), Francisco Bores (1898-1972), Jean Chauvin (1889-1976), Maurice Estève (1904-2001), André Fougeron (1913-98), Léon Gischia (1903-91), Charles Lapicque (1898-1988), Jean Le Moal (1909-2007), Alfred Manessier (1911-93), Édouard Pignon (1905-93), Gustave Singier (1909-84) y Jacques Villon (1875-1963). El nombre de «Nueva Escuela de París» tiene sus raíces en estas exposiciones. Muchos de los pintores que participaron en esta exposición colaborarían junto al periodista y crítico de arte Gastón Diehl (1912-99) (28) en la creación del Salón de Mayo (Salon de Mai) (29) en octubre 1943, en oposición a la ideología del nazismo y la convicción de arte degenerado.

 

 

La Nueva Escuela de París

 

 

Después de la Segunda Guerra Mundial se crea el Salón de la Joven Pintura (Salon de la Jeune Peinture) (30) que reunía a pintores nacidos durante o poco después de la Primera Guerra Mundial. Su vicepresidente era el pintor Gaëtan de Rosnay (1912-92). La mayoría de estos artistas no expusieron durante el periodo de la ocupación alemana pues estaban involucrados activamente en el conflicto como soldados en los ejércitos aliados o en las filas de la resistencia. Refiriéndose a estos pintores, André Warnod utiliza el término «Nueva Escuela de París», expresión que utiliza para clasificar, en particular, al pintor Maurice Boitel (1919-2007) en 1954 y 1955 en el periódico Le Figaro.

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Pablo Picasso: Los tres músicos (1921. Óleo sobre lienzo. 200.7 x 222.9 cm. Colección Lillie P. Bliss Bequest. Museo de Arte Moderno -MoMA-. Nueva York. Estados Unidos) © The Estate of Pablo Picasso

 

Cabe destacar que la mayoría de los pintores de la llamada «Nueva Escuela de París» habían nacido en Francia. Entre los pintores figurativos más representativos de la llamada «Nueva Escuela de París» destacamos a: René Aberlenc (1920-71), Françoise Adnet (1924-2014), Guy Bardone (1927-2015), Jean Baudet (1914-89), Richard Bellias (1921-74), Michel Bertrand (1935-2009), Roland Bierge (1922-91), Maurice Boitel (1919-2007), Yves Brayer (1907-90), Bernard Buffet (1928-99), Philippe Cara Costea (1925-2006), Paul Collomb (1921-2010), Gabriel Dauchot (1927-2005), Geoffroy Dauvergne (1922-77), Jean Dries (1905-73), Roger Forissier (1924-2003), Michel de Gallard (1921-2007), François Heaulmé (1927-2005), Daniel du Janerand (1919-90), Jean Jansem (1920-2013), Jean Joyet (1919-94), René Margotton (1915-2009), André Minaux (1923-86), Yvonne Mottet (1906-68), Orazi (1906-79), Danièle Perré (1924-2009), Pierre-Henry (1924), Raoul Pradier (1929), Gaëtan de Rosnay (1912-92), Claude Schürr (1921-2014), Paul Schuss (1948), Gaston Sébire (1920-2001), Éliane Thiollier (1926-89), Michel Thompson (1921-2007), Maurice Verdier (1919-2003), Jean Vinay (1907-78) y Louis Vuillermoz (1923).

 

De estos, unos pocos fueron derivando su estilo hacia el arte abstracto, como Édouard Pignon (1905-93) y Orazi (1906-79). Con la «Nueva Escuela de París» aparecen nuevas tendencias estilísticas como la Abstracción. También es una corriente dentro del Informalismo, movimiento artístico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense.

 

 

Sinopsis

 

 

En resumen, la «Escuela de París» designa el grupo de artistas activos en torno a Montmartre antes de la Primera Guerra Mundial y en Montparnasse tras ella, acogidos y apoyados por la libertad estética y la facilidad para expresarse y exponer su obra que encuentran en esta ciudad.

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Ossip Zadkine: Cabeza de Mujer (1923-24. Mármol azul de los Pirineos, mármol blanco y gris y cemento rojo. 45 x 23 x 28 cm. Donación del Dr. y Sra. H.V. Evatt -1963-. Galería de Arte de Nueva Gales del Sur. Sídney. Australia) © Ossip Zadkine/ADAGP. Licensed by Viscopy, Sydney

 

Desde 1900 hasta la ocupación alemana en 1940, París fue un próspero centro de actividad artística que proporcionó condiciones inigualables para el intercambio de ideas creativas. La ciudad se convierte en la capital de la vanguardia. También era un notable centro de coleccionismo y de galerías de arte. Una ola de artistas de todas las nacionalidades se asentó en la capital francesa y fomentó un clima inspirador para la creación. Los artistas extranjeros en París se concentraron inicialmente en Montmartre sobre 1900, pero posteriormente se trasladaron a Montparnasse a principios de la década de 1910. Podríamos decir que los pioneros de la llamada «Escuela de París» son entre otros, Marc Chagall (1887-1985), Kees van Dongen (1877-1968), Tsuguharu Foujita (1886-1968), Amedeo Modigliani (1884-1920), Piet Mondrian (1872-1944), Jules Pascin (1885-1930), Pablo Picasso (1881-1973) o Chaim Soutine (1893-1943) y otros artistas franceses como Pierre Bonnard (1867-1947), Georges Braque (1882-1963), André Derain (1880-1954), André Lhote (1885-1962) o Henri Matisse (1869-1954), que formaban parte de movimientos artísticos como el Post-impresionismo, el Fauvismo o el Cubismo. Retratos, figuras, paisajes urbanos, y naturalezas muertas son los motivos más generales de los artistas de la llamada «Escuela de París». Los artistas de la «Escuela de París» emplean una diversidad de estilos y técnicas que incluyen los colores vivos, dinámicos del fauvismo, los métodos revolucionarios de cubismo, las cualidades animadas del expresionismo, y los mundos privados de simbolismo. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, algunos críticos hablan de una nueva escuela de París formada por aquellos artistas que han permanecido en París durante la guerra y han renovado el panorama artístico: Bazaine, Estève, Lapicque, entre otros no figurativos. En los años cincuenta el término constituye la base de la primera Bienal de París y hace referencia a la abstracción expresiva en boga en esta época, cuando en realidad no constituye una escuela con estrategia homogénea y programa colectivo como puede ser el de la Escuela de Nueva York. Se trata de una denominación de carácter sociológico que agrupa a un grupo cosmopolita de artistas cuyo núcleo es la ciudad de París, que actúa como incentivo artístico e intelectual.

 

En la «Escuela de París» dominó una gran diversidad estilística, sirviendo para englobar en ella a artistas de difícil clasificación y de obra fuertemente personal, como Alexander Archipenko (1887-1964), Constantin Brancusi (1876-1957), Julio González (1876-1942) o los fotógrafos Brassaï (1899-1984) (31) y André Kertész (1894-1985) (32). Sin embargo, la mayoría estuvieron vinculados en mayor o menor medida al Expresionismo, si bien interpretado de forma muy personal y heterodoxa. Artistas como Amedeo Modigliani (1884-1920), Jules Pascin (1885-1930), Chaim Soutine (1893-1943) o Maurice Utrillo (1883-1945) fueron conocidos como les Maudits (los Malditos), por su arte bohemio y torturado, reflejo de un ambiente noctámbulo, miserable y desesperado. En cambio, Marc Chagall representa un expresionismo más vitalista, más dinámico y colorista, sintetizando su iconografía rusa natal con el colorido fauvista y el espacio cubista. Otros artistas de la escuela fueron Jean Arp (1886-1966), Robert Robert Delaunay (1885-1941), Sonia Delaunay (1885-1979), Raoul Dufy (1877-1953), René Iché (1897-1954), Michel Kikoïne (1892-1968), Moïse Kisling (1891-1953), Pinchus Krémègne (1890-1981), Jacques Lipchitz (1891-1973), Emmanuel Mané-Katz (1894-1962) u Ossip Zadkine (1890-1967), entre otros.

 

 

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Bibliografía

 

 

 

Enlaces

 

 

 

Notas

 

(1) Fauvismo (o Fovismo). Fue un movimiento pictórico originado en Francia y caracterizado por un empleo provocativo del color. Luego se desarrolló a otros países, en años posteriores. El Fauvismo fue un movimiento pictórico basado en el uso de colores intensos y antinaturalistas. Estaba compuesto por un grupo de artistas franceses que trabajaron juntos entre 1905 y 1907 y fue el primero de los grandes movimientos de vanguardia europeos en el período de experimentación sin precedentes entre el comienzo del siglo XX y la Primera Guerra Mundial. La figura más sobresaliente del grupo fauvista fue Henri Matisse (1869-1954), que ya en 1899 empezó a utilizar colores de fuertes contrastes. Los fauvistas expusieron juntos por primera vez en el Salón de Otoño de 1905. Su nombre procede de la expresión "les fauves" (las fieras) y se lo puso el crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943), que, señalando una escultura de estilo renacentista en medio de la Sala VII de la 3ª Exposición del Salón de Otoño en el Gran Palacio de París, exclamó: ¡Donatello au milieu des fauves! (¡Donatello en medio de las fieras!). Esta observación fue publicada en el periódico Gil Blas (Supplément. année 27, nº 9500, pº-, 17 octobre 1905), e inmediatamente los pintores se apropiaron del nombre. Además de Matisse en el Salón de Otoño de 1905 expusieron Charles Camoin (1879-1965), André Derain (1880-1954), Émile Othon Friesz (1879-1949), Pierre Girieud (1876-1948), Henri Manguin (1874-1949), Albert Marquet (1875-1947) y Georges Rouault (1871-1958). Más tarde se unirían al movimiento Kees van Dongen (1877-1968) y Maurice de Vlaminck (1876-1958) a últimos de 1905; Raoul Dufy (1877-1953) en 1906; y Georges Braque (1882-1963) en 1907. Todos estos pintores eran algo más jóvenes que Matisse (la mayoría rondaba la veintena mientras que Matisse ya contaba con 35 años en 1905). Entre los pintores de menor importancia vinculados al grupo cabe citar a Jean Puy (1876-1960) o Louis Valtat (1869-1952). Es evidente, en mayor o menor grado, la influencia de Paul Cézanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) o Vincent van Gogh (1853-90) y los neoimpresionistas. El tema o género preferido del grupo era el paisaje y la característica más sobresaliente de sus obras la extrema intensidad de color, que utilizaban de manera totalmente arbitraria para obtener un efecto emocional y decorativo, pero a veces también (como había hecho Cézanne) para sugerir el espacio. Aparte de estos elementos, el grupo no tenía ningún programa en común. Como movimiento, el Fauvismo alcanzó su cima en el Salón de Otoño de 1905 y en el Salón de los Independientes de 1906. En 1907, sus miembros comenzaron a disgregarse. Para la mayoría, el Fauvismo supuso un período transitorio evolucionando cada uno hacía estilos muy diferentes (Valtat fue una excepción). Sin embargo, aunque muy breve, el movimiento tuvo una influencia considerable en el Expresionismo alemán y en la obra de los coloristas escoceses. Fuentes: Diccionario del arte del siglo XX por Ian Chilvers ⇑

