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EXPRESIONISMO ABSTRACTO

 

 

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, nace en Estados Unidos hacia la segunda mitad de la década de 1940, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo. Al Expresionismo abstracto también se lo conoce no muy apropiadamente como Escuela de Nueva York. No se trata propiamente de una escuela con un estilo común, sino de una serie de artistas de convicciones semejantes y que compartían una serie de técnicas pictóricas. El Expresionismo Abstracto fue el primer gran movimiento artístico netamente americano. Estados Unidos ve como en los años cuarenta y cincuenta el centro artístico de vanguardia pasa de París a Nueva York debido a la inmigración de artistas europeos con motivo de la Segunda Guerra Mundial. La influencia del Arte europeo siguiría estando presente pero en mucha menor medida. El Expresionismo Abstracto mantuvo su hegemonía hasta los años sesenta, momento en el que diferentes corrientes reivindican la vuelta a la figuración e, incluso, la eliminación del componente subjetivo en el Arte.

 

Los críticos de arte estadounidenses pronto captaron la emergencia de este nuevo estilo, destaca Clement Greenberg (1909-94), que escribió en The Nation y Partisan review, así como Harold Rosenberg (1906-78) y Thomas B. Hess (1920-78). Fueron estos críticos los que hablaron de American type painting, Abstract expressionism, Action painting, Drip painting o Gestural painting. Es al crítico Robert Coates (1897-1973) a quien se atribuye la acuñación del término abstract expressionism. No obstante, los artistas de este movimiento rechazaron el término por entender que su obra no era abstracta, en sentido estricto, y que no tenían ninguna relación con el expresionismo alemán.

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El Sol, el derviche en el árbol (1944. Óleo sobre lienzo. 90.8 x 119. 4 cm. Colección Denise y Andrew Saul.Nueva York. Estados Unidos) © The Arshile Gorky Estate - Arshile Gorky

 

Dentro de este movimiento se encuentra la Action Painting (pintura en acción o pintura gestual), término acuñado por el crítico de arte Harold Rosenberg en el año 1952 para referirse a la obra de artistas como Jackson Pollock (1912-56), Willem de Kooning (1904-97) y Franz Kline (1910-62). Rosenberg lo propuso por vez primera en «American Action Painters», importante artículo publicado en Art News, vol. 51. Action painting y expresionismo abstracto son términos que suelen usarse como sinónimos, si bien no son exactamente lo mismo.

 

Varias son las causas que ayudaron al surgimiento de este movimiento como algo totalmente nuevo hacia principios de siglo xx. En primer lugar, los elementos formales provinieron de la abstracción post-cubista y del surrealismo. Y aunque los expresionistas abstractos rechazaron tanto el cubismo como el surrealismo, lo cierto es que resultaron muy influidos, sobre todo por el segundo de estos movimientos, en sus primeras fases. En segundo lugar, es un movimiento estadounidense que surge en unas circunstancias problemáticas desde el punto de vista social: primero, el crack de 1929 y la subsiguiente gran depresión, y después, la segunda guerra mundial. Estas circunstancias explican, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos. Ha de mencionarse organismos artísticos que fomentaron las artes durante la época crítica de los años treinta: el FAP (Federal Arts Project) y la WPA (Works Progress Administration). En estas asociaciones artísticas se manifestaba el afán renovador del propio país norteamericano, y en ellas trabajaron algunos pintores que después destacarían como expresionistas abstractos. La pintura de la American scene típica de la llamada «Ash Can School» se vincula a este expresionismo a través de la obra de Arshile Gorky (1904-48). No pueden ignorarse, tampoco, las actividades de museos y galerías de arte que promovieron la exposición pública de las obras de estos artistas. Destaca sobre todo el nombre de la mecenas y coleccionista Peggy Guggenheim (1898-1979), por entonces casada con el surrealista Max Ernst (1891-1976). Peggy Guggenheim fundó en 1942 Art of this Century, galería de arte y museo en la que presentó la obra de vanguardistas europeos y norteamericanos, promocionando la obra de los expresionistas abstractos, por entonces completamente desconocidos. En esta galería se celebraron las primeras exposiciones individuales de artistas como Pollock o Mark Rothko (1903-70). Cerró en 1946.