(2) Progromo. (del ruso погром, pogrom: «devastación») consiste en el genocidio o linchamiento multitudinario, espontáneo o premeditado, de un grupo particular, étnico, religioso u otro, acompañado de la destrucción o el expolio de sus bienes (casas, tiendas, centros religiosos, etc). El término ha sido usado para denotar actos de violencia sobre todo contra los judíos, aunque también se ha aplicado para otros grupos, como es el caso del linchamiento polaco contra las minorías étnicas (alemanes y ucranianos) en Galitzia. El origen histórico de la palabra se remonta a 1881, cuando el zar Alejandro II (1818-81) fue asesinado en la ciudad de San Petersburgo por Ignacy Hryniewiecki (1856-81), lo cual produjo en la Rusia meridional una oleada de violencia que se prolongó hasta 1884. Se calcula que, como consecuencia del pogromo, cerca de dos millones de judíos rusos emigraron hacia Europa Occidental, Estados Unidos o Argentina en el periodo comprendido entre 1880 y 1920. Ése no fue el único brote antisemita ocurrido en Rusia. Son numerosos los pogromos documentados durante la Revolución Rusa de 1917 y la posterior Guerra Civil Rusa (1918-1921). Así, durante la Revolución Bolchevique de octubre de 1917, los judíos acaudalados fueron, como el resto de las clases acomodadas, duramente perseguidos. Y, por su lado, la participación de colectivos judíos menos favorecidos, en favor de la revolución, motivó su posterior represión por parte del Ejército Blanco (pro-zaristas). Fuentes: Wikipedia ⇑

(3) Académie Julian (1867-1968). Fue una escuela de arte parisina fundada en 1867 por el pintor Rodolphe Julian (1839-1907), cuya actividad como pintor está hoy día totalmente olvidada. La academia abrió sus puertas como escuela-estudio privada para estudiantes de arte en el passage des Panoramas en el II Distrito de París. La escuela no exigía ningún requisito de entrada, además no sólo aceptaba a pintores profesionales, sino también a pintores amateurs. La academia abriría posteriormente dos centros más, en el nº 31 de la calle del Dragón en el VI Distrito y en 1880 en el nº 51 de la calle Vivienne en el II Distrito de París, este último tenía la particularidad de admitir a mujeres. En la época, la escuela de arte oficial, la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes), no permitía a las mujeres matricularse en sus estudios, pero la nueva Academia Julian sí se lo permitió. Aunque la Academia Julian se hizo famosa por la ausencia de normas para los estudiantes en su interior, estaba considerada como un primer paso hacia la Escuela de Bellas Artes (astutamente Julian había contratado profesores de la Escuela de Bellas Artes como profesores invitados). Por la calidad de sus profesores, la academia rápidamente ganó cierta fama. En 1888 y 1889, de la academia surgió un grupo rebelde de jóvenes estudiantes caracterizados por su preocupación por el color llamado los Nabis (Los Profetas), liderado por Paul Sérusier (1864-1927). Entre los artistas que estudiaron allí destacamos a Albert André (1869-1954), Léon Bakst (1866-1924), Marcel Baschet (1862-1941), Pierre Clayette (1930-2005), Maurice Denis (1870-1943), Jean Dubuffet (1901-85), Marcel Duchamp (1887-1968), André Favory (1888-1937), Henri Matisse (1869-1954), Claude Schürr (1921-2014), Félix Vallotton (1865-1925), Jacques Villon (1875-1963) o Édouard Vuillard (1868-1940), entre otros. Finalmente, a los alumnos de la Academia Julian se les otorgó el derecho a competir por el Premio de Roma (beca escolar que el gobierno francés concede a estudiantes de arte), un premio concedido a los jóvenes artistas promesas. La Academia Julian se incorporó a la Escuela Superior de Artes Gráficas Penninghen (École Supérieure d'Arts Graphiques-Penninghen) en 1968. ⇑

(4) Académie Colarossi (1870-1930). Fue una escuela de arte parisina fundada en 1870 por el escultor italiano Filippo Colarossi (1841-1906). La academia estaba situada en el nº 10 de la calle de la Grande-Chaumière en el VI Distrito de París y fue creada como una alternativa a la escuela oficial, la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes) que, a los ojos de muchos prometedores jóvenes artistas de la época, se había vuelto demasiado conservadora. Cuando Charles Suisse, modelo y alumna de Jacques-Louis David (1748-1825) se retira, Filippo Colarossi le compra la Academia Suisse que había sido fundada por esta en 1815. Colarossi la rebautizó como Academia de la Rosa y estaba ubicada en la esquina del muelle des Orfévres y el bulevar du Palais en la Isla de la Cité. En 1870, la academia se trasladó al nº 10 de la calle de la Grande-Chaumière en el barrio de Montparnasse en el VI Distrito. La academia tiene otro centro en el nº 43 de la avenida Victor Hugo en el XVI Distrito de París. Junto con la Académie Julian, la escuela Colarossi aceptaba estudiantes femeninas y les permitía dibujar modelos de desnudo masculino. Entre las pintoras más conocidas que asisten a la academia encontramos a Camille Claudel (1864-1943), musa y amante del escultor Auguste Rodin (1840-1917), y Jeanne Hébuterne (1898-1920), mujer y modelo de Amedeo Modigliani (1884-1920). Célebre por sus clases de escultura en vivo, la escuela atraía muchos estudiantes extranjeros, incluyendo un gran número procedente de los Estados Unidos. En 1910, la academia designó a la artista neozelandesa Frances Hodgkins (1869-1947) como su primera profesora femenina. La escuela cerró en 1930. Poco antes, la señora Colarossi quemó los archivos de la institución, en represalia contra las infidelidades de su marido. Entre sus alumnos encontramos a pintores de la talla de Hermen Anglada Camarasa (1871-1959), André Dunoyer de Segonzac (1884-1974), Georges d'Espagnat (1870-1950), Paul Gauguin (1848-1903), Marcel Gromaire (1892-1971), George Grosz (1893-1959), Hans Hofmann (1880-1966), Seiki Kuroda (1866-1924), Jean Lurçat (1892-1966), Amedeo Modigliani (1884-1920), Mela Muter (1876-1967) o Joaquín Peinado (1898-1975) y escultores como Joseph Enseling (1886-1957), Jacques Lipchitz (1891-1973) o Isamu Noguchi (1904-99), entre otros. ⇑

(5) Académie Carrière (1890-1905). Fue una escuela de arte parisina fundada en 1890 por el pintor Eugène Carrière (1849-1906). La academia estaba situada en la calle de Rennes en el VI Distrito de París. En la escuela no había clases de forma regular, donde Carrière la visitaba una vez a la semana para corregir el trabajo de sus alumnos, entre ellos André Derain (1880-1954), Pierre Laprade (1875-1931), Henri Matisse (1869-1954) o Jean Puy (1876-1960), los fututos fauvistas. La Academia Carrière tuvo una corta duración. Después de unos pocos años de existencia, se vio obligado a cerrar por falta de alumnos. La enseñanza de Carrière siempre fue muy liberal. ⇑

(6) Académie de la Grande Chaumière (1904-1957). Fue una escuela de arte parisina fundada en 1904 por la pintora suiza Martha Stettler (1870-1945). La academia estaba situada en el nº 14 de la calle de la Grande Chaumière en el VI Distrito de París. La escuela estaba dedicada a la pintura y la escultura. Uno de los atractivos de esta escuela fueron las tasas, aún más bajas que las de la Academia Julian (que tenían que ser abonadas por adelantado). Todo lo que proveía era el modelo y el calor en invierno. Entre sus profesores destacamos a Emile-Antoine Bourdelle (1861-1929), Claudio Castelucho (1870-1927), Maurice Denis (1870-1943), Émile Othon Friesz (1879-1949), Fernand Léger (1881-1955), André Lhote (1885-1962), René-Xavier Prinet (1861-1946), Lucien Simon (1861-1945) u Ossip Zadkine (1890-1967), entre otros. Entre sus alumnos destacamos a Ramiro Arrue (1892-1871), Balthus (1908-2001), Louise Bourgeois (1911-2010), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901–66), Joan Miró (1893-1983), Amedeo Modigliani (1884-1920), Isamu Noguchi (1904-99), Manuel Ángeles Ortiz (1895-1984), Benjamín Palencia (1894-1980), Joaquín Peinado (1898-1975), Jean-Paul Riopelle (1923-2002) o Bradley Walker Tomlin (1899-1953), entre otros. En 1957, fue comprada por la familia Charpentier y cambió su nombre por Academia Charpentier. ⇑

(7) Académie Ranson (1908-1955). Fue una escuela de arte parisina fundada en octubre de 1908 por el Grupo Nabis en nombre de su amigo y uno de los cinco miembros fundadores del grupo, Paul-Elie Ranson (1864-1909), que se encontraba en una situación precaria, tanto financiera como de salud. Tras la muerte prematura de Ranson de fiebre tifoidea en 1909, la academia la dirige desde sus inicios su viuda, France Ranson-Rousseau. La academia estaba situada en un primer lugar en la calle Henry-Monnier en el IX Distrito, después se traslada al barrio de Montparnasse al nº 7 de la calle Joseph-Bara en el VI Distrito de París. Los amigos de Paul Ramson, los pintores Maurice Denis (1870-1943) y Paul Sérusier (1864-1927) impartieron cursos voluntariamente para ayudar a Frances Ranson y a su hijo Michel. Aparte de Denis y Sérusier, los pintores nabis, amigos de Ranson, como Ker-Xavier Roussel (1867-1944), Félix Vallotton (1865-1925) o Édouard Vuillard (1868-1940), asistieron regularmente para dar clases, dándole una buena reputación a la academia. Los estudiantes permanecían durante períodos que iban de una semana a un año. Después de 1918, Denis y Sérusier estan ocupados con otras actividades y aparecen nuevos maestros como Roger Bissière (1886-1964), Démétrios Galanis (1879-1966), Gustave-Louis Jaulmes (1873-1959), Amédée de La Patellière (1890-1932), Louis Latapie (1891-1972), Paul Vera (1882-1957) o Jules-Émile Zingg (1882-1942). Entre sus alumnos cabe destacar a Yves Alix (1890-1969), Alice Halicka (1894-1975), Roger de La Fresnaye (1885-1925), Louis Latapie (1891-1972), Tamara de Lempicka (1898-1980), Jeanne Rij-Rousseau (1870-1956) o Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), entre otros. En 1932, France Ranson confía la dirección de la academia a la estudiante y escultora suiza Harriet Von Tschudi Cérésole. El profesor de pintura al fresco es Roger Bissière y el de escultura es Charles Malfray (1887-1940). Por otra parte, la nueva directora Harriet Cérésole organiza numerosas exposiciones para apoyar a los artistas jóvenes. De 1939 a 1944, durante la Segunda Guerra Mundial, la academia permaneció abierta sólo para unos cuantos estudiantes. Una vez acabada la guerra se intentó reanimar la academia, y en 1951 se reabrió con nuevos profesores, incluidos Roger Chastel (1897-1981), Marcel Fiorini (1922-2008), Lucien Lautrec (1909-91), Gustave Singier (1909-84) y Henri Goetz (1909-89), pero debido a la falta de fondos finalmente se cerró en 1955. ⇑

(8) Le Bateau-Lavoir (el Barco-Lavadero). El Bateau-Lavoir es un inmueble situado en el barrio de Montmartre. Es sobre todo conocido por haber sido, a principios del siglo XX, lugar de residencia y de reunión de numerosos pintores y escritores. En 1970 sufrió graves daños a consecuencia de un incendio (en la actualidad sólo queda la fachada del edificio original) y fue reconstruido para emplearlo como alojamiento de artistas extranjeros. Conocido al principio como La casa del trampero, fue rebautizado por Pablo Picasso y sus compañeros en 1904 como Bateau-Lavoir (barco-lavadero) porque su estructura de madera recordaba a los barcos amarrados a las orillas del Sena y utilizados como lavaderos. Estaba situado en la nº 13 de la calle Ravignan (actual plaza de Émile-Goudeau) en el distrito XVIII de París y el primer artista en instalarse en él, en 1892, fue Maxime Maufra (1861-1918). El lugar se convirtió rápidamente en un lugar de encuentro de artistas, entre los que destacaba la presencia de Paul Gauguin (1848-1903). Entre 1900 y 1904 fue ocupado por dos grupos de artistas, el de los italianos, agrupados en torno a Ardengo Soffici (1879-1964), y el de los españoles, encabezados por Paco Durrio (1868-1940). Pablo Picasso (1881-1973) llegó en 1904, al final de su período azul, para comenzar su período rosa (vivió allí hasta 1909 y conservaría un taller hasta 1912). En esa época, los habitantes eran Kees Van Dongen (1877-1968), Juan Gris (1887-1927), Constantin Brancusi (1876-1957), Amedeo Modigliani (1884-1920), Pierre Mac Orlan (1883-1970), Max Jacob (1876-1944) ... En 1907 se expone allí por primera vez el cuadro de Picasso Las Señoritas de Avignon. En 1908 se celebró un banquete memorable en honor del aduanero Henri Rousseau (1844-1910). A partir de la Primera Guerra Mundial, el edificio fue perdiendo animación en beneficio del barrio de Montparnasse. Entre las muchas personas que solían frecuentar el lugar estaban Henri Matisse (1869-1954), Georges Braque (1882-1963), Fernand Léger (1881-1955), André Derain (1880-1954), Raoul Dufy (1877-1953), Maurice Utrillo (1883-1945), Jean Metzinger (1883-1956), Louis Marcoussis (1878-1941), Guillaume Apollinaire (1880-1918), Gertrude Stein (1874-1946), Alfred Jarry (1873-1907), Jean Cocteau (1889-1963), Raymond Radiguet (1903-23), Charles Dullin (1885-1949), Harry Baur (1880-1943), Ambroise Vollard (1868-1939), etc. Fotografía. Fuentes: wikipedia. Licencia de documentación libre de GNU. Fundación para el Software Libre (FSF) ⇑

(9) Au Lapin Agile (el Conejo Agil). El Lapin Agile es el cabaret más antiguo de París. El pequeño edificio situado en la colina de Montmartre, en el nº 22 de la calle Saules en el distrito XVIII, fue salvado de la demolición por el cantante y actor Aristide Bruant (1851-1925) hacia 1900. El cabaret, que empezó llamándose Cabaret de los Asesinos, debe su nombre a un juego de palabras entre Gill y lapin (en francés, conejo). En 1875, el propietario encargó al caricaturista André Gill (1840-85) un emblema para el local. Gill pintó en el muro exterior un conejo en el momento de escaparse de una cazuela y el cabaret empezó a ser conocido con el nombre de lapin à Gill (el conejo de Gill), que pronto se convirtiò en lapin agile (el conejo ágil). En su época de mayor esplendor, bajo la dirección del músico, pintor, poeta y animador Frédéric Gérard (1860-1938), conocido como Père Frédé y propietario del burro Lolo (que se haría famoso como el supuesto pintor Joachim-Raphaël Boronali), de la cabra Blanchette, del mono Théodule, de un perro, de un cuervo y de ratones blancos. El cabaret era frecuentado por Guillaume Apollinaire (1880-1918), Francis Carco (1886-1958), Roland Dorgelés (1885-1973), Charles Dullin (1885-1949), Maurice Utrillo (1883-1945), Max Jacob (1876-1944), Amedeo Modigliani (1884-1920) o Pablo Picasso (1881-1973). Todavía a principios del siglo XXI el cabaret sigue abierto, siendo frecuentado por un público muy cosmopolita. Fotografía. Fuentes: wikipedia ⇑

(10) Cirque Medrano (Circo Medrano). Circo situado en el nº 63 del bulevar de Rochechouart en el distrito XVIII de París. Su nombre originario Circo Fernando, deriva del de su fundador, el jinete belga Ferdinand Beert (1835-1902), que lo inauguró en 1873. El Fernando, había sido un circo ambulante que se instaló en un terreno vacío situado entre el Boulevard Rochechouart y la Rue des Martyrs (otros señalan la rue Lallier) de Paris. Tras una primera edificación de madera y alquitrán, en 1875 fue transformado en un edificio de construcción circular con la apariencia final que nos muestran las imágenes de la época. Su declive en la década de los noventa, despues de ser teatro en 1894 y de un cierre temporal, hace que Louis Beert (1851), hijo de Fernando, lo traspase en 1897 a una de las estrellas más famosas que actuaban en él, el payaso Jérôme Médrano (1907-98) quien lo actualiza y reabre con el nombre de Circo Médrano. Hasta su cierre definitivo en 1963, se llamó el Circo de Montmartre. El edificio que alojó al Fernando, fue derruido en los años 70 del siglo pasado, aunque hoy, el Circo Medrano, sigue siendo uno de los mas reconocidos del mundo. Este sitio sería un punto de encuentro y de inspiración para muchos artistas. El Circo Medrano fue muy famoso gracias a que pintó a payasos, domadores, etc, Edgar Degas (1834-1917) o Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), entre otros, cuando se llamaba Circo Fernando. Fotografía ⇑

(11) Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979). Escritor, coleccionista y marchante de arte alemán nacionalizado francés en 1937, promotor del movimiento cubista en los años 1910 y 1920. Nació el 25 de junio de 1884 en Mannheim, ciudad perteneciente al Reino de Wurtemberg (Alemania). Hijo de burgueses ricos, se crió en Stuttgart, donde, en contacto con su tío-abuelo, Joseph Goldscheider (1834-95), se inició durante largos paseos en la pintura y la música. Durante la adolescencia visitó los principales museos europeos, descubriendo a François Boucher (1703-70), Jean Siméon Chardin (1699-1779), Rembrandt (1606-69) y, sobre todo, Cranach el Viejo (1472-1553). A los 18 años vivía en París, donde descubrió el impresionismo. Se fijó especialmente en Paul Cézanne (1839-1906), vislumbrando el comienzo de una nueva pintura. Pronto se convenció de que quería ser un marchante de arte. Ambroise Vollard (1868-1939) y Paul Durand-Ruel (1831-1922) serían sus guías, sus maestros. Se convirtió en el marchante y promotor de los cuatro principales artistas del cubismo: Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963), Juan Gris (1887-1927) y André Derain (1880-1954). Fue el primero, junto a Wilhelm Uhde (1874-1947), en percibir la ruptura y la fuerza de Las señoritas de Avignon, obra de Picasso fundadora del cubismo que vio en julio de 1907 en el taller de Le Bateau-Lavoir. Daniel-Henry Kahnweiler falleció el 11 de enero de 1979 en París (Francia). Fuentes: wikipedia ⇑

(12) Ambroise Vollard (1868-1939). Tratante de pintura y galerista francés. Nació en julio de 1868 en Saint-Denis en la Isla Reunión (Francia). Dejó muy joven su isla natal para estudiar en Montpellier y en París. En la capital desarrolla una pasión por la pintura que le lleva a abrir su galería de arte en 1890. Expondrá las obras de numerosos artistas hoy calificados de mayores, como Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Paul Cézanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903) o Henri Matisse (1869-1954). Además mantendrá con muchos de ellos lazos de amistad. En 1898, Pierre Bonnard (1867-1947), Ker-Xavier Roussel (1867-1944) y Édouard Vuillard (1868-1940) realizaron por petición de Vollard una serie de litografías en color. En junio de 1901 organizó la primera exposición de obras de Pablo Picasso (1881-1973). También fue amigo de Maurice de Vlaminck (1876-1958) y contribuyó en gran medida a su reconocimiento. Después de conocer a Alfred Jarry (1873-1907) se dedicó a la escritura (Ubu colonial) y se lanzó al mundo editorial para publicar obras de poetas ilustradas por sus pintores favoritos. En 1900 lanzó la primera: una edición de Parallèlement de Paul Verlaine ilustrada por Pierre Bonnard. Incluía múltiples escenas de lesbianismo y fue un fracaso comercial. Murió el 23 de agosto de 1939 en un accidente de tráfico en París. Picasso dio su nombre (Suite Vollard) a una serie de aguafuertes, hoy considerada la más importante del siglo XX. Fuentes: wikipedia ⇑