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Excavación (1950. Óleo sobre lienzo. 206.2 x 257.3 cm. Instituto de Arte de Chicago. Illinois. Estados Unidos) © The Willem de Kooning Estate - Willem de Kooning

 

También contribuyeron al surgimiento de este movimiento los artistas e intelectuales europeos que tras el estallido de la guerra, llegaron a Nueva York. Ya con anterioridad habían llegado a Estados Unidos los pintores dadaístas Francis Picabia (1879-1953) y Marcel Duchamp (1887-1968). Después, llegaron al continente americano los pintores alemanes Hans Hofmann (1880 -1966) y Josef Albers (1888-1976), quienes destacaron por su labor docente. Entre los recién llegados con motivo de la guerra estuvieron varios importantes artistas vanguardistas parisinos, provenientes sobre todo del surrealismo, como el francés André Masson (1896-1987) y el chileno Roberto Matta (1911-2002). Con el estallido de la segunda guerra mundial en septiembre de 1939, Kurt Seligmann (1900-62) fue el primer surrealista europeo que llegó a Nueva York. Muchos otros artistas europeos influyente siguieron su ejemplo y se refugiaron en Nueva York, huyendo del nazismo: el neoplasticista Piet Mondrian (1872-1944), Fernand Léger (1881-1955), Max Ernst, Yves Tanguy (1900-55), Joan Miró (1893-1983) y el poeta André Breton (1896-1966). Incluso Salvador Dalí (1904-89), con su esposa Gala (1894-1982), se trasladaron a los Estados Unidos en 1940. Es en este momento cuando Nueva York se convierte en el centro artístico mundial desde donde irradian las nuevas tendencias plásticas. Se celebraron exposiciones conjuntas de estos artistas exiliados con los emergentes artistas de la Escuela de Nueva York. Así, de octubre a diciembre de 1942 se celebró la exposición surrealista The First Papers of Surrealism, en la que junto a surrealistas europeos expusieron los estadounidenses William Baziotes (1912-63), David Hare (1917-92) y Robert Motherwell (1915-91).

 

Los expresionistas tomaron del surrealismo aquello que de automático tenía el acto de pintar, con sus referencias a los impulsos psíquicos y el inconsciente. Pintar un cuadro era menos un proceso dirigido por la razón y más un acto espontáneo, una acción corporal dinámica. Les interesó, pues, el «automatismo psíquico» que hiciera salir de su mente símbolos y emociones universales. No es extraño que les interesara entonces el surrealismo más simbólico y abstracto, el de Jean Arp (1886-1966), Joan Miró, André Masson, Roberto Matta, Wolfgang Paalen (1905-59) y Gordon Onslow Ford (1912-2003), más que el surrealismo figurativo. De ellos tomaron las formas orgánicas y biomórficas. Inicialmente, el Expresionismo Abtracto se trató de un movimiento marcado por influencia del surrealismo.

 

La primera generación del expresionismo abstracto es a la que debieramos llamar acertadamente Escuela de Nueva York y la forman pintores que trabajaron en esta ciudad y alrededores entre 1942 y 1957. Entre estos pintores destacamos a: Willem de Kooning, Arshile Gorky, William Baziotes, Hans Hofmann, Mark Rothko, Jackson Pollock, Franz Kline, Robert Motherwell, Barnett Newman (1905-70), Richard Pousette-Dart (1916-92), Adolph Gottlieb (1903-1974), Philip Guston (1913-80), Bradley Walker Tomlin (1899-1953), Jack Tworkov (1900-82), Ad Reinhardt (1913-1967), Clyfford Still (1904-80), Hedda Sterne (1910-2011), William Congdon (1912-98), Conrad Marca-Relli (1913-2000), James Brooks (1906-92), Morris Louis (1912-62), Milton Resnick (1917-2004), Theodoros Stamos (1922-97), Lee Krasner (1908-84) o el único español Esteban Vicente (1903-2001).

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Pintura número 2 (1952. Óleo sobre lienzo. 204 x 271 cm. Museo de Arte Moderno. Nueva York. Estados Unidos) © The Franz Kline Estate – Franz Kline

 

Se considera a líder de este movimiento o iniciador del mismo a Arshile Gorky, armenio exiliado en Nueva York desde 1925. Gorky recibe la influencia del surrealismo y sirve de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana. Hacia el año 1936, abandona la figuración y, bajo la influencia de Roberto Matta, descubre un nuevo lenguaje formal, optando por las figuras abstractas biomorfas. Aunque su pintura tendió a la abstracción y la espontaneidad, no prescindió totalmente del dibujo ni renunció a controlar la pincelada.

 

Muy cerca del surrealismo estuvo siempre la obra de William Baziotes, quien profundizó en la tendencia, de raíz jungiana, a investigar los mitos antiguos y el arte primitivo. Desde 1941 usó el automatismo pictórico, creando imágenes biomórficas con su sentido mítico. Cabe finalmente mencionar la obra de Hans Hofmann, importante como docente. Su pintura tenía una base cubista, pero se fue haciendo abstracta en los años cuarenta, presentando en sus cuadros zonas de color que contrastaban entre sí; el estilo es emocional y vigoroso.

 

Con el fin de la segunda guerra mundial y el regreso a Europa de muchos de los exiliados, acabó atenuándose la influencia surrealista y el movimiento se hizo más genuinamente nortemericano. Se fue escindiendo en dos tendencias que pueden definirse como action painting y campos de color. La primera de ellas enfatizaba más el gesto físico de pintar, mientras que en la segunda se centró en la aplicación del color en grandes áreas.

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Verde, Rojo, Azul (1955. Óleo sobre lienzo. 207 x 197.7 cm. Museo de Arte de Milwaukee. Wisconsin. Estados Unidos) © The Mark Rothko Estate – Mark Rothko

 

En el expresionismo abstracto destaca la action painting (pintura en acción), estilo diferenciado que incluso a veces se usa para nombrar a todas las tendencias expresionistas. Aunque, como se ha señalado, el término action painting fue usado por Harold Rosenberg en 1952, se había utilizado con anterioridad, en el Berlín de 1919, y en Estados Unidos hacia 1929, para designar las primeras composiciones abstractas de Wassily Kandinsky (1866-1944). El centro de interés de la action painting es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también pintura gestual por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. De esta manera, Elimina los límites tradicionales entre el pintor y la pintura, ligando la acción de pintar con la biografía del artista. El action painter por antonomasia es Jackson Pollock, a quien se considera el primer pintor que asimiló la formación pictórica de Gorky. Se le relaciona con el surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA (Washington Project for the Arts) y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Igualmente, la obra del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros (1896-1974), en cuyo taller experimental tuvo ocasión de trabajar en 1936, usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo, así como pigmentos sintéticos industriales. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos. En esta misma línea de la action painting trabajaron Willem de Kooning y Franz Kline, con pinturas abstractas y vigorosas, siendo el primero de ellos otro pintor muy influyente en otros autores posteriores.

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1957-D No. 1 (1957. Óleo sobre lienzo. 287 x 404 cm. Galería de Arte Albright-Knox. Buffalo. Nueva York. Estados Unidos) © The Clifford Still Estate - Clyfford Still

 