(13) La Coupole (La Cúpula). Es un café, restaurante y cervecería parisina situada en el nº 102 del bulevar de Montparnasse en el barrio del mismo nombre en el distrito XIV de París, en un antiguo almacén de madera y carbón. Su nombre evoca al Parnaso griego donde habitaban las Musas. La Coupole se inauguró el 20 de diciembre de 1927 por Ernest Fraux y por su cuñado René Lafon (anteriores gerentes del Café Le Dôme. 108, bulevar de Montparnasse), que deseaban crear el mejor y más grande restaurante de París. La Coupole es el templo del Art Déco construido por los arquitectos Le Bouc (gran premio de Roma) y Barillet. La decoración corrió a cargo de Alphonse-Louis Solvet y su hijo Paul. Por iniciativa de Alphonse-Louis Solvet, veintisiete artistas de Montparnasse participaron en la decoración de La Coupole. Las pinturas fueron escogidas por un comité formado por el pintor y escultor art deco Charles Dufresne (1876-1938), el periodista y crítico de arte Florent Fels (1891-1977) y el poeta e historiador del arte André Salmon (1881-1969). Entre los artistas que decoraron La Coupole destcamos a Alexandre Auffray (1869-1942), Émile Othon Friesz (1879-1949), Isaac Grünewald (1889-1946), Louis Latapie (1891-1972), Jeanne Rij-Rousseau (1870-1956), Victor Robiquet (1879-1951), David Seifert (1896-1980) o Marie Vassilieff (1884-1957). La noche de la inauguración, todas las grandes figuras de las artes, las letras y la vida nocturna parisina estaban presentes. Ese día se encargaron 1500 botellas de champan de la marca Mumm que, a medianoche, ya se habían agotado, diez mil canapés, tres mil huevos duros, mil pasteles fueron devorados esa noche por cientos de invitados, entre los que se econtraban: Georges Braque (1882-1963), Brassaï (1899-1984), Blaise Cendrars (1887-1961), Jean Cocteau (1889-1963), Alberto Giacometti (1901–66), Tsuguharu Foujita (1886-1968), Moïse Kisling (1891-1953), Man Ray (1890-1976), Ossip Zadkine (1890-1967), etc. Ha sido también teatro de todas las excentricidades: Josephine Baker (1906-75) acudió acompañada de un guepardo, y Kiki de Montparnasse (1901-53) se bañó desnuda en la gran copa del centro del local. La Coupole fué más que un café, tenía restaurante y una sala de baile en el sótano (abierta el 24 de diciembre de 1928). Ha conocido a célebres clientes como Louis Aragon (1897-1982), Danielle Darrieux (1917), Ernest Hemingway (1899-1961), Eugène Ionesco (1909-94), Joseph Kessel (1898-1979), Jean Marais (1913-98), Yves Montand (1921-91) o Jean Paul Sartre (1905-80). En mayo del 68, Daniel Cohn-Bendit (1945) lanzó su mitin subido a una mesa. En 1987, La Coupole fue adquirida por el Grupo Flo del restaurador Jean Paul Bucher (1938-2011). Desde 1988 La Coupole está incluida entre los monumentos históricos de Francia. En 1995, Bucher la vende al financiero belga Albert Frère (1926). En 2008, un comité dirigido por el periodista del Journal des Arts (Diario de las Artes) Gilles de Bure (1940-2013) selecciona a cuatro artistas contemporáneos de fama internacional para pintar la cúpula de La Coupole inspirándose en los temas originales: la naturaleza, la mujer y la fiesta. Estos cuatro artistas son Ricardo Mosner (1948), Fouad Bellamine (1950), Ru Xiaofan (1954) y Carole Benzaken (1964). Fotografía ⇑

(14) La Rotonde (La Rotonda). Café parisino del barrio de Montparnasse situado en el nº 105 del bulevar de Montparnasse en el distrito XIV de París. El café se encuentra en el cruce Vavin, esquina bulevar de Montparnasse y bulevar Rapail. El café fue fundado en 1911 por Victor Libion. Junto con Le Dôme y La Coupole era conocido como un lugar de reunión para intelectuales, artistas y escritores durante el período de entreguerras. Frecuentada por muchos pintores, fue representado por muchos de estos como Federico Cantú (1907-89), Tsuguharu Foujita (1886-1968), Alexandre Jacovleff (1887-1938), Pablo Picasso (1881-1973) o Diego Rivera (1886-1957). A diferencia de muchos establecimientos en Montparnasse, La Rotonde ha conservado gran parte de su encanto bohemio y continúa en funcionamiento hasta nuestros días. Fotografía ⇑

(15) La Ruche (La Colmena). Edificio utilizado como residencia y estudio de artistas situado en el nº 2 del Pasaje de Dantzig en el distrito XV de París. La Ruche fue fundada en 1902 por el escultor Alfred Boucher (1850-1934) para ayudar a los artistas jóvenes sin recursos. Cuando se acabó la Exposición Universal de 1900, Boucher compró el pabellon que alojaba el Departamento de los Vinos y lo instaló en un descampado que adquirió en la zona de Vaugirard. Este edificio, diseñado por Gustave Eiffel (1832-1923), fue desde este momento bautizado como La Ruche (La Colmena) porque los talleres de los artistas están dispuestos como alveólos alrededor de la escalera central. Desde el principio, el sitio acogió a muchos artistas inmigrantes de todos los paises y principalmente de los paises del Este. En La Ruche el alquiler era muy barato y nadie fue desalojado por falta de pago. Fernand Léger (1881-1955) se instaló en 1905 y poco despues llegaron Alexander Archipenko (1887-1964), Marc Chagall (1887-1985), Léon Indenbaum (1890-1981), Pinchus Krémègne (1890-1981), Amedeo Modigliani (1884-1920), Chaim Soutine (1893-1943) o Ossip Zadkine (1890-1967), entre otros muchos. En los años 60 un proyecto inmobiliario puso el lugar en peligro. La movilización de los artistas, liderados por Chagall y apoyados por personalidades como Alexander Calder (1898-1976), René Char (1907-88), Jean Cocteau (1889-1963), André Malraux (1901-76), Jean Renoir (1894-1979), Jean Paul Sartre (1905-80) salvó el edificio de la demolición. En 1972, se declaró al edificio monumento histórico. Fotografía ⇑

(16) Lazar Meyer (1847-1935). Pintor francés. Nació el 20 de enero de 1847 en Fegersheim (Alsacia) en el seno de una familia judía. Hijo de Israël Meyer y Charlotte Metzger. Tiene tres hermanos (Abraham, David y Léopold) y dos hermanas (Marie y Babette). Después de la Guerra Franco-Prusiana de 1870 y la ocupación de Alsacia-Lorena por el Imperio Alemán, abandonó Alsacia por razones políticas y religiosas, y se instaló en París con su hermano mayor Léopold en el nº 3 de la calle Cauchois en el distrito XVIII. Participó en la Comuna de París (18 marzo-28 mayo 1871), donde fue secretario de una sección. Tras la caída de la Comuna, fue detenido y encarcelado en la Isla de Ré, para ser deportado. Como nunca tomó las armas, el tribunal finalmente lo absolvió y regresó a París. Se casó en 1880 en París con Albertina Louise Mace, con quien tuvo tres hijos: Éva (1879), Léa (1882) e Israël Maurice (1885). Mostró un gran talento para el arte y la pintura. Fue primero alumno de Alexander Laemlein (1813-1871), sobresaliendo como un pintor de género y de retrato. En la Escuela de Bellas Artes de París fue alumno de Alexandre Cabanel (1823-1889) y Émile Lévy (1826-1890). Se convirtió en profesor de dibujo en el Liceo Condorcet de París. En colaboración con el alfarero Jules Paul Loebnitz (1836-95), realiza sobre unos dibujos de Émile Lévy, tres grandes paneles cerámicos (titulados Arquitectura, Pintura y Escultura) para decorar el monumental pórtico del pabellón de la Sección Francesa de Bellas Artes de la Exposición Universal de París de 1878. Complementado con un cuarto panel, que más tarde se instalará en la fachada de la antigua fábrica de Cerámicas Loebnitz de París, construida en 1884 por el arquitecto Paul Sédille (1836-1900). Fue uno de los primeros pintores que se instaló en Montmartre y está considerado como precursor de la llamada Escuela de París. Era pariente del pintor y retratista Albert Besnard (1849-1934). Lazar Meyer expuso en el Salón de París de 1870 a 1882. Muchas de sus obras fueron destruidas por actos de vandalismo durante la Segunda Guerra Mundial. Lazar Meyer falleció el 28 de enero de 1935 en el Distrito X de París. Fuentes: wikipedia france ⇑

(17) André Warnod (1885-1960). Escritor, periodista, ilustrador y crítico de arte francés. Nació el 24 de abril de 1885 en Giromagny (Franco Condado). De familia protestante, André era hijo de Edouard Warnod (1856-1893) y Alice Herr (1862-1953). Su abuelo Edouard Warnod (1828-1890), esposo de Laure Boigeol (1830-1916), fue presidente del Consejo General de Belfort. Su hermano Robert Warnod murió en la Priemra Guerra Mundial en 1916. Warnod estudió arte en París y luego trabajó como ilustrador de libros, de revistas y periódicos (caricaturista en Le Figaro, Le Sourire y Crapouillot) y como crítico de arte para las revistas La Semaine à Paris y Comoedia. André Warnod utilizó por primera vez la expresión «Escuela de París» el 27 de enero de 1925, en un artículo de la revista literaria Comoedia, revista fundada por Gaston de Pawlowski (1874-1933) en 1907, y posteriormente, en octubre de 1925, en la introducción de su libro Les Berceaux de la Jeune Peinture (La Cuna de la Joven Pintura) ilustrado por Amedeo Modigliani (1884-1920), en referencia a todos los artistas extranjeros llegados a principios del siglo XX a la capital francesa en busca de condiciones favorables para su arte. Fue miembro del Círculo de Mortigny, fundado por Dimitri d'Osnobichine (1869-1956) en 1908. André Warnod falleció el 10 de octubre de 1960 en París. ⇑

(18) Fuentes: Comoedia. Année 19, nº 4419, pº 1, 27 janvier 1925. Gallica. Bibliothèque Nationale de France ⇑

(19) Józef Pankiewicz (1866-1940). Pintor, artista gráfico y profesor polaco. Józef Pankiewicz fue un pintor impresionista y simbolista polaco que pasó gran parte de su carrera en Francia. Nació el 29 de noviembre de 1866 en Lublin (Polonia), entonces parte del Imperio Ruso. Józef era el menor de cinco hijos de Adam Pankiewicz, médico militar, y Jadwiga Eichler, hija de farmaceútico. Józef era el hermano pequeño del compositor y pianista Eugeniusz Pankiewicz (1857-98). Los primeros nueve años de su vida los paso en Lublin. Cuando su padre se retiró, la familia Pankiewicz se trasladó a Varsovia. Józef asistió a un gimnasio (escuela de educación secundaria) masculino local y al mismo tiempo tomó lecciones de dibujo. En 1884, comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Varsovia, teniendo como profesores a Aleksander Kamiński (1823-66) y Wojciech Gerson (1831-1901). Después de obtener una beca concedida por el Conde Tyzenhauz en 1885, Pankiewicz junto a su compañero de estudios, el pintor Władysław Podkowiński (1866-95), viajaron a San Petersburgo (Rusia) para continuar sus estudios de arte en la Academia Imperial de Bellas Artes. Después de un año, los jóvenes artistas regresaron a Varsovia en 1886. Durante unas vacaciones en la pintoresca ciudad de Kazimierz Dolny conoció al famoso pintor polaco Aleksander Gierymski (1850-1901). Colaboró como ilustrador en los periódicos Tygodnik Ilustrowany y Kłosy y junto con Podkowiński abrió un estudio de arte. En 1887, su pintura Un Judío con Cesta se expone en la Sociedad para el Estímulo de Bellas Artes Zachęta (actual Galería Nacional de Arte Zachęta) en Varsovia. Su pintura Mercado de Verduras en la Plaza más allá de la Puerta de Hierro llamó la atención del coleccionista de arte Ignacy Karol Milewski (1846–1926) quien le ofreció 400 rublos, pero Pankiewicz rehusó. Pankiewicz y Podkowiński viajan a París donde alquilan un estudio al pintor polaco Józef Chełmoński (1849-1914). En 1889, su pintura Mercado de Verduras en la Plaza más allá de la Puerta de Hierro gana una medalla de plata en la Exposición Universal de París. Durante su estancia en París, que duró más de un año, Pankiewicz visitó muchas exposiciones de los impresionistas franceses, lo que sorprendió al joven pintor y adoptó las técnicas de pintura del Impresionismo. A principios de 1890, Pankiewicz y Podkowiński volvieron a Varsovia, donde expusieron sus obras de arte impresionistas. Era tan nuevo para los críticos locales y para el público en general que la exposición fue descrita como un choque artístico y un fracaso. A partir de 1896, Pankiewicz, tomó como referencia las pinturas de James Whistler (1834-1903), y se centró en pintar retratos. Entre los mejores trabajos de esa época destacamos: Muchacha con Vestido Rojo y La Sra. Oderfeld y su Hija, este último ganó una medalla de oro en la Exposición Universal internacional en París de 1900. En 1897, se convierte en miembro fundador de la Sociedad de Artistas Polacos (Sztuka). El reconocimiento internacional de sus pinturas le ocasionó una alta demanda de sus obras e incrementó su situación financiera. Durante los siguientes nueve años, viaja continuamente a lo largo de Europa Occidental, hasta que en 1906, Pankiewicz se establece en Cracovia, donde se convirtió en profesor en la Academia de Bellas Artes. Dos años más tarde, en 1908, se casó con Wanda Lubińska. Las frecuentes visitas a Francia ayudaron a Pankiewicz a establecer conexiones con artistas franceses. La familia Pankiewicz pasó unas vacaciones con el pintor simbolista y postimpresionista francés Pierre Bonnard (1867-1947) y su mujer Marthe de Méligny -Maria Boursin- (1869-1942) en Saint-Tropez. Bonnard introdujo Pankiewicz en el Fauvismo. Ejemplos de este periodo son: Mujer Peinándose, El Puerto de Concarneau, Los Alrededores de Saint-Tropez o La Puerta Verde. Cuando estalla la Primera Guerra Mundial, Pankiewicz se encuentra en España. Allí, bajo la influencia de Robert Delaunay (1885-1941) experimenta con el Cubismo. Un ejemplo de este periodo es su óleo: Una Calle de Madrid. En la década de 1920, Pankiewicz abandonó el Cubismo y se inició en el movimiento artístico del Colorismo, en el que el color es el elemento más importante del cuadro. En 1923, regresó a Cracovia como Profesor de la Academia de Bellas Artes y en 1925, como profesor de una división de la Academia de Bellas Artes de Cracovia, con sede en París, educó e inspiró a otros artistas polacos como Jan Cybis (1897-1972), Józef Czapski (1896-1993), Alice Halicka (1894-1975), Moïse Kisling (1891-1953), Jan Rubczak (1882-1942) o Zygmunt Waliszewski (1897–1936), por mencionar sólo algunos. Estos pintores se conocerían como Kapists (también conocidos como los Coloristas, grupo de pintores polacos activos en la década de 1930 que dominaron el arte polaco de esa época). En el periodo de entreguerras, su estilo evolucionó de nuevo, siendo cada vez más decorativo. También siguió pintando paisajes en el sur de Francia. En 1927, fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. En 1933, fue galardonado con la Orden Polonia Restituta. En 1936, tiene lugar una exposición retrospectiva en el Museo Nacional de Cracovia para celebrar su septuagésimo cumpleaños. Las últimas obras de Pankiewicz, que a menudo representan naturalezas muertas, son un ejemplo de su regreso a una forma de expresión más tradicional característica del Post-Impresionismo, que recuerdan a las obras de Paul Gauguin (1848-1903). En esta época, Pankiewicz participó en la decoración del Castillo Real de Wawel en Cracovia y pintó ocho paneles en óleo para la Capilla Real. En 1937, se retiró y se fue a vivir a La Ciotat (Provenza), donde murió el 4 de julio de 1940. ⇑

(20) Iliá Repin (1844-1930). Pintor, escultor y profesor ruso. Iliá Repin fue un destacado pintor y escultor realista ruso del movimiento artístico Peredvízhniki (Los Itinerantes) especializado en el retrato. Sus obras, enmarcadas en el realismo, contienen a menudo una gran profundidad psicológica y exhiben las tensiones del orden social existente. A finales de los años 20 comenzaron a publicarse en la Unión Soviética detallados trabajos sobre su obra y alrededor de diez años después fue puesto como ejemplo para ser imitado por los artistas del Realismo Socialista. Nació el 5 de agosto de 1844 en Chugúyev (actual Ucrania) entonces parte del Imperio Ruso. Su padre Yefim era un militar y colono que se dedicaba al cultivo de la tierra, pero estando permanentemente obligado al deber militar. Repin comienza a tener contacto con la pintura como aprendiz a la edad de trece años en el taller de un artista local dedicado a los iconos llamado Iván Bunakov. Igualmente comienza a estudiar la técnica del retrato. En 1866 se trasladó a San Petersburgo e ingresó en la Academia Imperial de las Artes. Con su primera obra maestra, La Resurrección de la Hija de Jairo, ganó la medalla de oro de un concurso de la Academia, y con ello una beca para estudiar en Francia y en Italia. Así es como Repin vivió en París, donde recibió la influencia de la pintura impresionista, que tuvo importantes consecuencias sobre su forma de usar la luz y el color. Sin embargo, su estilo continuó siendo más afín al de los maestros de la vieja escuela, especialmente Rembrandt (1606-69), y nunca llegó a convertirse en un impresionista. A lo largo de su carrera retrató a la gente común, tanto ucraniana como rusa, aunque en sus últimos años también representó en sus obras a miembros de la elite del Imperio Ruso, la intelligentsia, la aristocracia y al propio Emperador Nicolás II (1868-1918). En 1878, Repin se unió a la Sociedad de Exposiciones Artísticas Itinerantes, generalmente conocida como Los Itinerantes (Peredvízhniki), que en la época en la que Repin llegó a la capital rusa se rebelaron contra el formalismo de la Academia. La fama de Repin se extendió a raíz de su pintura Los sirgadores del Volga, una obra que denuncia de un modo impactante el duro sino de estas personas. Desde 1882 vivió en San Petersburgo, realizando frecuentes visitas a su tierra natal ucraniana y ocasionalmente viajes al extranjero. Entre 1894 y 1907, fue profesor de la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo. En 1900 se le encargó por parte del gobierno de Rusia su mayor obra: un óleo de 400 por 877 centímetros que representase una sesión solemne del Consejo de Estado del Imperio ruso. El propio Repin diseñó su casa, situada a unos cuarenta kilómetros al Noroeste de San Petersburgo, en el istmo de Karelia. La finca Los Penates debe su nombre a los ídolos romanos protectores de la familia y del hogar. Tras la Revolución de Octubre (1917) la zona en la que se encontraba Los Penates fue incorporada a Finlandia. Diversas instituciones soviéticas lo invitaron a regresar a su tierra natal, pero él rechazó los ofrecimientos argumentando que era demasiado anciano para hacer tal viaje. Durante esta época Repin dedicó mucho tiempo a pintar temas religiosos, aunque el tratamiento que hizo de los mismos no fue habitualmente tradicional sino innovador. Con la excepción del retrato del primer ministro del gobierno provisional, Aleksandr Kérenski (1881-1970), Repin no pintó nada relevante acerca de las revoluciones de 1917 o del gobierno soviético que las siguió. Su último cuadro, un festivo y exuberante óleo llamado Gopak, trata sobre un tema cosaco ucraniano. Repin falleció el 29 de septiembre de 1930, en Los Penates en Kuokkala (Finlandia), actualmente Repino (Rusia). Sus restos están enterrados en el jardín de la casa. Fuentes: wikipedia ⇑