William De Kooning realiza obras más figurativas que las de Jackson Pollock, siendo algo intermedio entre la figuración y la abstracción, es gestual y representativo al mismo tiempo. A partir de 1946, pintó abstracciones de figuras biomórficas. Su obra se centró en representar primero la figura masculina, dedicándose, desde 1950, a su serie más conocida, Mujeres. La figura femenina se identificaba gracias a unos senos de enorme tamaño, y sus formas agresivas hacían de ellas símbolos de fertilidad y de madre lactante, pero también de mujer erótica o devoradora de hombres. Recurría a colores primarios intensos y vivos, sirviéndole el blanco y el negro para dar toques que realzan las figuras. Sus pinceladas eran violentas, aplicando la pintura de manera totalmente impulsiva. Entre la action painting y la color-field painting puede situarse la obra de síntesis de Franz Kline y Robert Motherwell. Por lo que se refiere a Franz Kline, trabaja mediante brochazos. Lo mismo que Pollock, su gama cromática es reducida, prácticamente monocroma: el negro, el blanco y el gris azulado. Optó por anchas franjas negras ejecutadas mediante vigorosos brochazos sobre superficies blancas. Eran ampliaciones de detalles de sus propios dibujos. Las obras resultantes recuerdan a las del informalista Pierre Soulages (1919) o a los ideogramas chinos. Negro y blanco son también colores predominantes en la obra de Robert Motherwell. A veces realiza obras en forma de collage. Fue moderando el automatismo surrealista de su obra hasta situarse en un punto intermedio entre el gesto abstracto y la fragmentación figurativa, siendo su obra una síntesis de la action painting y la pintura de campos de color. Su serie más famosa es la Elegía a la República Española, comenzada en 1949 y formada por cerca de 150 cuadros; está inspirada por la guerra civil española, pero no por su significado político sino, sobre todo, como metáfora del erotismo y la muerte. Fue, además, un pensador que contribuyó a divulgar la obra de la primera generación de expresionistas abstractos. La action painting fue la tendencia que más influyó en la segunda generación del expresionismo abstracto y en muchos pintores contemporáneos europeos. Entre los artistas españoles, merecen destacarse especialmente Esteban Vicente y José Guerrero (1914-91).

 

La color-field painting o «pintura de campos de color» es otra corriente dentro de la Escuela de Nueva York, anticipatoria de la pintura minimalista. Irving Sandler (1925), crítico e historiador del arte propuso llamar pintura color-field a esta última alternativa del expresionismo abstracto, centrada en el color y sus posibilidades expresivas. Surgió igualmente en torno al año 1947. Crearon cuadros en los que dominaban amplias áreas de color, todas ellas de igual intensidad. No hay en sus obras contrastes de luz o de colores. El dibujo y el gesto se hicieron simples. En muchas obras se trabajaba con un solo color con diferentes tonalidades. Son cuadros cercanos al neoplasticismo pero, a diferencia de él, las áreas de color son abiertas, y parecen seguir más allá de los bordes del cuadro. Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman y Enrico Accatino (1920-2007).

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Negro, rojo y marrón (1962. Papel coloreado sobre cartón. 65.9 x 97.5 cm) © The Esteban Vicente Estate – Esteban Vicente

 

Clyfford Still fue otro de los artistas que en los años treinta, trabajó en la WPA. Su estilo fue haciéndose gradualmente más abstracto. Su estilo de madurez está dominado por cuadros de fondo negro, al que consideraba su «no-color preferido». Y, sobre él, aparecían unas líneas verticales de contorno irregular, como si fueran una especie de llamas, de colores vivos: amarillo, naranja o blanco. Con figuras biomorfas que pretendían expresar formas míticas comenzó la carrera artística de Rothko, a comienzos de los cuarenta. Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas. Los contornos son borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y violencia de los action painters.

 

La pintura de los campos de color culmina con la obra de Barnett Newman, cuya obra parte de una concepción más radical que lleva a que se le considere dentro de la sensibilidad post-pictórica y del minimalismo. Su estilo maduro está constituido por cuadros en los que predomina un único color, plano y uniforme, interrumpido únicamente por una o dos finas bandas verticales a las que el autor llama "zips". A diferencia de la obra de Rothko, en la suya los campos de color tienen unos contornos netos. Ad Reinhardt realizó pinturas con rectángulos, colocados en paralelo o en perpendicular; usó pocos colores: rojo, azul, negro. Está también considerado como precursor del minimalismo, o figura de transición hacia este movimiento. Influyó sobre todo como teórico, con escritos como sus «Doce reglas para una academia» (Arts News, 1957), atribuyéndosele la expresión «menos es más» que se convirtió en lema de los minimalistas.