(21) Adolf Fényes (1867-1945). Pintor y profesor húngaro. Nacido como Adolf Fischmann en el seno de una familia judía el 29 de abril de 1867 en Kecskemét (Hungría) entonces parte del Imperio Austrohúngaro. Hijo de Simon Fischmann (1822-79), rabino de Kecskemét (1846-79) y de Regina Wahrmann (n.1828). Es el menor de tres hermanos: Emilia Fischmann (1851-55) y David Josef Fischmann (n.1858). Fényes recibió educación primaria y secundaria en Kecskemét, después estudió derecho en Budapest. En 1884, abandona sus estudios de derecho y se matricula en el Instituto de Diseño y Artes Decorativas Mintarajziskola de Budapest, donde tuvo como profesores a los pintores Bertalan Székely (1835-1910) y János Greguss (1838-92). De 1887 a 1890, estudia en Weimar (Alemania) con Max Thedy (1858-1924) y en 1891 en la Academia Julian de París donde tuvo como profesor a William-Adolphe Bouguereau (1825-1905). Abrazó el estilo naturalista y surgió rápidamente como uno de los pintores más significativos de la Escuela de Nagybánya fundada por Simon Hollósy (1857-1918) en 1896. En 1894, regresó a Hungría y fue profesor en la Escuela de Artes Benczúr -fundada en 1883 como Escuela de Maestros de la Pintura en homenaje al pintor Gyula Benczúr (1844-1920)-. Ganó el primero de muchos premios con su lienzo El Cotilla. En 1898, Fényes deja la Escuela de Artes Benczúr, y, en 1899, funda junto con Sándor Bihari (1855-1906) la Colonia de Artistas de Szolnok. A partir de 1900, Fényes entra en su período más fecundo, diverso y prestigioso, con un estilo más impresionista con un sentido social a vecews crítico. En 1900, gana el Premio de Exposiciones de París por su lienzo impresionista La Familia. Con su pintura naturalista La Pelea gana el Premio Rudics en 1901 y con el El Viejo obtiene el Premio Casino de Lipótváros. En 1905, sus principales obras se expusieron en la Galería Nacional de Budapest. Después de 1903, Fényes utilizó más color en su trabajo, notables son sus pinturas de calles de pueblos de Hungría como El Sosiego del Pueblo y Calle de San Andrés, que pintó en 1905. En 1907, fue cofundador del Círculo de Impresionistas y Naturalistas Húngaros (Miénk), y expuso con ellos en 1908. Optó por un estilo más sencillo en varios retratos de 1907: Barón Adolf Kohner, Dezső Jakab y Leo Sarbo. Entre 1911 y 1914, Fényes produjo naturalezas muertas en colores llamativos, como Flores del Campo y Bodegón del Campesino y pinturas de interiores como La Catedral de Szolnol, Iglesia de Pueblo y La Iglesia Serbia en Buda. Antes de la Primera Guerra Mundial, Fényes mostró poca inclinación a los temas judíos. Durante y después de la guerra, sin embargo, comenzó a adaptar temas de la Biblia. Entre 1915 y 1918, pintó El Arca de Noé, Los Judios Derrotan al Ejército de Amalec, Abraham y los Ángeles y Moisés extrae Agua de una Piedra. A finales de los años veinte, la carrera artística de Fényes estaba llegando a su fin. Junto con otros judíos húngaros se enfrentó restricciones cada vez más severas impuestas por el gobierno antisemita de Miklós Horthy (1868-1957). Internado en un campo de trabajos forzados en la década de 1930, Fényes murió de hambre el 14 de marzo de 1945 en el gueto de Budapest, finalizando la Segunda Guerra Mundial. Fuentes: The Yivo Encyclopedia of Jews in Eastern Europe ⇑

(22) Izsák Perlmutter (1866-1932). Pintor y profesor húngaro. Nacido en el seno de una familia judía el 2 de julio de 1866 en Pest (parte oriental de Budapest), entonces parte del Imperio Austrohúngaro. Su padre, Gyula Perlmutter era pintor amateaur que estudió pintura en París. Su madre Caroline Gruber provenía de una familia adinerada. Comenzó sus estudios artísticos en Budapest y los continuó en la Academia Julian de París. De vuelta a Hungría, trabajó junto a Sándor Bihari (1855-1906) y posteriormente se fue a París. En 1898, se traslada a Holanda, en una época durante la cual su arte estaba muy influenciado por el pintor impresionista Jozef Israëls (1824-1911). En los Países Bajos, trabaja en la Colonia de Artistas Larreni y posteriormente se traslada al pequeño pueblo portuario de Volendam, al norte de Ámsterdam, donde trabajó de forma independiente. Aquí pinta su lienzo Oración que puede visionarse en la Galería Nacional de Hungría o su óleo Visita de Domingo que puede verse en el Museo Judío de Budapest. A su regreso a Hungría en 1904, se establece en la Colonia de Artistas de Szolnok y posteriormente se traslada a Besztercebánya (en la actual Eslovaquia). Durante este periodo pinta principalmente pinturas de género, paisajes o interiores, pero a diferencia de las obras pintadas en los Países Bajos sus colores son más claros y brillantes, por ejemplo su lienzo Cleo. Estas obras se puden clasificar como pintura Art Nouveau húngara. Después se estableció en Budapest, paseó por las aldeas en las afueras de la ciudad, buscando material para motivos y temas. Izsák Perlmutter fallece a causa de una neumonía el 13 de abril de 1932 en Budapest. ⇑

(23) Lovis Corinth (1858-1925). Pintor, grabador, escultor y profesor alemán que realizó con su última obra una síntesis entre el Impresionismo y el Expresionismo. Nacido como Franz Heinrich Louis Corinth el 21 de julio de 1858 en Tapiau (Gvardeysk) en la actual Kaliningrado (Rusia), entonces perteneciente al Reino de Prusia. Hijo de un curtidor, mostró un gran talento para dibujar cuando era niño. De 1866 a 1873, estudia en el gimnasio Kneiphof en Königsberg. En 1876, comienza a estudiar pintura en la Academia de Arte de Königsberg (Kunstakademie Königsberg). Inicialmente su intención era convertirse en un pintor de historia pero fue disuadido por su jefe instructor en la academia, el pintor de género Otto Edmund Günther (1838-84). En 1880 viajó a Múnich, que rivalizaba con París como centro de arte de vanguardia en ese momento en Europa. Allí estudió brevemente con el pintor de género austriaco Franz Defregger (1835-1921) antes de entrar en la Academia de Bellas Artes de Munich (Akademie der Bildenden Künste München), donde estudió bajo el pintor de género alemán Ludwig von Löfftz (1845-1910). Sus primeras obras fueron realistas. Otras influencias importantes fueron Gustave Courbet (1819-77) y la Escuela de Barbizon, gracias a los pintores bávaros Wilhelm Leibl (1844-1900) y Wilhelm Trübner (1851-1917). A excepción de un año realizando el servicio militar de 1882 a 1883, siguió estudiando en la Academia de Bellas Artes de Munich hasta 1884. Luego viajó a Amberes (Bélgica), donde admiró las pinturas de Rubens (1577-1640). En octubre de 1884 se traslada a París, donde estudió con William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) y Tony Robert-Fleury (1837-1911) en la Academia Julian. En la academia mejoró sus habilidades con el dibujo e hizo del desnudo femenino un tema recurrente. Tras su decepción en su repetido fracaso en ganar una medalla en el salón de París, volvió a Königsberg en 1888 y adopta el nombre de Lovis Corinth. En 1891, Corinth regresó a Munich como profesor a la Academia de Bellas Artes pero en 1892 abandona esta y se une a la Secesión de Munich (Münchener Secession. asociación pionera de artistas creada en 1892 como una escisión de la Asociación de Artistas de Múnich). En 1894, se une a la Asociación Libre (Freie Vereinigung) junto a Wilhelm Trübner (1851-1917), Max Slevogt (1868-1932) y Peter Behrens (1868-1940) y en 1899 participa en una exposición organizada por la Secesión de Berlín (Berliner Secession. asociación artística fundada en 1898 como una alternativa a la Asociación de Artistas de Berlín que era de carácter estatal y con marcado sesgo conservador). En 1900, se traslada a Berlín donde tiene una exposición individual en la galería de Paul Cassirer (1871-1926), Kunstsalon Cassirer (35 Viktoriastraße). En 1902, Corinth abre una escuela de pintura para mujeres en Berlín y se casa con su primera estudiante, Charlotte Berend (1880-1967), veintidós años menor que él. Charlotte era su joven musa, su compañera espiritual, y la madre de sus dos hijos. Ella tuvo una profunda influencia sobre él, y la vida familiar se convirtió en un tema importante en su arte. Publicó numerosos ensayos sobre historia del arte, y en 1908 publicó El aprendizaje de la pintura (Das Erlenen der Malerei). En diciembre de 1911, Corinth sufre un derrame cerebral, y quedó parcialmente paralizado del lado izquierdo. Caminaba con cojera, y sus manos mostraban un temblor crónico. Con la ayuda de su esposa, en un año estaba pintando de nuevo con su mano derecha. Su discapacidad inspiró en el artista un intenso interés sobre las cosas simples e íntimas de la vida cotidiana. En el verano de 1919, por ejemplo, produjo una serie de grabados de su familia en su casa de campo. También en este momento los paisajes se convirtieron en parte significativa de su obra. Realizó paisajes de Walchensee, un lago en los Alpes Bávaros donde Corinth tenía una casa. De 1915 a 1925, fue Presidente de la Secesión de Berlín. En 1920 una antología de sus escritos histórico-artísticos se publicó en Berlín. El 15 de marzo de 1921 Corinth recibe el grado de Doctor honoris causa en la Universidad de Königsberg. En 1922 sus obras fueron exhibidas en la Bienal de Venecia. En 1925, viaja a los Países Bajos para ver las obras de sus maestros holandeses favoritos, donde agarra una neumonía y fallece el 17 de julio de 1925 en Zandvoort (Países Bajos). En 1926, una exposición conmemorativa de sus pinturas y acuarelas tiene lugar en la Galería Nacional de Berlín (Berlin Nationalgalerie) y una exposición de sus grabados y dibujos se llevó a cabo en la Academia Prusiana de las Artes (Preußische Akademie der Künste) también en Berlín. En 1930, la Galería Nacional de Berlín adquirió varias obras suyas. Durante el Tercer Reich, el trabajo de Corinth fue condenado por los nazis como arte degenerado. Fuentes: wikipedia ⇑

(24) Abram Brazier (1892-1942). Pintor, artista gráfico y escultor bielorruso. Nacido como Abram Markovich Brazier el 25 de enero de 1892 en Chisinau (Moldavia), en aquel tiempo perteneciente a la Gobernación de Besarabia dentro del Imperio Ruso. En 1910 se graduó en la escuela de arte de su ciudad natal, Chisinau. En el periodo comprendido entre 1912 y 1916 permaneció en París, vivió en la famosa residencia de artistas La Colmena (La Ruche), donde conoció al que sería su amigo Marc Chagall (1887-1985). Entre 1912 y 1914 estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes (École Nationale des Beaux-Arts) de París. Tras su regreso a Rusia, se estableció en San Petersburgo (1916-18), allí participó en la exposición Mundo del Arte (Мир Искусства) en 1916. Desde 1918 vivió en Vitebsk (Bielorrusia), donde jugó un papel destacado en la vida artística de la ciudad siendo profesor de la recién inaugurada Escuela de Graduados de Artes (Высшая Щкола Искусств), organizador de exposiciones y debates en torno al arte contemporáneo, miembro de la agrupación del Museo de Arte Moderno de Vitebsk (Витебский Музей Современного Искусства). Además creó los bocetos para la decoración navideña de la ciudad. El año 1920 realizó la estatua al educador suizo Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827) en Vitebsk (destruida durante los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial). En 1922 comenzó a enseñar en los talleres del Instituto de Artes aplicadas de Vitebsk (Институт Прикладного Искусства Витебска), participando en ese tiempo en el diseño de las escenografías en las producciones del teatro judío de la ciudad. Desde 1923 vivió en Minsk, fue miembro de los sindicatos de Bielorrusia (Профсоюзы Беларуси), de la Agrupación de Pintores y Artistas de la Organización Revolucionaria Bielorrusa (Группа Живопи́сцы и Xудожников Революционной белорусской Организации) y escribió artículos sobre arte en la prensa local. En 1926 realizó un busto del actor Solomon Mikhoels (1890-1948). En junio de 1941, unos pocos días antes del inicio de la Gran Guerra Patria (Великая Отечественная война. es el término dado por los soviéticos a la guerra contra la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial), Brazier inauguró una gran exposición. Todos los artistas presentes en la muestra fueron asesinados por los alemanes después de la toma de la ciudad, y el propio artista y su familia fueron fusilados en marzo de 1942 en el gueto de Minsk. Entre las obras conservadas de Brazier en los almacenes del Museo Nacional de Arte de Bielorrusia (Нацыянальны мастацкі музей Рэспублікі Беларусь) en Minsk, se encuentran el retrato de Yehuda Pen (1921) o el busto de S. M. Mijoels (1926), entre otros. Fuentes: wikipedia ⇑

(25) Germaine Bongard (1885-1971). Pintora y diseñadora de moda francesa. Hermana del mítico modisto Paul Poiret (1879-1944) y de la estilista Nicole Groult -Marie Nicole Poiret- (1887-1967). Hija de Auguste Poiret (1845-1903) y de Marie Louise Heinrich (n.1849). Es la tercera de cuatro hermanos: Jeanne Poiret -Jeanne Boivin- (1871-1959), Paul Poiret (1879-1944), Germaine Poiret -Germaine Bongard- (1885-1971) y Marie Nicole Poiret -Nicole Groult- (1887-1967). En 1905, Germaine se casa con Y. Bongard (n.1875). Dueña de la casa de alta costura Jove (calle de Penthiève 5) de París. Desde 1911 a 1925, Bongard patrocina una serie de exposiciones y de conciertos (Erik Satie -1866-1925- o Enrique Granados -1867-1916-) en la planta baja de su tienda de modas Jove. La primera exposición que se realiza presenta pinturas de: André Derain (1880-1954), Moïse Kisling (1891-1953), Fernand Léger (1881-1955), Henri Matisse (1869-1954), Amedeo Modigliani (1884-1920) y Pablo Picasso (1881-1973). También expuso el pintor cubista francés Amédée Ozenfant (1866-1966). Juan Gris (1887-1927), Henri Matisse (1869-1954) o Gino Severini. (1883-1966) eran clientes regulares de la casa. Bongard realizó el vestuario para el espectáculo de danza, Cuadro Flamenco, según dibujos de Pablo Picasso (1881-1973), para los Ballets Rusos. ⇑

(26) Léopold Zborowski (1889-1932). Poeta, escritor, crítico y marchante de arte polaco. Uno de los más importantes marchantes de arte moderno de principios del Siglo XX. Fue marchante de Amedeo Modigliani (1884-1920). Llegó a París en 1910 y en 1915 ya era marchante. Fue contemporáneo, en París, de artistas como Paul Cézanne (1839-1906), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Pablo Picasso (1881-1973) o Amedeo Modigliani (1884-1920), que lo retrató. Estuvo casado con Anna Zborowska (1885-1978), perteneciente a una familia de la nobleza polaca y que posó para Modigliani, que la retrató. Zborowski fue el marchante de Modigliani y su amigo; le organizó exposiciones y le cedió su apartamento como taller. También fue el marchante de Maurice Utrillo (1883-1945), Marc Chagall (1887-1985), René Iché (1897-1954), Chaim Soutine (1893-1943) y André Derain (1880-1954). Tres retratos de Zborowski firmados por Modigliani se vendieron en 2003 en Sothesby´s por 1.464.000$. Con su mujer Hanka, tuvo una galería de arte en Rue de Seine. Siendo agente de Modigliani, Zborowski se hizo rico, fortuna que perdió con el crack de 1929, muriendo pobre en 1932. Fue enterrado en el cementerio del Père-Lachaise, de Montparnasse. Fuentes: wikipedia ⇑

(27) Jeune France (Joven Francia). Asociación político-cultural creada en diciembre de 1940 bajo los auspicios de la Secretaría General de Juventud del Gobierno de Vichy. La asociación fue fundada por el escritor y compositor Pierre Schaeffer (1910-95) como parte de la Revolución Nacional (programa ideológico impulsado por el Régimen de Vichy que se caracterizaba por la lucha contra el parlamentarismo, promoción de los valores tradicionales, rechazo a la modernidad, rechazo al corporativismo, la xenofobia, el antisemitismo y su oposición a la teoría de la lucha de clases) iniciada por el Régimen de Vichy (1940-44). Su objetivo era una renovación cultural francesa en el contexto de la ocupación alemana, a través del desarrollo de eventos culturales y artísticos orientados a la juventud como actuaciones teatrales, conciertos y exposiciones. Otro objetivo era emplear artistas desempleados. También patrocinó la creación de la efímera comuna artística en Oppède (cerca de Marsella), fundada en 1940 por el arquitecto Bernard Zehrfuss (1911-96). La organización fue presidida por el pianista Alfred Cortot (1877-1962), y su asesor cultural fue el filósofo Emmanuel Mounier (1905-50). Entre sus miembros destacamos a actores y directores de teatro y cine como Pierre Fresnay (1897-1975), Pierre Renoir (1885-1952), Raymond Rouleau (1904-81) o Jean Vilar (1912-71), junto con artistas plásticos como los pintores Jean René Bazaine (1904-2001), Jean Bertholle (1909-96), Jean Le Moal (1909-2007), Alfred Manessier (1911-93) o el arquitecto Auguste Perret (1874-1954), entre otros. Muchos de estos artistas era infiltrados gaullistas por lo que se disuelve a petición del Gobierno en marzo de 1942. ⇑

(28) Gastón Diehl (1912-99). Escritor, periodista, realizador de cine, profesor de historia del arte y crítico de arte francés. Nació el 10 de agosto de 1912 en París. Graduado en historia del arte por el Instituto del Arte y de Arqueología (Institut d'Art et d'Archéologie) de París en 1934, teniendo como profesor a Henri Focillon (1881-1943) y licenciado en historia del arte por la Escuela del Louvre (École du Louvre) de París en 1936. Gaston Diehl crea en octubre de 1935 junto al pintor Henri Cadiou (1906-89) y algunos compañeros de clase de la Escuela del Louvre el colectivo Regain (Regreso) y en noviembre del mismo año la revista de arte semanal de igual nombre, debatiendo sobre arte contemporáneo en los sótanos de La Coupole (La Cúpula) en el barrio de Montparnasse. En 1938, comienza su carrera periodística participando en la revista semanal Marianne fundada en 1932 por Gaston Gallimard (1881-1975) y durante un año como cronista de arte en la revista La Tribune des Jeunes (La Tribuna de los Jóvenes). En 1939 fundó la revista Charpentes (Estructuras). En octubre de 1943, durante la Ocupación alemana, Gastón Diehl fundó el Salon de Mai (Salón de Mayo) de París (que se inauguraría en mayo de 1945), en oposición a la ideología del nazismo y delarte degenerado. Gaston Diehl funda en octobre 1944 el Mouvement des Amis de l'Art (Movimiento de los Amigos del Arte) para la difusión del arte moderno por medio de conferencias, proyecciones, películas, exposiciones didácticas en particular en las provincias. Presidente del Salón de Mayo de 1945 a 1997. En 1948, es cofundador del Festival International du Film d'Art (Festival Internacional de Cine de Arte) y completa la realización de las películas: Van Gogh (1948) y Gauguin (1950) junto al director de cine Alain Resnais (1922-2014) y Les Fêtes galantes (Las Fiestas Elegantes) sobre el pintor rococo Antoine Watteau (1684-1721) en 1950 junto al director de cine Jean Aurel (1925-96). En septiembre de 1950, fue nombrado profesor adscrito al Ministerio de Asuntos Exteriores de Venezuela en la Universidad Central y en la Escuela de Bellas Artes de Venezuela, donde enseña historia del arte (1950-59). Como agregado cultural de la Embajada de Francia en Venezuela, dirige el Instituto Franco-Venezolano en Caracas, escribiendo artículos en la prensa de Europa y de América Latina. Promociona en Europa a artistas venezolanos como Carlos Cruz-Díez (1923), Félix Royett (1949) o Jesús Rafael Soto (1923-2005), además de tener una fluida relación con la comunidad artística latinoamericana, como con el escritor cubano Alejo Carpentier (1904-80) o el pintor colombiano Fernando Botero (1932). De 1960 a 1966 realiza un viaje por Marruecos como lo hicieran antes Eugène Delacroix (1798-1863) y Henri Matisse (1869-1954). En febrero de 1966, es llamado por el entonces Ministro de Estado encargado de los Asuntos Culturales André Malraux (1901-76) para dirigir la Bureau des Expositions de l'Action Artistique (Oficina de Exposiciones de Acción Artística) del Ministerio de Asuntos Exteriores, que asume hasta su retiro en 1977, con la tarea de ayudar a conservadores, críticos y amigos de exposiciones francesas en el extranjero, así como la promoción de exposiciones extranjeras en Francia en el Grand Palais, el Petit Palais y el Louvre (como la famosa exposición del Tesoro de Tutankamón en diciembre de 1966). Gastón Diehl continuó hasta su muerte apoyando el arte en todas sus formas y en todo el mundo. Elegido Presidente del Museo de América Latina en 1983, presenta de 1986 a 1898 a artistas latinoamericanos en la Casa de América Latina en Monte Carlo. Gastón Diehl falleció el 12 de diciembre de 1999 en París. ⇑