 

Una corriente minoritaria dentro del expresionismo abstracto está formada por aquellos pintores que hicieron del signo el protagonista de sus cuadros. Sería una modalidad intermedia entre la pintura gestual y la de los campos de color, en lo que podría llamarse «simbolismo abstracto». Mediante el signo, se dota al cuadro de una gestualidad, violencia y libertad cercanas a la action painting. Pero, al mismo tiempo, servía para ordenar el lienzo mediante zonas cromáticas claras y controladas, lo que remite a la idea de delicado cromatismo propio de la color-field painting. Dentro de esta tendencia se enmarca a Adolph Gottlieb. El contenido de sus pinturas provenía del inconsciente, como pretensión inspirada por el surrealismo. Su obra de madurez se caracteriza por un fondo de color ocre en el que destaca una mancha esférica sobre la que hay otra de color amarillo intenso.

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Elegía a la República Española (1963. Acrílico sobre tela. 213.4 x 609.6 cm. Colección particular) © The Robert Motherwell Estate - Robert Motherwell

 

El expresionismo abstracto se desarrolló en Estados Unidos a lo largo de unos veinte años, más o menos. Después se divulgó por Europa, Japón y Sudamérica.

 

La segunda generación expresionista se encuentra formada por una serie de artistas, alrededor de una treintena, que alcanzaron su madurez en la década de los cincuenta. La mayor parte de ellos sienten la influencia poderosa de Pollock. Su obra se divulgó por Europa en torno a 1964. Entre ellos puede citarse a: Helen Frankenthaler (1928-2011), Norman Bluhm (1921-99), Knox Martin (1923), Joan Mitchell (1925-92) -es, sin duda alguna, la pintora más destacada de este grupo. Trabajó grandes formatos, realizando trípticos e incluso polípticos. Representó paisajes abstractos con un vivo cromatismo-, Kenneth Noland (1924), Sam Francis (1923-94), o José Guerrero, entre otros.

 

Pollock también influyó en artistas no directamente pertenecientes a esta segunda generación de expresionistas, sino más bien abstractos: Grace Hartigan (1922-2008), Jean-Paul Riopelle (1923-2002), Pierre Soulages, Olivier Debré (1920-99) y Antonio Saura (1930-98).

 

El movimiento expresionista abstracto influyó en otras tendencias pictóricas como el informalismo y el tachismo europeos. La action painting, en particular, fue muy influyente en el violento tachismo francés. Fue la tendencia principal de la pintura hasta los primeros años 1960 en que surgió el Pop Art y el arte minimal (hacia 1962-63). No obstante, algunos pintores minimalistas se ven influidos por el expresionismo abstracto, especialmente por la tendencia color-field painting.

 

Mientras que los pintores expresionistas abstractos estuvieron en el punto de mira popular y de la crítica, los escultores expresionistas abstractos recibieron sólo un modesto reconocimiento. Pero escultores como Seymour Lipton (1903-1986), Theodore Roszak (1907-1981), Herbert Ferber (1906-1991), David Smith (1906-1965) o Isamu Noguchi (1904-1988), entre otros, comparten las raíces intelectuales, culturales y artísticas de la posguerra que caracterizaría al movimiento. Smith, Roszak y Lipton trabajaron sobre todo el metal, lo que significaba que su arte no se podía producir tan rápido como las pinturas, por lo que la limitación de la espontaneidad pueden ser una de las razones por qué los escultores a menudo son pasados por alto en las discusiones sobre el Expresionismo Abstracto.

 

 

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Blog de Pintura del pintor Meko (Jesús Meco Castellanos)