(29) Salón de Mayo (1945-2014). Era una exposición anual de pintura y escultura fundada en París como asociación en octubre de 1943 y cierra el 11 de mayo de 2014. La asociación es declarada oficialmente a finales de 1944. La idea de esta feria se remonta a 1943, cuando, en la trastienda de un café de la calle Dauphine, un pequeño grupo de pintores, escultores y grabadores fue convocado por el crítico de arte de Gastón Diehl (1912-99). Estos artistas no tienen ningún estilo ni estética específica y se mueven de lo figurativo a la abstracción, pero todos se oponen a la ideología del nazismo y a su convicción de arte degenerado. En octubre de 1943, durante la Ocupación alemana, Gastón Diehl fundó el Salon de Mai (Salón de Mayo) de París (que se inauguraría en mayo de 1945), junto a los pintores, escultores y grabadores Henri-Georges Adam (1904-67), Emmanuel Auricoste (1908-95), Lucien Coutaud (1904-77), Robert Couturier (1905-2008), Jacques Despierre (1912-95), Marcel Gili (1914-93), Léon Gischia (1903-91), Francis Gruber (1912-48), Jean Le Moal (1909-2007), Alfred Manessier (1911-93), André Marchand (1907-97), Édouard Pignon (1905-93), Gustave Singier (1909-84), Claude Venard (1913-99) y Roger Vieillard (1907-89), que compondrán el comité directivo. El primer Salón de Mayo se celebra en la Galería Pierre Maurs (nº 3, avenida Matignon) del 29 de mayo al 29 de junio de 1945. Gaston Diehl presidiría el Salón de Mayo de 1945 a 1997, acompañado de Jacqueline Selz como Secretaria General (hasta 1994) e Yvon Taillandier (1926), como Secretario del Comité. El Comité de Honor estaba compuesto por los historiadores del arte Germain Bazin (1901-90), Jacques Dupont (1908-88), René Huyghe (1906-97), Bernard Dorival (1914-2003), Michel Florisoone, Pierre Ladoué (1881-1973) y Marc Thiboutet. El asesoramiento jurídico estaba a cargo del poeta Jean Follain (1903-71). El catálogo de esta primera exposición está prologado por Gaston Diehl, con textos de René Bertelé (1908-1973) y André Rolland Renéville (1903-62), poemas de Jacques Prévert (1900-77), Lucien Becker (1911-84), André Frénaud (1907-93), Eugène Guillevic (1907-77) y Jean Follain. La 64 edición y último Salón de Mayo tuvo lugar del 6 al 11 de mayo de 2014 en el Espace Commines (nº 17, calle Commines). Site du Salon de Mai. ⇑

(30) Salón de la Joven Pintura (Salon de la Jeune Peinture). Salón anual parisino creado en 1950. La expresión Jeune Peinture (Joven Pintura) se utiliza por primera vez por la Galería Drouant-David (52 rue du Faubourg Saint-Honoré) de París cuando crea el Premio de la Joven Pintura el 28 de marzo de 1946. El pintor y escultor Paul Rebeyrolle (1926-2005) funda el Salón de la Joven Pintura en 1949 junto con los pintores Philippe Cara Costea (1925-2006), Gaëtan de Rosnay (1912-92), Denys Chevalier (1921-78) y el periodista y crítico de arte Pierre Descargues (1925-2012), estos dos últimos ya habían fundado el Salón de la Joven Escultura (Salon de la Jeune Sculpture) en noviembre de 1948. La primera exposición se inaugura el 26 de enero de 1950 en la Galería de Bellas Artes (14, rue Bonaparte) en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. Entre sus primeros expositores estan Paul Aïzpiri (1919-2016), Bernard Buffet (1928-99), Jean-Marie Calmettes (1918-2007), Paul Collomb (1921-2010), Jean Cortot (1925), Michel de Gallard (1921-2007), Pierre Garcia-Fons (1928-2016), François Heaulmé (1927-2005), Daniel du Janerand (1919-90), Jean Jansem (1920-2013), André Minaux (1923-86), Roger Montané (1916-2002), Pierre Pallut (1918-99), Michel Patrix (1917-73), Paul Rebeyrolle (1926-2005), Gaëtan de Rosnay (1912-92), Robert Savary (1920-2000), Michel Thompson (1921-2007), Maurice Verdier (1919-2003) y Hugh Weiss (1925-2007). De 1950 a 1960, exponen cerca de un millar de jóvenes pintores. Raymond Cogniat (1896-1977), Inspector General de Bellas Artes y periodista de arte en Le Figaro, selecciona algunos pintores de la Jeune Peinture para la Bienal de Venecia: Paul Aïzpiri (1919-2016), Bernard Buffet (1928-99), André Minaux (1923-86) o Paul Rebeyrolle (1926-2005), entre otros. A mediados de la década de 1950, las nuevas tendencias pictóricas con el retorno a la figuración, el Salón de la Joven Pintura, tienen una mayor huella en la escena artística internacional. En julio de 1955, el crítico de arte Jean-Albert Cartier (1930-2015) organiza una exposición sobre la Jeune Peinture en Alemania y en mayo de 1957, la Bienal de Jóvenes Pintores y Jovenes Escultores (Biennale des Jeunes Peintres et Jeunes Sculpteurs) joven en el Museo de Artes Decorativas de París (Musée des arts décoratifs de Paris). En 1956, la galería Marlborough Fine Art de Londres presenta una selección de 18 artistas de la Jeune Peinture. En 1959, el marchante y galerista Jean-Claude Bellier expone La Jeune Peinture Française (La Joven Pintura Francesa) en el Coliseo de Nueva York. Site du La Jeune Peinture. ⇑

(31) Brassaï (1899-1984). Fotógrafo y escritor húngaro conocido por sus trabajos sobre París, ciudad donde desarrolló su carrera. Brassaï, era el pseudónimo de Gyula Halász. Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brasov entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Universidad de las Artes de Berlín. En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust (1871-1922) y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Léon-Paul Fargue (1876-1947), Henry Miller (1891-1980) y el poeta Jacques Prévert (1900-77). El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el seudónimo de "Brassaï", que significa "de Brasov". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller (1891-1980). Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Alberto Giacometti (1901-66), Salvador Dalí (1904-89), Henri Matisse (1869-1954), Pablo Picasso (1881-1973) y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet (1910-86) y Henri Michaux (1899-1984). En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes y el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía francés. Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Èze (Alpes-Maritimes), al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París. En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París. Brassaï también escribió diecisiete libros y numerosos artículos, incluyendo la novela Histoire de Marie en 1948, que fue publicada con un prólogo de Henry Miller (1891-1980). Sin duda una de sus obras de mayor interés es Conversaciones con Picasso (1964), artista al que fotografió en innumerables ocasiones y con el que le unía una especial amistad y una sincera admiración mutua. Fuentes: wikipedia ⇑

(32) André Kertész (1894-1985). Fotógrafo húngaro. Nacido como Andor Kertész el 2 de julio de 1894 en Budapest (Hungía), hijo de una familia judía. Conoció la fotografía gracias a un manual que encontró en su ático. Antes de dedicarse a ella profesionalmente estudió en la Academia de Comercio hasta que se graduó en 1912. Sus estudios lo prepararon para trabajar en la bolsa de valores de Budapest. Este trabajo no le interesaba en lo más mínimo pero le permitió comprar su primera cámara en 1913. En sus periodos de descanso Kertész tomaba imágenes de sus vecinos y de los paisajes que le rodeaban. Las imágenes que veía en las revistas que llegaban a sus manos le inspiraban para seguir aprendiendo. Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, André se alistó al ejército y fue enviado al frente. Allí no abandonó la fotografía aunque la mayoría de las copias fueron destruidas durante la Revolución Húngara de 1919. En 1915 fue herido de bala en un brazo y retirado de la línea de fuego. En septiembre de 1925 emigró a París donde comenzó trabajando por encargo para varias revistas francesas. Pronto entró en contacto con el círculo de artistas emigrantes concentrados en París. Entre ellos se encontraban Brassaï (1899-1984), Robert Capa (1913-54) o Man Ray (1890-1976). Allí conoció el éxito y el reconocimiento e hizo varias exposiciones tanto individuales como colectivas. Tras su periodo francés emigró a Nueva York en 1936 donde no fue tan reconocido como en Europa. Allí publicó varias fotografías en revistas como Harper's Bazaar pero en la mayoría de ellas se encontró con problemas. La Segunda Guerra Mundial llevó a Kertész a abandonar su trabajo durante unos años ya que los húngaros fueron declarados enemigos de la patria en Estados Unidos. Se sintió rechazado allí donde iba ya que sus fotografías no eran lo suficientemente valoradas ni se incluían entre las recopilaciones de galerías y publicaciones. En la actualidad es uno de los fotógrafos más influyentes de su época. Tras su muerte obtuvo todos los reconocimientos que no consiguió en vida. Muchas de sus fotografías se encuentran entre las más valiosas del siglo XX. Éstas muestran la vida tal y como él las concebía, tranquilas y nostálgicas. Su juego con la luz fue considerado arte años más tarde. Hoy en día es catalogado como el padre del periodismo fotográfico. André Kertész murió en Nueva York el 28 de septiembre de 1985. Fuentes: Fotonostra ⇑

 

 

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